El Kazajistán que no te cuentan en las guías de viaje, redes sociales para todos los gustos, un artesano que lucha contra la obsolescencia programada y un cuento de hadas sin final feliz, en los 5 posts más leídos de la semana.

1. Vox Populi: La historia real de Kazajistán contada a través del fotoperiodismo

2. Hay una red social para ti… por muy raro que seas

3. El enemigo de la obsolescencia programada

4. Fueron felices y comieron perdices…Y después ella murió

5. ¿Periodismo al peso o de calidad?

16 millones de almas se reparten por Kazajistán, uno de los países más grandes del mundo en la antigua Unión Soviética. Un lugar tan grande que incluso sus propios residentes no conocen las realidades de muchas otras partes de esta nación, rica en petróleo pero pobre en Derechos Humanos.

Vox Populi es el intento de un pequeño grupo de fotoperiodistas de ese país de contar la historia real de esta joven nación, el país que nunca encontrarás en las guías turísticas.

Historias estremecedoras, historias tristes, historias divertidas, historias reales contadas por periodistas reales. El espacio ilimitado que ofrece internet permite a los responsables de la página explayarse. Algunos reportajes llegan a tener más de 50 fotos. Todos los artículos se traducen al inglés para su mayor difusión.

Con un equipo de 8 personas están demostrando que se puede hacer un gran producto editorial donde prima la fotografía con recursos limitados.

¿Qué es lo que encontrarás en el Kazajistán de Vox Populi?

Bendiciones a 20 bajo cero

Confesiones de una transexual

El cementerio nuclear de Semipalatinsk

La historia del petróleo en Kazajistán

Un festival hippy en las montañas de Alatau

La vida de una pareja homosexual kazaja en Brasíl

Las playas de Kapchagay

Protestas en Almaty

Las pistas de esquí de Karakol

Revueltas de trabajadores en Zhanaozen

Cómo se elabora el chocolate

La vida de las prostitutas en Almaty

Merkur y las flores

“Es una perspectiva más real que el Kazajistán de las estepas y edificios modernos que aparecen cuando haces un búsqueda en Google”, explica Alisher Yelikbayev, fundador de la web.

Esta publicación visual nació de las cenizas de una revista en papel del mismo nombre que pese a las buenas intenciones de sus dueños no funcionó. “Se creó en 2008 para hablar de política y economía. Contrataron a un director de arte francés y se puso mucho énfasis en el diseño. Ficharon a los mejores periodistas y ofrecieron muy buenos salarios”. Sin embargo, no fueron capaces de encontrar el modelo de negocio para sostenerla y acabo cerrando.

La revista tanteó a este joven empresario para trabajar allí pero Yelikbayev tenía otras ideas para el futuro de la publicación. “Había perdido la fe en las revistas en papel, así que presenté a los dueños un plan de negocio para hacer una publicación exclusivamente online.”

No sería una revista cualquiera. Todos los artículos iban a ser protagonizados por fotografías acompañados de pequeños textos.

Según Yelkibayev, Vox Populi trabaja con un fuerte compromiso ético en un país donde la corrupción abunda. “Nos hemos puesto una meta muy difícil de alcanzar, crear un proyecto completamente abierto, sin robar contenido de otras páginas, sin pagar salarios en negro, ser transparentes con nuestros lectores sobre los anunciantes que invierten en la página y nunca dar ni aceptar sobornos. A sabiendas de la realidad en este país parecía que estábamos firmando nuestra sentencia de muerte pero al final hemos sobrevivido”.

Los lectores lo han sabido valorar. La página recibe de media reciben más de 200.000 visitantes únicos al mes con una actualización diaria. Muchas noticias reciben más de 100 comentarios atraídos por su forma cercana de relatar la realidad.

Esta es su historia.

¿Cuando lanzasteis Vox Populi vuestro principal objetivo era cambiar la percepción del país al resto del mundo?

Lo principal era contar Kazajistán a los kazajos. Es un país enorme, el noveno más grande del mundo con solo 16 millones de ciudadanos y unas distancias enormes entre ciudades. Se tarda hasta 5 días en cruzar el país en tren. Es muy improbable que la gente del este visite nunca los lugares de extracción de petróleo y pesca en el oeste cercanos al mar Caspio. Al mismo tiempo, los ciudadanos adinerados no suelen tener la sensibilidad para interesarse sobre la vida en Aralsk, una región muy pobre del país. El hecho que nos ha llegado un audiencia del extranjero ha sido un plus para nuestro trabajo. Por cierto, en el extranjero, después de Rusia y Reino Unido, la mayor parte de visitas nos llegan de España.

¿Cuál es vuestro criterio a la hora de escoger noticias?

En nuestra reunión de cada lunes escogemos temas y trabajamos sobre ellos durante la semana. A principios de la semana intentamos enseñar algo social, cuando se acerca el fin de semana algo más entretenido. Intentamos mantener un equilibrio entre artículos serios y temas más de tabloide. Los foto reportajes son nuestra principal especialidad pero también hemos añadido artículos que cuentan la historia del país en fotos y a través de fotógrafos conocidos.

Se nota que estáis orgullosos de vuestro país pero al mismo tiempo no habéis caído en la trampa de sólo ofrecer una visión idealizada de Kazajistán…

Nos encanta nuestro país. Hemos sido un país independiente solo durante 20 años y hemos conseguido mucho. Pero vemos muchas cosas malas también como la corrupción, la enorme disparidad entre ricos y pobres, problemas con educación y la falta de conciencia ecológica. Es importante transmitir esto a los líderes del país y nosotros lo hacemos mediante la fotografía. No representamos ni las fuerzas pro gubernamentales ni la oposición, solo somos una web que pública imágenes. No tomamos conclusiones reduccionistas en nuestros artículos, dejamos que lo hagan nuestros lectores.

¿Cuáles fueron vuestros referentes para empezar Vox Populi?

Nos inspiró Big Picture de The Boston Globe. Espero que se note.

¿Cuantos sois en el equipo?

Somos 8. Un director de proyectos, director editorial, un responsable de Social Media, 3 fotógrafos, un conductor y un contable. Ahora que empezamos a tener más interés de anunciantes estamos buscando un comercial.

¿Cómo está funcionando la página? ¿Gana dinero?

El año pasado invertimos 300.000 dólares y ganamos 50.000 dólares. El mes de enero ha sido el primer mes donde nos gastamos menos de lo que ingresamos, 23.000 dólares versus 25.000 dólares. Esperemos que esta tendencia continúe. Es una tendencia generalizada en este país solo declarar una pequeña parte de los ingresos al fisco. Cuando los empleados trabajan en negro evitan pagar impuestos. Puedes reducir tu presupuesto en un 30%. Nosotros rechazamos esto desde el primer momento. Somos una de las empresas más abiertas en Kazajistán e informamos sobre nuestros gastos y ganancias cada mes a través de las redes sociales.

¿Cómo generáis ingresos?

Ganamos dinero solo mediante publicidad en la página. En el futuro queremos abrir una agencia para vender nuestras fotos a cualquiera que este interesado en comprarlas.

¿Qué mensaje tienes para los interesados en visitar Kazajistán?

No es un destino turístico popular. Tenemos enormes distancias entre ciudades y los monumentos, los vuelos son caros y los trenes espantosos. El servicio no es muy bueno y los hoteles no son baratos. Pero somos lo que somos. Se que mucha gente en Europa está harta de la abundancia de turistas y del todo incluido. Si quieres ver la vida real en un país real, conocer gente nueva os recibiremos con los brazos abiertos.

Ian Schneller es una persona que se toma muy en serio su trabajo. Tanto que dice que duerme más tranquilo por las noches, cuando se mete en la cama, al saber que ha contribuido a luchar contra ‘la chapucería’ que impera en la mayor parte de productos que nos rodean. “Cuando desmonto los objetos actuales me quedo horrorizado. Los tornillos están escondidos. Nada es intercambiable ni reparable. En los años 30, 40 y 50, los ingenieros siempre buscaban dar más de lo que se esperaba para aguantar imprevistos. Hoy solo veo a mi alrededor productos hechos para durar unos años y que, al poco tiempo, se acaban desechando. Se acabó el afán por comprar cosas de calidad y duraderas”, explica mientras camina de arriba abajo por su taller, en el barrio de Humboldt Park, Chicago.

La protesta de Schneller podría ser interpretada, posiblemente, como el llanto impotente de alguien atrapado en el pasado contrario a la democratización y masificación de los instrumentos. Él dice no verlo así en absoluto. Comprar un instrumento, en su estimación, debería ser algo similar a adquirir un reloj que pasa de generación en generación. “Es una cuestión de permanencia. Mis guitarras no están hechas para durar unos años. Están pensadas para durar vidas”.

Cada día, este cirujano de la acústica se encierra en su taller que utiliza como base de operaciones de Specimen Instruments. Una marca fundada por él mismo hace 25 años y que elabora guitarras, ukeleles, bajos, altavoces y sistemas de sonidos de forma completamente artesanal y bajo encargo. Sus propuestas más experimentales llegan incluso a considerarse obras de arte por coleccionistas de todo el mundo que buscan objetos especiales para escuchar música. Una de sus piezas más cotizada en este campo es el Horn Amp, un amplificador con forma de gramófono más cercano a una escultura que a un altavoz, que elabora con papel de periódico reciclado y madera reforzada. ¿El precio? Más de 1.000 dólares.

La pasión con la que concibe los instrumentos le ha llevado a trabajar con músicos como Jeff Tweedy, de Wilco, o Jack White, de los ya difuntos White Stripes, a quienes proporciona equipo y arregla guitarras. Pero su relación más duradera y sólida es con el multiinstrumentista Andrew Bird con quien colabora frecuentemente.

Schneller es el científico loco siempre buscando ir más allá. Bird, su conejillo de indias, siempre dispuesto a probar sus nuevas creaciones. “Es una simbiosis que ayuda a explorar los límites de cada uno. Yo le intento proporcionar los mejores instrumentos para sus conciertos y él busca sacar lo mejor de los míos en esos conciertos”.

En diciembre encabezaron Sonic Arboretum, una instalación en vivo que transmitía la música de Bird por los altavoces esculturales de Schneller repartidos por una enorme sala en el museo de arte contemporáneo de Chicago. En el pasado, también han expuesto su trabajo conjunto en el Guggenheim de Nueva York.

El escultor de instrumentos

Precisamente, una de las piezas que concibió originalmente para Bird es la que utiliza este artesano para hacer una demostración en vivo de lo que sus instrumentos son capaces de ejecutar durante nuestra visita a su taller. Dos de sus altavoces característicos en forma de gramófono yacen sobre una estantería. Schneller pulsa un botón y empiezan a rotar como una hélice. Coge una de sus guitarras y toca unos acordes de blues. El sonido es nítido y envolvente. El movimiento de los altavoces crea un efecto hipnótico.

Una vez terminado el pequeño concierto, Schneller se acerca a su mesa de trabajo y demuestra una vez más que su imaginación transciende lo meramente artesanal. Se sienta y abre una libreta con un dibujo coloreado de un proyecto que espera llegar a realizar en los próximos años. Es una especie de carrusel en el que cuelgan seis altavoces giratorios.

Su forma de concebir la artesanía está fuertemente influída por su formación. Estudió bellas artes y se especializó en escultura, aunque la fascinación que siente por cómo funcionan las cosas viene de antes. “Tenía 13 años. Recuerdo que se estropeó un coche que me había regalado mi padre. Localicé la pieza que fallaba y compré un repuesto por 6 dólares y lo instalé. Me acuerdo, como si fuera ayer, de la satisfacción que recorrió mi cuerpo cuando se encendió el motor”, rememora.

Este némesis de la obsolescencia programada no se resigna a aceptar que su batalla esté perdida. No reivindica que todos sean tan de nicho como él, pero sí hace un llamamiento para que se revise cómo la gente afronta la fabricación de guitarras y productos hoy en día.

Schneller tampoco quiere que este oficio se vaya con él. Para asegurarse, el estadounidense transmite, desde hace años, sus conocimientos en Chicago School of Guitar Making, los cuales imparte en su taller. Una escuela por donde han pasado más de 1.000 personas. Es su forma de asegurarse de que siga viva su manera de entender la fabricación de instrumentos y, de paso, dar la espalda a lo efímero en favor de lo duradero.

Fotos: Caleb Condit

Este artículo fue publicado en el número de febrero de Yorokobu.

El síndrome de Huffington Post ha infectado a las redacciones a lo largo y ancho del planeta bajo unas sencillas máximas. Publica al peso, agrega artículos de otros medios, diseña tus titulares para tener el mejor posicionamiento SEO sin importar su belleza y aprovecha los temas de actualidad resumiendo los trending topics de cada día para aumentar tus páginas vistas. El director de Salon Kerry Lauerman siguió estas reglas durante la recesión financiera y acabó tan decepcionado con los resultados que decidió hacer lo opuesto, apostar por menos artículos pero de más calidad. Los resultados fueron sorprendentes, aumentó sus visitas en un 40% con un 33% menos de contenido.

Como muchos editores presionados por los financieros para dar más por menos, Kerry Lauerman, de Salon.com, persiguió una política de recortes para su medio de comunicación durante la entrada de la crisis. “Afectados por la recesión, seguimos el guión de otros medios, despedimos a personal estupendo para bajar nuestros costes, recortamos gastos brutalmente, cambiamos las prioridades de la redacción para que los periodistas pudieran producir más y experimentamos con la agregación”.

Las horas más bajas de esta estrategia, en opinión de Lauerman, llegaron cuando empezaron a asignar periodistas a buscar trending topics en Twitter y crear artículos que aprovecharan el efecto viral de estos. La labor de Salon se había convertido en reactiva en vez de proactiva. La búsqueda de la originalidad había salido por la ventana.

Un repentino cambio de dirección que acabó con la vuelta del fundador de David Talbot al medio permitió a Lauerman volver a una estrategia basada en buscar la calidad en vez de la cantidad. Empezaron a encargar más artículos en profundidad e invertir en contenido original. En diciembre produjeron 572 artículos en vez de los 848 del año anterior y en enero sacaron 602 piezas en vez de 943.

Lejos de perder visitas, los resultados han sido espectaculares. El cambio de rumbo ha logrado aumentar el tráfico en un 40% con un 33% menos de contenido. De paso se ha dado un buen sopapo al síndrome del Huffington Post.

El reto pendiente, admite Lauerman, está en resolver el modelo de negocio del periodismo digital que sigue sin estar claro.

Todo esto lleva a hacer varias valoraciones:

- Cuando vemos un nuevo contrincante que llega, acapara los medios, se lleva millones de páginas vistas, hay una tendencia a decir yo quiero lo que él tiene. Pero ahora es el momento de ser valiente y hacer lo opuesto.

- Esto no significa no aprender de la innovación que han aportado páginas como Huffington Post ni menospreciar el nuevo perfil de agregadores. En los últimos años han surgido excelentes profesionales muy adeptos a encontrar lo mejor que se publica en la red. Los medios pueden hacer pefectamente las dos cosas pero no dejar que la agregación tome el control de la agenda.

-  Si todos nos dedicamos a agregar, ya no quedará contenido original por agregar. Si cada vez hay más agregadores, estos medios van a necesitar más información para agregar. ¿Por qué no intentar darles contenido para que puedan hacerlo?

- No hay que olvidar el estado de ánimo de los periodistas. Una redacción que está trabajando sobre artículos originales va a estar mucho más motivada que una redacción dedicada exclusivamente a agregar contenido.

- ¿A quién queremos llegar? ¿El lector que se queda y toma un café o el que entra, escupe y sale? ¿Queremos que el lector sea uno que llega por casualidad atrapado por un artículo que resume los entresijos del último escándalo entre Angelina Jolie y Brad Pitt o queremos llegar a un lector al que realmente le interesa nuestros temas y que volverá todos los días si encuentra lo que busca en nuestro medio?

- Si los medios sufren un problema de diferenciación, la mejor forma de hacerlo es a través de sus contenidos.

Conviene también hacer autocrítica. ¿Hemos perdido el norte cuando nos sorprende que la calidad gana a la cantidad?

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Foto: Robert F. Sargent wikimedia commons

Brian Chesky viaja mucho pero nunca pisa un hotel. Bueno, casi nunca. “Lo hago muy de vez en cuando para aprender cosas que nosotros luego podemos aplicar a nuestro negocio”, explicó esta mañana el fundador de la web de alquileres de propiedades Airbnb. Lleva una semana de gira por Europa promocionando el site y en las seis ciudades que ha visitado se ha alojado en casas encontradas en la página. En 2010 pasó más de 8 meses viviendo así.

Hoy no es para menos. La presentación de la compañía en España, donde acaban de abrir una oficina en Barcelona que será dirigida por Kay Kuehne, se hizo en un apartamento del barrio de las letras donde Chesky había pasado la noche.

No es que Airbnb haya inventado el concepto de poner en alquiler habitaciones y propiedades privadas por noches. Eso se ha hecho toda la vida y se ha podido hacer principalmente mediante sites locales. Lo que han conseguido es ejecutarlo de tal forma que hoy son la mayor web de alquiler de propiedades de corta estancia tanto por alcance como por volumen de reservas en el mundo. De paso han logrado convertirse en un serio competidor a los hoteles al ofrecer un sistema de reservas similar y una masa crítica para garantizar que la oferta sea interesante y variada.

Hacerlo, según Chesky, ha sido posible gracias al empuje que aporta la comunidad de miembros de la página. “Son ellos los que nos sugieren nuevas actualizaciones. Fueron ellos quienes nos pidieron que empezáramos a ofrecer alquiler de casas de lujo u originales como una casa de vacaciones que utiliza el interior de un Boeing 727 antiguo. También nos pidieron que ofreciéramos la posibilidad de alquilar propiedades durante estancias más largas como un mes o dos”.

Los incentivos para los arrendatarios ayudan a que los usuarios tomen la iniciativa. El año pasado los propietarios de las más de 2.400 propiedades disponibles en Barcelona se llevaron una media de 10.000 euros al año, según datos de la compañía. Airbnb se lleva entre el 6% y 12% del alquiler mientras que el que pone su casa en alquiler tiene que pagar el 3% por cada transacción.

Esa comunidad también es la que ha permitido a Airbnb crecer tan rápido. Viajar provoca movimiento de personas que a su vez producen viralidad. “Siete de cada 10 de nuestros usuarios nos conoció por recomendaciones de otros usuarios”, explicó Chesky.

El hype de 2011

La apertura de una oficina en España es un paso más en la internacionalización de la startup que este mes también abre sedes en Copenhague, Moscú, Milán y Sao Paulo, además de las oficinas que  ya tienen en San Francisco, Hamburgo, Berlín y Londres.

Una constatación de lo hasta dónde ha llegado la compañía. En 2008 se le ocurrió a Chesky alquilar el salón de su casa a un grupo de diseñadores que venían a San Francisco para acudir a una conferencia. No quedaban hoteles en la ciudad y él y su compañero pensaron que sería una buena forma de generar ingresos para pagar el alquiler que compartía con Joe Gebbia (también fundador de Airbnb). El experimento les gustó. “Hicimos grandes amigos”.

El siguiente paso fue crear una página web para gestionar estas reservas que desplegaron en South by Southwest, la conferencia de tecnología más importante de EEUU. El éxito allí les ayudó a afianzarse entre los early adopters.

El lanzamiento generalista llegó en la convención democrática de Denver, en 2008, donde Obama realizó uno de los discursos más importantes antes de ser elegido presidente. La ciudad estaba tomada y los hoteles estaban llenos a rebosar. El servicio ganó adeptos y salió en muchos medios de comunicación.

Los años posteriores, según Chesky, han sido una locura. “Hace año y medio éramos 15 personas trabajando en un apartamento de 3 habitaciones. Un año más tarde logramos una ronda de financiación de más de 100 millones de dólares”. Eran el hype tecnológico del año 2011 afianzado con reportajes destacados y un seguimiento constante de los voceros de Silicon Valley Techcrunch y GigaOm además de medios masivos como New York Times y CNN.

Tampoco estaban afectados por los problemas de modelo de negocio que tienen Twitter y Foursquare, que aún no tienen claro cómo van a generar ingresos. El modelo estaba claro desde el principio. Sin olvidarnos, además, del padrino de oro: Ashton Kutcher, que decidió invertir en la compañía.

Parecían intocables recibiendo valoraciones de más de 1.000 millones de dólares hasta que un buen día se cruzó un escándalo por su camino. Concretamente, el 27 de julio de 2011. Una mujer de San Francisco decidió alquilar su apartamento a través de Airbnb mientras ella estaba fuera de la ciudad por trabajo. Cuando volvió se encontró con su hogar completamente saqueado y destrozado.

Las fuerzas que trabajaron para alzar a la compañía se volvieron en su contra. La prensa se llenó de titulares negativos y dudas sobre la viabilidad del servicio. La mujer escribió sobre su experiencia en su blog personal.

En general, la afectada tuvo buenas palabras para los responsables de la compañía pero la gestión de la crisis generó incertidumbre.

El incidente había revelado agujeros en el negocio de Airbnb. Aun siendo cierto que la afectada podría haber tomado más medidas para verificar a los huéspedes que acabaron destrozando su casa, eso no iba a bastar para apaciguar las reacciones al caso.

Según la letra pequeña de los acuerdos entre la compañía y sus arrendatarios, Airbnb no se hacía responsables por los daños a los hogares. Simplemente se limitaban a ser un intermediario. El incidente obligó a los responsables de la compañía a revaluar esta política.

Después de unos días de incertidumbre, Chesky emitió un comunicado donde anunció que la compañía ofrecería un seguro de 35.000 euros a cada anfitrión para cubrir posibles incidentes de este tipo. Posteriormente han introducido una verificación de dirección, conexiones en redes sociales con el huésped para ver su perfil, solicitudes de verificación, atención al cliente las 24 horas y otras medidas.

“El incidente fue una llamada de atención para nosotros. Aprendimos mucho. Nuestra moneda es la confianza y desde entonces hemos introducido unas 40 medidas de confianza y seguridad. Nos ha ayudado a madurar como compañía”, respondió el fundador de la compañía.

Como es habitual en los startups de éxito, Airbnb ya tiene varios clones, entre ellos Wimdu, que ha recibido más de 90 millones de dólares en financiación y que es su principal competidor. Inicialmente la compañía se tomó mal encontrarse estas copias calcadas de su negocio pero Chesky dijo hoy que han aprendido a tomárselo con más filosofía. De hecho, la compañía compró una de esos clones en Alemania.

“Siempre piensas en sus motivaciones. Nosotros nos lanzamos por razones muy específicas. Teníamos una misión, que es ofrecer alojamiento en todo el mundo. Estos clones no tienen esa misión. Son mercenarios. Al final me consolaron las palabras de Paul Graham, uno de nuestros asesores que me dijo que las startups suelen morir de suicidio, no homicidio”.

En este link se encuentra una webcam. Una de las muchas que pueblan páginas webs en todo el mundo. Dejando de lado su uso para el contacto humano, ciudades en todo el mundo las utilizan para promocionarse, estaciones de esquí para que puedas ver el estado de la nieve en tiempo real y algunas tiendas para vigilar sus posesiones desde cualquier lugar. Juntas componen ventanas inconexas a lugares lejanos o no tan lejanos que el artista Mario Santamaría utiliza para hacer collage digitales que llama Collage City.

“Existen miles de señales streaming en la red que emiten continuamente imágenes de espacios tanto públicos como privados, muchas de estas imágenes no son almacenadas ni grabadas, simplemente son emitidas, y constituyen un tipo de oralidad visual”, explica el autor del proyecto.

Santamaría pasa largas horas en busca de estas piezas. Las encuentra en foros, páginas webs y se intercambia links con gente con los mismos intereses.

El artista logra convertir lo mundano en algo cautivador. Cada uno de los 5 collages retrata escenas absolutamente normales que en su conjunto dan la sensación de estar en muchos lugares a la vez. Un paseo marítimo donde los viandantes se mueven plácidamente. La parte de atrás de un taller, el interior de una peluquería masculina que durante la semana está llena de clientes, un campo de golf nevado, una tienda de bicis o el enorme atrio de una iglesia ortodoxa rusa son algunas de los lugares capturados durante las 24 horas.

Pero lo mundano también tiene su lado oscuro. Existen muchos lugares donde se puede acceder a webcams privadas que por varias razones están abiertas a cualquiera que tenga acceso al link.

“A veces se trata de un fallo de las personas que se les ha olvidado poner una contraseña. En otros casos es responsabilidad de la empresa que no pone controles necesarios o un fallo del servidor. Hay cientos de cámaras apuntando a centros de mayores, salones, pasillos de casas privadas. Es muy siniestro verlo. Te entra una sensación muy rara cuando te pones en el pellejo de esa gente. Hay muchas personas que se intercambian estos links”.

En este sentido, tras presenciarlo con sus propios ojos, Santamaría prefiere no jugársela. ”Yo, por si acaso, mantengo siempre mi cámara tapada”.

El hombre más solitario del mundo, tres razones para emprender o morir y el fascinante mundo del diseño de cervezas artesanas, en los 5 posts más vistos de la semana.

1. El hombre más solitario del mundo

2. Tres razones para emprender o morir

3. InternetMadeInSpain: un directorio de empresas con ofertas de empleo

4. El maravilloso mundo del diseño de cervezas artesanas

5. “Este artículo es una mierda”

Las cervezas artesanas no solo han ayudado a mejorar la apreciación por la cerveza de calidad, muchas han introducido una estética de diseño exquisita. No tienen el músculo de distribución y publicidad de los gigantes pero sí tienen la capacidad de darse más libertad para experimentar a la hora de crear sus productos.

El impacto de los ‘Craft Beer’, como se hacen llamar en el mundo anglosajón, sigue siendo moderado pero cuentan con una ventaja. Mientras que muchas cervecerías masivas se estancan, las pequeñas crecen. En Estados Unidos las cervezas artesanales han conseguido una cuota de mercado del 4.3% y un 6,9% de los ingresos totales. En Australia, donde han proliferado un centenar de cervecerías independientes apenas llega al 1%.

En España esa cifra es aún más pequeña. Mahou-San Miguel, Heineken y Damm controlan más del 90% del mercado. La única cervecería independiente que ha conseguido hacerse un pie importante es Moritz, con una cuota de mercado del 10% en bares y restaurantes de Barcelona.

En Alemania y Bélgica el concepto de las cervecerías pequeñas está tan arraigado en su historia que hablar de cervecerías artesanales no tiene mucho sentido. Componen buena parte del consumo y cada región tiene sus marcas propias, que hacen que sean los mercados más fragmentados del mundo.

Pero volvamos al diseño y echemos un vistazo al maravillo mundo del diseño de cervezas artesanas.

México:

Cerveza Bocanegra

Cerveza artesanal de Monterrey lanzada en 2011.

Diseño: Manifiesto Futura

Cerveza Sagrada

Esta marca de cerveza no existe. Es un experimento del diseñador José Guiza pero demuestra muy bien las increíbles posibilidades que existen para hacer cosas con las botellas de cerveza. En septiembre le dedicamos una entrevista.

España:

Au Yeah!

Una marca de cerveza creada en la comunidad valenciana diseñada por Estudio Milongo.

Senador Volstead

Esta cerveza creada por Luis Perreira y Curro Martínez toma su nombre del Senador que implantó la prohibición la Ley Seca durante los años 20.

Colombia

Bogotá Beer Company 

Diseño: Lip

Israel

Cordovero Brewery

Microcervecería familiar de Tel Aviv fundada en 2010. Diseño: Eyal Baumert Branding Studio

Islandia

Einstök

Diseño: Auston Design Group

USA

Allies win the war!

Efectivamente, los aliados ganaron la guerra y esta cerveza utiliza las noticias de esos días para elaborar su imagen. La bebida está creada por 21st Amendment Brewery de San Francisco.

Uinta

Uinta, Utah

Diseño: Ten Fold Collective

Four in Hand

Una microcervecería de Novato, California que juega con el concepto del poker.

Australia

Un país que exporta al mundo la aguosa Foster’s en su interior tiene uno de los mercados de cervezas artesanales más boyantes del mundo. A pesar de este creciente mercado, el consumo de estas cervezas solo representa el 1% del total en el país, según Brews News.

Pikes Genuine Stout

Diseñado por Black Squid Design

Dinamarca:

Bear Beer

Esta cerveza en la vida real tiene un diseño más aburrido pero el diseñador Andrew Rose decidió rediseñarla como proyecto personal.

Brasil 

Rubia

Esta cerveza tampoco existe, es un concepto de la diseñadora Roberta Zanette.

Sudáfrica

Brewers & Union

Design: Collective Sao Gabriel

Polonia

Minister Beer

Diseño: Ostecx créative

Fuentes: The Dieline, All Over Beer, Oh Beautiful Beer, All over beer

Después de aquella cita, nunca más se supo. ¿Qué ha pasado? Un nuevo servicio online intenta encontrar la razón. WotWentWrong permite que una persona pregunte a otra por qué desapareció después de la última cita.

La web se autodenomina “un portal para saber la verdad de una forma socialmente responsable” que convierte el arte de salir en un proceso administrativo. El rechazado crea una encuesta ad hoc que se envía por email para saber un poco más sobre las razones que llevaron a la persona a no retomar el contacto.

Ahora viene lo mejor. Un representante de la compañía ha explicado a The Wall Street Journal (min. 2:30) que este servicio abre muchas oportunidades para vender publicidad. “Imagina que a alguien le huele el aliento. El site ofrece un lugar perfecto para vender soluciones a este problema tras ver los resultados de la encuesta”.

Es improbable que esto se convierta en un negocio boyante aunque ayude a algunos a enfrentarse a verdades incomodas, darle cancha a personas obsesivas o despertar nuestro lado masoquista, dependiendo de cómo lo veas. Quizá es mejor optar por dejar que las cosas sigan su curso. A veces no hay química y no hay que darle más vueltas.

Visto en: PSFK

El rascacielos más pequeño del mundo, extrañas prácticas sexuales desde Japón, colegios del futuro y alternativas al capitalismo, en los 5 posts más vistos de la semana en Yorokobu.

1. This is Spinal Tap: el rascacielos más pequeño del mundo

2. Un colegio que no parece un colegio

3. El iPhone, la globalización y el fin de la clase media

4. Sex in Japan: niñas lamiendo pomos de puertas

5. Ni capitalismo ni comunismo: economía del bien común

Señores y señoras, nuestro modelo urbanístico es del pleistoceno. “Nunca se ha apoyado en la innovación. Es como si IBM se hubiera quedado en sus macroordenadores de los 60. “¿Cómo puede ser que se construya con una mentalidad de los años 40 y, sin embargo, un ordenador de los 80 está en un museo?”, se preguntó José María Ezquiaga, en ¿Recuperar los viejos espacios o construir otros nuevos?, un coloquio sobre urbanismo celebrado anoche en La Casa Encendida.

No es nada nuevo decir que se perdió el norte durante la última década pero ¿realmente se están creando las condiciones para encontrar alternativas?

El nutrido grupo de profesionales que participaron en el encuentro tenían claro que, a pesar de la herencia de un sistema caduco, existen otras vías que se pueden implementar. No requiere edificar nuevos solares ni construir grandes edificios. Es mucho más sencillo que eso. Supone mejorar y rehabilitar los barrios que ya existen.

“Hemos sido una sociedad tan acelerada que nos hemos olvidado de que las ciudades se tienen que hacer lentamente. Hay que ir en contra del acto de la inauguración que tanto daño ha hecho. Se da por sentado que en ese momento el trabajo ha acabado cuando en realidad acaba de empezar”, defendió Luis Moya.

El urbanista es un gran defensor del desarrollo del prueba y error, de las cosas pequeñas, de solucionar los problemas cotidianas. “Los barrios no se deben acabar nunca. Se deben estar haciendo continuamente. Más vale hacer trocitos e ir probando y si nos equivocamos, volver atrás y corregir. Hay que defender lo ordinario versus lo extraordinario”, añadió Moya.

La clave para realizarlo está precisamente en el concepto de rehabilitación y recuperación. Aquí es donde nos topamos con el primer problema propiciado por la inercia del sistema anterior creado para servir los intereses de los promotores en vez de los ciudadanos.

“La ley del suelo no está diseñada para rehabilitar. Fue creada para reclasificar y recalificar. Se hizo para sostener un modelo especulativo”, explicó María Roces, activista urbana.

Como alternativa, Moya propuso un reglamento más sencillo con unas normas básicas que cedan el protagonismo a los habitantes de cada barrio. “Cada casa es un caso. Lo que necesitamos son unas normas básicas de sentido común y que la complejidad venga por usuario y por barrio. Para eso se necesitan técnicos municipales bien pagados que sepan interpretar, no ordenanzas con funcionarios que se limitan a poner aspas”, defendió Moya.

Ante la ausencia de acción de las administraciones siempre se puede tomar cartas en el asunto, una opción que defendió Ezquiaga con vehemencia. “Como decía Kennedy, tenemos que dejar de preguntarnos qué puede hacer mi país por mí. Hay que pasar de reivindicar a remangarse y hacerlo”.

El arquitecto se apoyó en el caso del Campo de Cebada, un solar que iba a ser destinado para un polideportivo que sigue vacío por falta de fondos, que fue tomado por los vecinos de La Latina y que finalmente obligó al Ayuntamiento a llegar a un acuerdo con ellos tras constatar su aprobación popular. “Un modelo en el cual no reinvidicas, sino que vas y lo haces”.

“Todo el mundo pensaba que la nueva administración iba a acabar con la Tabacalera pero no lo han hecho porque es gratis y funciona”, añadió.

Según Ezquiaga, este tipo de actuaciones son replicables y los emprendedores deberían tomar la iniciativa para ofrecer soluciones sostenibles. Se requieren nuevas empresas especializadas en la intervención urbana.

Roces matizó que todo esto está muy bien pero que no puede ser usado como pretexto por las administraciones para dejar a los barrios a su suerte. “Hay ciertas cosas que no se pueden hacer sin la involucración del estado como construir ambulatorios o arreglar aceras”.

En una época en la que el énfasis está en la eficiencia económica, todos coincidieron en que buscar nuevas construcciones es un disparate en un país donde hay millones de viviendas vacías. “Si esas viviendas las pudiésemos alquilar con un precio medio razonable de 5,56 euros por metro cuadrado, se generarían 10.650 millones de euros para la economía, una tercera parte del recorte que se está pidiendo a España”, según José María de la Riva.

Aun así, esto no significa ni mucho menos que los urbanistas presentes buscaran volver a convertir la construcción en el motor de la recuperación. Al contrario. “Para ser una economía seria tenemos que entender que la construcción no puede sobrepasar el 5% del PIB, como sucede en otros países”, concluyó José Mariá de la Riva.

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Foto: Flickr La Cebada, Tabacalera.

Esta es la historia de cómo una inquieta pareja afincada en California cautivó a una generación con su creatividad. Charles y Ray Eames eran admiradores del modernismo europeo que trajo un concepto totalmente renovado del diseño, pero le añadieron un elemento de color e irreverencia que faltaba en las propuestas de sus homónimos europeos.

Charles era una arquitecto de formación aunque nunca terminó la carrera. Ray era pintora. Pero sabían muy bien que su cometido era otro.

“No somos artistas, solucionamos problemas”, solían decir los Eames. El cómo solucionar ese problema era una pregunta que no les inquietaba jamás. Durante sus más de 40 años de carrera mostraron una versatilidad pasmosa. Eran capaces de construir un pabellón para IBM a la vez que creaban un corto para vender las bondades del sistema americano al público soviético (dicen que Khruschev acabó con lagrimas en los ojos tras verlo). Diseñaron exposiciones, produjeron dibujos animados para explicar cómo funcionaba la computación, se construyeron una casa considerada hoy una joya arquitectónica y, por supuesto, diseñaron decenas de sillas que fueron un éxito de masas.

Jason Cohn y Bill Jersey han unido este legado con su faceta personal, mucho menos conocida, en Charles & Ray Eames: The Architect and the Painter, un documental que se presentó anoche en Madrid en un evento organizado por Vostok Studio. El estreno en España está aún por decidir.

A Charles y Ray Eames no les interesaba el lujo. Querían llevar un concepto irreverente y juguetón del diseño a todo el mundo. Tan importante era este aspecto de su trabajo que en los últimos años de vida de Ray aceptó a duras penas una subasta de algunas de sus piezas. “La tuvieron que convencer. Vender estos productos como algo vintage y de lujo le parecía grotesco”, explica Cohn.

El retrato muestra las complejidades de la vida en común de esta pareja creativa. Las infidelidades de Charles, la lucha de Ray por hacerse reconocer en un mundo dominado por hombres, pero también detalles más personales que demuestran su gran sentido del humor. Uno de los entrevistados recuerda que durante una cena en su casa sacaron de postre varios ramos de flores. “Es un postre visual”, anunciaron a sus invitados.

En el documental se pueden reconocer muchas cosas. Procesos de diseño y formas de afrontar la creación que hoy se venden como modernos pero que los Eames estaban practicando hace más de 50 años.

Entrevista con Jason Cohn

¿Cómo ha cambiado tu percepción sobre los Eames tras realizar el documental?

Soy periodista de formación. Antes de empezar a hacer cualquier cosa, investigo mucho y en este caso leí todo lo que había que leer sobre sus logros y su forma de innovar. Lo que más me sorprendió de entrevistar a la gente que los conocía bien era otra cosa. Me llamó la atención su excentricidad, cómo hablaban, interactuaban y vivían. Caímos rendidos ante sus encantos.

Habéis evitado entrar en el juego de entrevistar a un elenco de famosos repartiendo alabanzas. ¿Por qué?

Eramos muy conscientes de esa fórmula y nos parecía aburrida. Sentimos que el trabajo de Eames habla por sí mismo. Que mucha gente esté diciendo que esta silla era la más importante es irrelevante. Puedes encontrar gente que dirá eso de cualquier cosa. No es convincente.

El legado de los Eames es bien conocido en el mundo de la creatividad. Vosotros, en cambio, habéis querido mostrar el lado más personal de esta pareja…

A pesar de su imagen pública, eran gente muy privada. No dejaban entrar incluso a los más cercanos. No es fácil interesar a la gente sobre la vida personal de unos diseñadores de muebles pero nos arriesgamos poniendo mucho énfasis sobre esta faceta. No significa que no hablemos del resto de aspectos. Era cuestión de buscar un equilibrio.

Muchos dicen que los Eames llevaron una visión estrafalaria e irreverente a las masas. ¿Cómo se refleja esta forma de abordar las cosas en su personalidad?

En lo que es diseño puro y duro, Europa estaba por delante. Charles y Ray eran conscientes de ello. Pero trajeron un elemento a la mesa que no existía en el modernismo del viejo continente. Introdujeron cualidades irreverentes y juguetonas a sus creaciones. Estaban convencidos de que el deleite y la funcionalidad podían ir de la mano. ¿Por qué no lanzar unas sillas disponibles en 30 colores distintos? ¿Por qué no comprar una silla moderna para tus niños? Esta visión llegó en el momento adecuado en el periodo de la posguerra cuando la gente empezaba a estar más abierta a ello.

Quizá puede costar a los jóvenes actuales entender lo encorsetado que era el establishment entonces y lo que significó introducir esta mentalidad creativa e irreverente a los negocios…

Su gran innovación fue esa. Añadir cualidades vivas a conceptos sobrios pero también hicieron un gran favor a los arquitectos y diseñadores de la época. Demostraron que no había que limitarse a hacer edificios o diseñar sillas. Podías aplicar esas nociones a procesos, comunicación y todo lo que yace allí fuera. Ellos dieron permiso a muchos arquitectos a pensar que podían hacer cualquier cosa.

¿De dónde viene su falta de respeto hacia el concepto tradicional del oficio?

Los dos estuvieron en Cranbrook Art Academy. Aquí Charles trabajó con el arquitecto finés Eero Saarinen. En esta escuela promulgaban una filosofía que ignoraba por completo la obsesión por tener un oficio determinado. Promovían un pensamiento que decía que había que probar cosas distintas. Una de las frases más famosas de Eames es que todo está conectado. En un mundo donde todas las personas te intentaban meter en una categoría, los Eames no creían en crear barreras.

¿También habláis sobre su valor como educadores?

Su estudio era una universidad. Les encantaba tener gente joven que no venían de escuelas de diseño con reputación y talento en bruto que podían moldear. Aquellos que tuvieron la suerte de pasar 5 años allí, salían con una formación increíble. Muchos posteriormente ganaron Oscars y se convirtieron en los diseñadores gráficos más importantes del país. Esto no se limitaba a su estudio. Gran parte de su trabajo como comunicadores consistía en educar. Buscaban nuevas formas de transmitir información y conocimiento a las masas. Cuando fueron contratados por IBM para hacer relaciones públicas para ellos, aprovecharon para educar al gran público. Tenían claro que no iban a vender algo que IBM no es. Decidieron usar la plataforma para enseñar al mayor número de personas posible lo que significa la informática. Eran los años 50 y 60. Mucha gente desconfiaba todavía de estas máquinas, que todavía no estaban en los hogares.

¿Cómo convencían a compañías como IBM a apostar por algo tan poco convencional?

Es lo que pregunté a todo el mundo. Estaban en la costa oeste haciendo su rollo californiano y los trajeados en la costa este compraban sus ideas sin rechistar. Por alguna razón vieron en Charles Eames una persona que podía comunicarse con una audiencia de masas. Alguien lo describió como un Rasputín que los cautivó. Si ves cómo comunica en la cámara, no parece una persona muy fluida o persuasiva pero creo que su inteligencia salía a la luz cuando hablaba con esta gente. Todo el mundo dice que era muy carismático pero no un carisma típico. Sus clientes básicamente le dieron un cheque en blanco para hacer lo que quisiera.

También dedicas una parte del documental a hablar sobre Ray y las frustraciones que sentía al no recibir el crédito que merecía por el éxito del estudio…

El feminismo tardó en revaluar el diseño y no fue hasta los años 80 cuando los catedráticos empezaron a preguntarse sobre la importancia de las mujeres que trabajaron de cerca con las grandes firmas masculinas. Ray es uno de los mejores ejemplos. Tenía una influencia enorme sobre el trabajo que ocurría en la oficina. Ella aportaba la composición y el color. Durante un tiempo era la oficina de Charles Eames, pero era lo que se esperaba en la época. Cuando el MOMA sacó una exposición en honor a Charles, no les interesaba Ray Eames.

Tener acceso a material tan variopinto y de esta calidad visual debe ser una gran oportunidad para un cineasta.

Nos entraron unas enormes ganas de llorar cuando terminó el proyecto. Normalmente cuando haces un documental histórico tienes que sacar mucho de un material reducido. Nosotros tuvimos el problema opuesto. Quisimos meter la mayor cantidad de imágenes posibles para mostrar lo prolíficos que eran. No creo que vuelva a tener una oportunidad de este tipo desde el punto de vista visual y estético.

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Fotos: Eames Office

The New York Times ha encontrado en el iPhone la metáfora perfecta para describir los efectos de la deslocalización que han sufrido EEUU y el mundo occidental en la última década. Un modelo que ha dejado de lado la industria a favor de los servicios con consecuencias espectaculares para las grandes empresas pero mucho menos positivas para el ciudadano medio. “A pesar de ser un símbolo del ingenio estadounidense, la práctica totalidad del teléfono está fabricado fuera del país”, explica un artículo en profundidad del periódico sobre los efectos del cambio del modelo industrial.

¿A qué viene esta preocupación en EEUU? Pues que a pesar de que muchas de sus empresas están ganando más dinero que nunca, esto no se está traduciendo en un incremento de empleos en su lugar de origen. “En el pasado las empresas tenían un cierto apego a su país de origen pero la obsesión por el beneficio ha hecho que eso desaparezca”.

En el otro lado de la moneda está China, que ha pasado de ser un lugar donde solo se producían productos baratos y de mala calidad a transformarse en uno de los países más sofisticados para fabricar productos de alto valor añadido. En otras palabras, el afán por abaratar precios al máximo ha llevado a países como EEUU a entregar las llaves de la innovación industrial a los chinos hasta el punto de que ya apenas existe infraestructura para fabricar iPhones en su país de origen a la escala que necesita Apple.

En reacción al artículo, la experta en startups Sara Lacy pinta un panorama donde los ingeniosos chinos han sido capaces de aprovechar al máximo esta oportunidad que se les ha dado. La periodista compara el grado de sofisticación de la capacidad industrial china con la capacidad para producir software en Silicon Valley.

“El artículo confirma la tesis central de mi último libro. La ventaja de fabricación china ya no es precio. El país ha utilizado esa ventana para innovar en cómo funciona su cadena de suministro. Hoy pierde frente a otros en precio pero gana en rapidez, flexibilidad y know how”.

“Siguen haciendo productos malos pero también algunos de los mejores productos del mundo”, añade.

Lo que Lacy pasa por alto es que el país cuenta con una ‘ventaja’ que no existe en otras partes del mundo. En China una empresa es capaz de exigir cosas imposibles de hacer en otros lugares debido a la ausencia de derechos laborales. En el mismo artículo de The New York Times, un ex ejecutivo de Apple explica al periódico cómo un proveedor de la compañía puso a trabajar a miles de trabajadores a medianoche cuando unos cambios de diseño en el iPhone semanas antes de salir al mercado obligaron a cambiar el proceso de producción.

“Un capataz inmediatamente despertó a 8.000 trabajadores en los dormitorios de la compañía. A cada uno se le dio una galleta y una taza de té. Media hora después empezaron un turno de 12 horas para instalar pantallas de cristal. En 96 horas, la planta estaba produciendo 10.000 iPhones al día”.

“La velocidad y flexibilidad es increíble. No hay una planta estadounidense que lo pueda igualar”. Esa flexibilidad es la que muchos tildarán de esclavitud del siglo 21 y no les faltará razón. Gracias a esta forma de trabajo, el iPhone cuesta 65 dólares menos que si fuera fabricado en EEUU. Pero esto es solo una parte de la historia.

Los chinos no son tontos y probablemente no harán esto para siempre. Toda esta experiencia les está posibilitando crear sus propias empresas capaces de competir en calidad y precio con el resto del mundo.

En ese sentido, el artículo sirve de lección para aquellos países que quieren abandonar por completo su industria. Una vez que lo pierdes es muy difícil recuperarlo. Se crean empleos de alto valor añadido pero se destruye mucho trabajo para el empleado medio, como ha sucedido en EEUU.

Una de las razones por las que Alemania ha conseguido sortear la crisis es el hecho de haber seguido apostando por su industria, que ayuda a mantener una clase media sólida. Japón se encuentra en una situación similar.

Tampoco nos centremos únicamente en el iPhone. Esto es solo una pequeña parte del interesante artículo de The New York Times. El reportaje cubre muchas facetas de las complejidades de la globalización. Los ganadores y los perdedores, y el futuro que depara a las clases medias, que no es del todo esperanzador.

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Artículo: How the US lost out on iPhone work

Si no tienes ganas de leer 7 páginas de artículo, The New York Times ha creado también un vídeo explicativo.

Cómo sobrevivir a una caída libre en un ascensor, El tonto del gin tonic y su obsesión con las hamburguesas, nostalgia por la era pre-smartphone, en los 5 posts más vistos de la semana.

1. ¿Cuál es la mejor opción para sobrevivir a un ascensor en caída libre?

2. En el Ojo Ajeno: El tonto del gin tonic ahora come hamburguesas

3. Quiero mi móvil viejo

4. Youzee, el Spotify de las series y las pelis

5. Next Door Cafe: Un workspace patrocinado para profesionales sin oficina

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Foto portada: Caleb Condit

¿A cuántos alcaldes hemos oído decir en los últimos años que quieren crear el próximo Silicon Valley en sus ciudades? Las recetas para conseguirlo suelen pasar por crear parques tecnológicos o subvenciones que casi nunca tienen el efecto deseado. Uno de los pocos que lo ha logrado recientemente es Nueva York, al que The Economist acaba de dedicar un artículo sobre el tema. La urbe concentra el mayor número de startups tecnológicas fuera de la zona de San Francisco y vuelve a resurgir de las cenizas del pinchazo de 2000.

Está claro que pocas ciudades cuentan con la potente combinación de densidad, diversidad, financiación y energía que tiene la gran manzana, pero esto no significa que no se puedan extraer lecciones. Entre ellas, la efectividad de la labor municipal a la hora de impulsar la tecnología. El alcalde, Michael Bloomberg, ha convertido el desarrollo de este sector en una de sus obsesiones.

Los datos más recientes confirman este hecho en Nueva York:

- Los fondos de capital riesgo invirtieron 831 millones de dólares en el tercer trimestre de 2011.

- Google cuenta ya con más de 1.200 ingenieros en la ciudad.

- La alcaldía ha desarrollado más de 40 proyectos desde 2002 y ha creado un fondo de 22 millones de dólares para financiar a emprendedores.

- Inversores como Fred Wilson llevan varios años trabajando para impulsar el sector en la ciudad. Con su ayuda han salido a la luz startups neoyorquinas como Foursquare, Tumblr, Vimeo o Etsy, que tradicionalmente hubieran sido fundadas en Silicon Valley.

Bloomberg y su equipo también son conscientes de que esto es solo una parte del desarrollo tecnológico. La economía no se construye solo con apps y webs lúdicas. Se necesitan universidades potentes que puedan competir con Stanford, de donde se estima que han salido más de 6.000 compañías, incluidas HP, Google y LinkedIn.

Para ello la ciudad convocó un concurso hace un año destinado a crear un nuevo campus tecnológico que imite al ejemplo del centro californiano. La ciudad ofreció 100 millones de dólares y suelo público en la isla de Roosevelt, a una parada de metro de Manhattan.

Según The Economist, más de 17 instituciones entraron en liza. Los ganadores fueron Cornell en colaboración con Technion, un instituto de tecnología israelí especializado en crear spin offs. El proyecto dará pie a un campus de 610.000 metros cuadrados que estará finalizado en 2017 con coste de 2.000 millones de dólares.

Lo más increíble de este caso es que varias universidades han anunciado que seguirán con sus planes de abrir centro tecnológicos a pesar de haber perdido.

Las ciudades son mucho más que sus alcaldes pero un buen alcalde con una visión clara puede resultar determinante. La política reciente de transportes en Nueva York es otro ejemplo de ello.

No es tiempo de idealizar lo que está en el otro lado del Atlántico, pero la involucración pública bien planteada sigue siendo muy importante. Nueva York solo hay una pero la disposición e iniciativa se puede trasladar a cualquier lugar.

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Foto: Wwarby reproducido bajo licencia CC 

Alain de Botton, es un ateo confeso que, por serlo, no quiere renunciar a todas las cosas buenas que aportan las religiones. Frecuentemente el escritor se encuentra en situaciones incómodas donde se ve presionado para escoger entre un lado u otro. “Y como yo, somos muchos a los que nos gustan los villancicos, el arte de Mantegna, las iglesias antiguas e incluso leer el antiguo testamento”.

“Hablo de gente atraída por el ritual de la religión pero que no aceptan la doctrina. Hasta ahora estas personas están en una posición incómoda. Es casi como que si aceptas la doctrina inmediatamente tienes acceso a todo lo bueno y si lo rechazas acabas viviendo en un vertedero espiritual con CNN y Wal Mart como referentes. Yo no creo que tengamos que hacer esta distinción”.

En su última ponencia en TED, De Botton traza una hoja de ruta para el ateísmo más acorde a los tiempos, despojado de sus complejos y la confrontación. “El laicismo está lleno de agujeros y no debemos tener miedo a coger lo mejor de cada religión para mejorarlo”.

El primer pilar para iniciar esta reevaluación del ateísmo debe empezar por la educación. “En el siglo 19 disminuyó la asistencia a las iglesias porque la gente empezó a buscar lecciones sobre la vida y la moral en literatura y obras de Shakespeare. Fue una idea muy bella. Querían reemplazar las escrituras religiosas por la cultura”.

Sin embargo, Botton piensa que, en el sistema educativo actual laico, nos hemos olvidado completamente de esto. “Si tú te presentas en una universidad de primera como Harvard o Oxford y dices que vienes en busca de cómo afrontar mejor la vida, es probable que te envíen a un manicomio. Nuestras instituciones educativas piensan que este no es su cometido. Nos ven como adultos racionales que necesitan datos”.

El valor de la repetición

El pensador suizo cree que una de las lecciones más valiosas que podemos aprender de la religión es la repetición. “Pensamos que con aprender sobre Platón una vez a los 20 años es suficiente para el resto de nuestras vidas. La religión en cambio te dice que tienes que repetir las lecciones importantes varias veces al día. Necesitamos recordarnos cosas constantemente”.

Como esto, hay varios temas más que pueden ser utilizados para la vida de un ateo como la estructura que marcan las religiones con sus calendarios, la importancia de la oratoria y la necesidad de pensar en el cuerpo. “No sólo somos cerebros. Los judíos ortodoxos acompañan la idea de pedir perdón con un baño cada viernes. Es una acción basada en un movimiento físico que une la mente con el cuerpo”.

Todo esto, además, no es posible sin la colaboración entre todos. En este apartado, el escritor piensa que los ateos tienen mucho que aprender de la capacidad de organización de la iglesia católica. ”La iglesia católica ingresó 96.000 millones de dólares en 2010. Puede que no estés de acuerdo con lo que enseñan pero hay que admirar como se organizan. La labor de un ateo actual es frecuentemente una, solitaria e individualista. Sin organización, nunca será posible construir bases sólidas”.

Con esto no significa que De Botton busque crear una figura personalista para aglutinar el ateísmo. Prefiere trazar una hoja de ruta para hacerlo mejor. “No necesita cabezas visibles ni líderes. Es un proyecto wiki. He creado una base. El resto del mundo debería rellenar los huecos”.

En este camino, cree que dar la espalda a la religión es un error que el ateo moderno no debe cometer. Se puede coger todo lo bueno sin lo malo. “Puedes no estar de acuerdo pero la religión es tan inteligente y sutil que no deberíamos dejar lo aprendido a lo largo de los siglos sólo para los religiosos. Es algo que pertenece a todos”.

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Foto: Wikimedia Commons

Trunk Club es una web de venta de ropa concebida para hombres con poco tiempo que quieren vestir bien pero odian ir de compras. El elemento diferenciador está en ofrecer un servicio de personal shopper sin que esto incremente el precio para el cliente.

¿Cómo lo hacen? La start-up de Chicago compra ropa a precio de coste como cualquier otra tienda y la vende con un margen. “El hecho de que no tengamos establecimientos físicos significa que podemos invertir en los estilistas que asesoran y escogen la ropa que reciben nuestros clientes sin cobrárselo. Todo entra dentro de la compra”, explica Andrew Bleiman, director de marketing de la compañía.

El servicio está especialmente pensado para personas a las que no le gusta ir de tiendas, con un poder adquisitivo medio alto. “El estilista se pone en contacto con el cliente, pide sus medidas, presupuesto y le entrevista. Según el resultado de esta primer encuentro, nosotros mandamos una caja con distintas prendas de ropa. El que lo recibe tiene una semana para probárselas y se queda con lo que le gusta. No está obligado a llevarse nada. Al terminar el periodo de prueba, nos lo envían de vuelta y nosotros corremos con los gastos”.

Precisamente su nombre, Trunk Club, juega con ese concepto. Su significado es ‘club del baúl’. “Es una buena alternativa a los grandes almacenes. Muchas veces la gente se queja de que los que atienden son un poco raros y no saben discernir muy bien sus gustos. Esto te permite tomar tu tiempo y no sentirte presionado”.

El precio de la ropa es alto pero no a los niveles de la alta costura. “Tenemos vaqueros que cuestan más de 100 dólares, camisas y camisetas en torno a ese precio, zapatos que varían de 100 a 250 dólares. Depende mucho de la marca”.

Aquellos clientes que prefieren recibir asesoramiento de forma presencial pueden visitar las oficinas de Trunk Club en Chicago, donde también son atendidos.

En esta oficina diáfana está el centro de operaciones de la start-up. Más de una veintena de estilistas están circulando por la sala durante nuestra visita. “Son la clave de nuestro negocio”, insiste Bleiman. “Cuando inician un contacto con el cliente antes que hablar de ropa buscan conocer algo más sobre ellos. Saber lo que hacen en la vida y su personalidad. A partir de allí indagamos más en sus gustos, el color de sus ojos, el tono de su piel”.

En cuanto a la clientela, el responsable de marketing dice que es pequeña pero muy fiel. “Hemos tenido más de 6.000 clientes hasta ahora. Muchos de ellos repiten varias veces. Hay quien pide un baúl cada dos semanas, una vez por trimestre o de repente cuando llega el frío y se da cuenta de que apenas tiene ropa para ponerse”. La facturación en 2011 superó los 5 millones y medio de dólares.

El gran triunfo del comercio electrónico ha sido su capacidad de ofrecer productos a los mejores precios ofreciendo un servicio al cliente mínimo. Trunk Club es un ejemplo de cómo introducir modelos de venta un poco más sofisticados y de valor añadido a la venta por internet.

Next Door Cafe es un híbrido entre café y workspace, situado en Chicago, que ofrece un ejemplo interesante de cómo las compañías pueden colaborar con su comunidad de forma más desinteresada.

Patrocinado por la compañía de seguros State Farm, el espacio tiene mesas de trabajo, salas de reunión y pequeñas casetas gratuitas. Cada día se organizan clases de asesoramiento de finanzas, yoga y charlas. “Gracias a este acuerdo, hemos podido acceder a un espacio que nunca pudiéramos haber tenido por nuestros propios medios”, explica Noah C, cofundador de la iniciativa y encargado de la cafetería que se encuentra en su interior.

“La marca aporta la financiación para tener un espacio más completo y nosotros tenemos que vender café para ganar dinero. Eso nos obliga a cuidar el lugar y ofrecer un sitio apetecible para que la gente siga viniendo”, añade.

Aparte del nombre en la puerta, la presencia de State Farm es muy sutil. “En un futuro puede que lo utilicen para hacer pruebas o estudios, pero tiene una vocación más comunitaria. No se descarta abrir otros en un futuro”.

El trabajo, cada vez más, se sale de la oficina pero mucha gente no quiere trabajar siempre en casa. Next Door Café cubre ese hueco de manera inteligente.

Fotos: Caleb Condit

La historia de amor entre el neón y el capitalismo sigue más viva que nunca. Pocos elementos están tan cargados de simbolismo como estas tipografías iluminadas que dominan los centros de ciudades en Tokio, Londres o Nueva York. Presenciarlos desde la distancia es un elemento inequívoco de que estás llegando a la ciudad. Sus destellos de luz ejercen un poder hipnótico y suponen la primera inmersión en la sociedad de consumo para los recién llegados a las grandes urbes.

Pero esto es solo una parte de la historia de estas estructuras luminosas. Lo que es menos sabido es que, durante la época soviética, Polonia elevó el neón a una cuestión de estado. A partir de los años 60, en el apogeo de esa fascinación por este arte, se llegaron a instalar más de un millar de letreros a lo largo y ancho del país. Detrás de esta fiebre por las tipografías alumbradas había una serie de planteamientos estéticos y funcionales. Se empleaban para informar e iluminar las calles, pero también representaban elementos decorativos e identitarios que ayudaron a reavivar Varsovia tras las épocas oscuras del estalinismo.

“Era normal ver señales de neón que, simplemente, decían: Pan, Papel, Biblioteca o Restaurante. El tamaño de estos neones, muchos de ellos gigantescos, no reflejaba necesariamente la envergadura de la tienda, la importancia del negocio, su popularidad o su nivel de ingresos”, explica Ilona Karwinska, creadora de la fundación Neon, que ha convertido la preservación de estas reliquias del comunismo en su principal cometido en la vida.

Detrás de cada trabajo había un respeto por el criterio de profesionales del diseño gráfico, la arquitectura, artistas y artesanos que labraban estas letras iluminadas con exquisita atención al detalle. En el centro de este proceso estaba la figura del jefe de diseño que velaba por la calidad y coherencia de cada trabajo.

“Solo se contrataban los mejores diseñadores y artistas para realizarlos. En la mayor parte de los casos tardaban unos tres años en completar un proyecto de este tipo, desde los bocetos iniciales hasta la instalación final del neón. Había que tomar en consideración no solo el diseño y la tipografía, sino también su viabilidad y seguridad, dado el gigantesco tamaño de algunas de estas letras. Si un neón se instalaba en un edificio histórico, tenía que contar con el permiso de la oficina de protección del patrimonio. Las autoridades, con todo sus controles burocráticos, querían que estos añadidos arquitectónicos tuvieran coherencia con las comunidades donde se instalaban”, añade Karwinska.

La modernidad sucumbe a la modernidad

Al poco tiempo de terminar la carrera, esta joven fotógrafa se dio cuenta que muchos letreros estaban desapareciendo engullidos por la modernización de Polonia. La existencia de este patrimonio pasaba desapercibida para la mayor parte de la población, más preocupada por mirar adelante que por proteger los vestigios del pasado.

Ante esta situación, Karwinska acabó convirtiéndose en una cazadora de neones en peligro de extinción, llegando en más de una ocasión a rescatar letreros a punto de ser enviados al vertedero. Aunque su labor, insiste, no se limita a la restauración y preservación de las letras. “Se trata de generar conciencia sobre su valor histórico. En mayo nos invitaron a participar en una exposición en Varsovia durante el día europeo del museo. Mostramos las mejores piezas de nuestra colección y cuál fue nuestra sorpresa cuando se acercaron más de 7.000 personas a ver la exposición en una noche”, dice con orgullo.

El éxito fue una constatación para ella de que existía un interés real por las luces de neón comunistas. No es que a la gente no le importara su desaparición; simplemente, muchos no se habían parado a pensar en ello. Próximamente, quiere alojar su colección en un lugar permanente siguiendo el ejemplo de Buchstaben en Berlín, que expone neones antiguos alemanes.

¿Pero el futuro de estos neones estará reservado exclusivamente a las vitrinas de un museo o hay sitio para que tengan su lugar en las ciudades polacas?

La creadora está convencida de que existen oportunidades para crear un revival. “No sería difícil. Todavía quedan bastantes empresas que se dedican a la fabricación de neón en Polonia”. Existen, incluso, casos recientes de marcas occidentales adaptando sus letreros al estilo polaco. “En la plaza de Konstytucji algunas compañías han escogido neones adaptados al estilo local”.

Pero que esta pasión por los neones comunistas no lleve a equívocos. No se trata de un movimiento nostálgico en honor a una época que vivió Karwinska en su infancia. Más bien, representa un cuestión de identidad y orgullo por proteger unas piezas únicas en un mundo cada vez más homogéneo. “Las señales de neón se han despojado de sus connotaciones políticas. Por fin, se empiezan a reconocer como arte. Esto no significa que la batalla para salvarlas haya terminado”.

Polish Cold War Neon

La recuperación de neones en peligro de extinción por parte de Ilona Karwinska ha ido acompañado de una necesidad de documentar todos los neones que aún siguen ‘vivos’. Su libro Polish Neon: Cold War Typography contiene más de 200 páginas de fotografías, bocetos y entrevistas con algunos de los protagonistas de esta época dorada del diseño polaco. “Llevo desde 2005 retratando los neones polacos. El libro es mi forma de llevar la historia de este arte casi desconocido al resto del mundo”, explica.

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Este artículo fue publicado en el número de enero de Yorokobu.

Rodeado de tiendas de moda y un café con un Delorean en la entrada, the Boring Store (la tienda aburrida) se erige como un lugar donde “no se vende nada de utilidad”, en el barrio de Wicker Park (Chicago). Su afán por disuadir la entrada en realidad acaba produciendo el efecto contrario, uno inmediatamente se pregunta: ¿que hay exactamente detrás de este letrero tan raro?

Una vez en su interior, se descubre que las apariencias engañan. Hay muchos productos que efectivamente no tienen mucho uso racional (gafas de rayos x, disfraces) pero también una buena colección de libros y revistas a la venta. El objetivo de esta tienda sigue sin estar claro hasta que se descubre una ventana rectangular detrás del cajero, donde se aprecia un espacio mucho más grande que la tienda. Allí una treintena de niños juegan e interactúan con un grupo de profesores.

Se enciende la bombilla. ¿Será la encarnación en Chicago del proyecto de Dave Eggers 826 que combina tiendas curiosas con la enseñanza a jóvenes desfavorecidos centrados en el valor de la escritura? La persona encargada de atender el establecimiento esa mañana lo confirma.

Patrick Shaffner, responsable de comunicación de la tienda, sale del pasadizo secreto donde los niños juegan para explicar cómo funciona este centro que, en realidad, “es un lugar de aprovisionamiento para espías donde tienen acceso a todo tipo de productos. Utilizamos ese nombre para no revelar la identidad secreta de nuestros clientes”.

Esta narrativa es la que han construido para los niños que cada día pasan por este centro a participar en talleres y recibir ayuda con sus deberes. A su disposición tienen una serie de voluntarios que ofrecen su asesoramiento y tiempo para guiarlos. En este momento se encuentra una clase de primaria en el interior escribiendo un libro. “Tienen toda una mañana para escribirlo. Al finalizar el día imprimimos el trabajo y creamos unos pequeños libros con su foto que se llevan a casa”, explica Shaffner.

Todo el decorado y el diseño del centro está hecho para sacar a los estudiantes de su entorno habitual con el fin de que den rienda suelta a su fantasia. Pero todo se enmarca en un ambiente supervisado para estudiar al finalizar las horas escolares. Abierto en 2007, The Boring Store se financia con la venta de los artículos en la tienda, subvenciones y eventos que organizan para recaudar fondos.

Ya no hay excusas para impartir una educación aburrida.

Los fabricantes de coche estadounidenses sacan pecho después de los años oscuros de la crisis financiera cuando se asomaron al abismo de la bancarrota. Y vaya si se hicieron notar en el Salón del Automóvil de Detroit de este año. Ford alquiló un estadio para presentar el Ford Fusion, Nissan volvió después de unos años de ausencia y todas las grandes marcas desplegaron stands gigantescos.

La cara de Alan Mulally, CEO de Ford, lo decía todo en un encuentro que realizó con algunos blogs, entre ellos Yorokobu. “Estamos exultantes. Cuando entré en la compañía teníamos más de 96 distintas marcas y submarcas. No había forma de hacer un buen trabajo de esa forma, así que empezamos una unificación mundial de todo. Queda mucho por hacer pero hemos dejado atrás los oscuros días de la crisis”.

MPG, MPG, MPG

Una de las palabras que más se han escuchado en el salón del automóvil es MPG (miles per galón), término que se utiliza para representar la distancia recorrida en millas por cada galón de gasolina consumido por el vehículo. Todos los fabricantes sin excepciones hicieron hincapié en la eficiencia de sus vehículos en este aspecto.

Volkswagen presentó un Beetle eléctrico que sigue en fase de concepto. Ford lanzó el Ford Fusion, que está disponible en 5 configuraciones, entre ellas eléctrico y híbrido. El lujo también se apunta al carro con híbridos de Porsche, Mercedes y BMW. En la época de la gasolina barata, los americanos apenas se preocupaban por ello. Todo esto ha cambiado y cada vez cuenta más este factor a la hora de la compra.

Los start-ups están acelerando los cambios en la industria

Tesla Motors sigue revolucionando el concepto del coche eléctrico.

Coda es una compañía de Los Ángeles que sacará un modelo de coche familiar asequible y completamente eléctrico en febrero. “Con 4 horas de carga en un enchufe normal, podrás conducir 160 kilómetros”, según Allie Mayer, responsable de PR de Coda.

VIA modifica camionetas y las convierte en coches híbridos que combinan electricidad con gasolina capaces de ahorrar un 85% de combustible. Su tecnología añade un sobrecoste de 30.000 dólares a los coches pero Jeff Esfeld, responsable de ventas, insiste en que la inversión se recupera con creces. “Piensa en todas esas compañías y distribuidores en ciudades que utilizan camionetas para el día a día. Los vehículos cada vez se mantienen durante más tiempo. Las modificaciones que hacemos permiten alcanzar 800 kilómetros por cada galón de gasolina. Estamos hablando de enormes ahorros de dinero y energía. En concreto, alrededor de 500 dólares al mes”. Esfeld dice que, con el tiempo, el precio irá bajando a medida que la tecnología se haga más barata. “Mira las pantallas de plasma. Hace unos años valían miles de dólares. Hoy consigues una por 700 dólares”.

Más colaboración

El sector del automóvil no es muy dado a compartir pero esto podría estar cambiando. Ford anunció que abrirá un laboratorio en Silicon Valley para estar más cerca de compañías como Google, Apple, Microsoft y la universidad de Stanford. “En estos tiempos, o colaboras o estas muerto”, dijo Mulally.

Las compañías eléctricas se convierten en las nuevas petroleras

La creciente influencia de los coches eléctricos está cambiando las reglas del juego. Las petroleras ya no son las únicas que tienen un contacto estrecho con las marcas de automóviles. “Se va a generar más demanda sobre las redes eléctricas y se necesitan planes de contingencia para hacer frente a ello”, explicó Esfeld.

Los estadounidenses han perdido el miedo a los coches pequeños

No dominaron el salón pero si había una presencia nada desdeñable de coches pequeños. El FIAT 500, el Smart y Mini tenían su propio espacio.

“Hace unos años la prensa decía que nadie compraría coches pequeños en EEUU pero Mini cambió todo”, explica Patrick Mckenna, director de estrategia de Mini USA.

El éxito ha sido tal, según Mckenna, que EEUU ahora es el mercado número 1. “2011 fue nuestro mejor año. Vendimos 57.511 coches un aumento del 26%”.

El mejor aliado de estos coches ha sido la subida de precio del petróleo. “Cada vez que sube, la gente cambia sus hábitos de la noche a la mañana. Está demostrado que migran a coches más pequeños y si baja el precio vuelven a coches más grandes”.

Los Smart empiezan a cuajar aunque siguen siendo muy minoritarios. “Car 2 Go está utilizando smarts en San Diego y Austin Tejas para su servicio de compartir coches”, según Terry C. Wei, responsable de comunicación en Smart.

En una cultura tan arraigada como la estadounidense nada ha sido tan efectivo para introducir el concepto de la sostenibilidad como la subida del precio de la gasolina. Muchos ya se han despedido de la época del petróleo barato conscientes de que nunca volverá.

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Disclosure: Ford corrió con los gastos del viaje a Detroit.

Aparecer en portada de Behance expone los portfolios de diseñadores, publicitarios y arquitectos a miles de personas con las oportunidades que eso conlleva. ¿Pero cómo funciona la selección de portfolios que llegan allí?

Según Scott Belsky, fundador de la plataforma, entran en juego dos factores principales. “Utilizamos algoritmos que identifican trabajos que están recibiendo mucha apreciación de la comunidad. La página tiene en cuenta también si las personas que dan su apreciación tienen una valoración alta. Vale mucho más el voto de un arquitecto reconocido a otro trabajo arquitectónico que alguien que apenas tiene valoraciones en la página”.

Además del factor tecnológico, Behance tiene dos personas trabajando a tiempo completo que se dedican a seleccionar los mejores trabajos. “Tienen en cuenta no solo la calidad de las piezas. También su originalidad”.

El emprendedor neoyorquino, que se encontraba en Detroit como participante en el digital influencers event organizado por Ford, declaró a Yorokobu que Behance prepara un rediseño de la página que estará listo en los próximos meses. “Va a ser increíble. Le da mil vueltas al diseño actual y va a ser mucho más fácil hacer búsquedas”.

Los gigantes del coche dominan el Salón del automóvil de Detroit con sus inmensos stands que reflejan su poderío económico. Todos tienen décadas de historia, algunos incluso superan el siglo de existencia. Todos, menos uno.

Su stand discreto intenta hacerse notar entre el ruido. Los responsables de Tesla Motors saben que no pueden competir por tamaño o tradición. Pero guardan un as en la manga, la fórmula inequívoca para llevar el coche eléctrico nativo a las masas.

Este objetivo puede sorprender quizá por su incoherencia, teniendo en cuenta que el primer modelo que sacó Tesla Motors en 2008 fue un deportivo 100% eléctrico, que costaba 85.000 euros y del que se hicieron alrededor de 2.000 unidades. De democrático, poco.

Pero como ya explicó su fundador, Elon Musk, en una entrevista publicada por la revista Wired, esto es solo la primera parte de una hoja de ruta para democratizar el coche eléctrico. Una estrategia que, según Ricardo Reyes, responsable de comunicación de la compañía, se está siguiendo al pie de la letra mientras señala el coche que protagoniza hoy el stand.

“Es el segundo modelo que hemos creado. Cuesta la mitad que el primero y es más familiar, con cinco asientos. Piensa en lo que costaba un teléfono móvil hace 20 años. Era un objeto de lujo. Hoy es ubicuo y barato. Es lo que concebimos que pasará con los coches eléctricos ”.

El siguiente paso será determinante para ver si una empresa de nueva generación es capaz de competir con los grandes. “En 2015 nuestro objetivo es lanzar un coche que costará en torno a 30.000 dólares con una producción de 100.000 coches el año”, añade Reyes.

¿Pero qué otras cosas son las que hacen que Tesla sea distinta? Para empezar, el perfil de gente que trabaja en ella no sigue los cánones habituales de la industria. “Trabaja mucha gente del mundo tecnológico. Yo mismo trabajé en YouTube anteriormente y la oficina está llena de perfiles como yo, que hace que tengamos una forma de operar que se asemeja a una start-up”.

“Nos movemos en una estructura muy horizontal, donde todos trabajamos juntos en vez de tener departamentos separados. Nuestra central está a 45 minutos de la fábrica y esto permite implementar cambios muy rápidamente. No tenemos paciencia para burocracias. No tenemos tradición, así que inventamos sobre la marcha”.

Por el camino, Tesla ha logrado vender su tecnología de baterías eléctricas a Mercedes y Toyota. Esto ha contribuido a la viabilidad de la empresa en un sector donde empezar de cero es muy complicado por los altos costes que implica.

Otros señalan la genialidad de Elon Musk como otro factor determinante de su éxito. “Es un tipo increíble. Todas las semanas viene a supervisar los aspectos de ingeniería y tecnología del coche. Está muy encima. No tengo reparos en decir que tiene algo de la genialidad de Steve Jobs pero sin los malos humos”, añade el diseñador de Tesla, que atiende a los periodistas en el stand. Habla con conocimiento de causa. Su anterior trabajo fue en Apple.

Colores claros, ilustración elegante y mucha luz representados en carteles sencillos pero impactantes. Tolerancia cero por lo superfluo y esloganes vacíos. Esto era la forma de promocionar las pistas de esquí en los años 40, 50, 60. La colección de pósters a continuación dan fe de ello.

The Mid Century Modernist dedica un artículo a estas piezas que han sido puestas a la venta en la página Vintage Seekers. Hacerse con uno de esos originales cuesta entre 600 y 9.000 euros, contemplarlo aquí es gratis.

Según Vintage Seekers, estos carteles se diseñaban principalmente por artistas franceses y suizos que utilizaban técnicas de impresión litográfica.

Swiss Air

Artista: Manfred Bingler (1964)

Bally Après Ski

Artista: Gerold (1955)

Niederösterreich

Artista: Schmid (1950)

St. Moritz Piz Nair

Artista: Martin Peikert (1948)

Norway 

Artista: Claude Lemeunier (1957)

Zugerberg

Artista: Martin Peikert (1948)

 St. Moritz

Artista: Enis (1955)

Póster Soviético

Artista: Anónimo (1957)

Les Diablerets

Artista: Martin Peikert (1949)

El vínculo entre grandes emprendedores tecnológicos y la escuela Montessori, una nueva tendencia a ser buena persona y la curiosa matemática del cara o cruz, en los cinco posts más vistos de la semana.

1. Google, Amazon y Wikipedia, hijos de Montessori

2. Ser buena persona es tendencia…

3. La curiosa matemática del cara y cruz

4. Cinco libros gordos para leer en una terminal

5. Olive, una película rodada con un smartphone se estrena en salas de cine

“Berlín es un lugar donde con poco dinero puedes desarrollar grandes ideas”. Eso fue lo que llevó al artista Vlad Korneev a mudarse a esta ciudad de su Rusia natal y lo que más adelante le permitió abrir Design Panoptikum, uno de los museos más extraños de la capital alemana.

Qué mejor sitio que esta ciudad para exponer y encontrar piezas de diseño industrial del siglo 20. Una metrópoli que durante 45 años contaba con dos versiones de todo. La comunista y la occidental. El punto de encuentro entre este y oeste. La capital de un país de ingenieros que levantaron el país a base de duro trabajo tras los años oscuros del nazismo.

El interior del museo parece el laboratorio de un científico loco. Aquí no encontrarás vigilantes con mirada seria. Este es un trabajo de un hombre solo. Korneev se encarga de guiarte por las distintas salas del museo. En cada habitación señala objetos y pide tu involucración para averiguar qué son. ¿Es una platillo volador? No, es una lavadora de los años 60 que nunca llegó a fabricarse a gran escala. ¿Es una bañera? No, es un motor de un avión antonov. ¿Es una sauna o una incubadora gigante? Negativo, es un pulmón artificial. “Eran artículos tan avanzados a su tiempo que es difícil adivinar lo que son”.

Le siguen instrumentos médicos que parecen más bien objetos de tortura, secadores de pelo futuristas y una máquina de rayos X que se asemeja a un telescopio. Cada objeto expuesto está escogido sobre todo por su funcionalidad, explica el dueño del local, aunque la rareza de algunos los convierte prácticamente en objetos de arte.

En el museo también se puede encontrar dispositivos que dicen mucho sobre las incoherencias de los tiempos comunistas. “Esta cámara es de Checoslovaquia. A pesar de que Alemania del Este contaba con los mejores ingenieros, las autoridades pensaron que ésta no era una actividad importante, así que tuvieron que importar este tipo de productos”, señala Korneev.

El artista considera que Design Panoptikum es una alternativa al Berlín que va camino de convertirse en un parque temático. El de una ciudad que vive de la nostalgia por el pasado, tomada por la avalancha de turistas que llegan en busca de una autenticidad e historia que paradójicamente están contribuyendo a deshacer. “Cuando vas al museo de la DDR no hay un deseo real de transmitir lo que pasó. Es un espacio creado para ganar dinero, con reproducciones mal hechas. Vive de la nostalgia por el pasado sin aportar verdadera sustancia”, explica.

Para ayudar a financiar el museo, Vlad Korneev alquila el espacio para rodar películas y hacer sesiones de fotos. También tiene una pequeña parte del espacio reservado a vender objetos antiguos. Pero no le pidas que te ofrezca piezas de su museo. “Karl Lagerfeld me intentó comprar un objeto cuando pasó por aquí. Tuve la suerte de tener una réplica en mi almacén y se la vendí. Si no, le hubiera tenido que decir que no”.

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Este artículo fue publicado en el número de enero de Yorokobu.

Introducir conceptos de sostenibilidad a la creación de productos está muy bien pero tiene que ir acompañado de un sentido práctico. En ese terreno es donde Yves Behar considera que tiene que intervenir el diseño. “Demasiadas veces se venden productos sostenibles apelando a que te harán sentir mejor aunque sean más caros y complicados de usar. Que las dos cosas estén reñidas es una falacia que el diseño debe contribuir a cambiar”, explica el fundador del estudio Fuseproject en esta ponencia realizada en the 99%.

No faltan casos en el historial de Behar para demostrarlo. Lo logró con Clever Little Bag de Puma, que unifica el packaging y la bolsa de sus zapatos para ahorrar así el 65% de cartón por cada par de zapatillas. El portátil de cien dólares es otro ejemplo de ello.

Yves Béhar :: Why Designers Should Be In Love With The Process from 99% on Vimeo.

Sobre el día a día de su trabajo, Behar dice preferir briefings que empiezan con preguntas en vez de respuestas. Su método está basado en probar, probar y probar. “Si quieres hablar de una idea, no escribas un libro. Sal fuera y testealo. El buen diseño acelera la adopción de nuevas ideas”, afirma.

Una de las cosas que más han ayudado a Fuse Project a prosperar, según Behar, es la búsqueda de un modelo de negocio distinto al de los estudios de diseño tradicionales. “Nos pagan para ser híper creativos pero nuestro modelo de negocio es muy aburrido. Empezamos a buscar cómo podíamos convertirnos en partners de nuestros clientes en vez de solo proveedores”.

Esa búsqueda les ha llevado a que a día de hoy el 50% de los trabajos que hacen estén realizados bajo acuerdos que los convierten en socios capitalistas de los proyectos donde trabajan. Este modelo, que también se empieza a adoptar tímidamente en algunas agencias de publicidad, ayuda a alinear los objetivos de ambas partes.

“Normalmente un gestor de diseño quiere que acabes lo más rápido con el proyecto para facturar algo nuevo. Con estos acuerdos logramos dedicar más tiempo al proyecto para hacerlo bien”, indica.

Behar es un enamorado del proceso creativo. Para ilustrarlo termina su charla con una cita del legendario diseñador Saul Bass: “¿De dónde vienen las ideas? De observar una cosa y ver otra. De jugar con las posibilidades, especular, cambiar, tirar, transformar y con suerte, si se te ocurre algo que merece la pena conservar, utilizarlo y construir algo sobre ello. Esto es cuando termina el juego y empieza el trabajo real”.

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Foto: Fuse Project

Apple y Google están forrados en estos momentos. El primero tiene más de 70.000 millones de dólares en el banco. El segundo sigue creciendo y cuenta con la plataforma de vídeos más concurrida del mundo. Ambas tienen los recursos y talento para reinventar el negocio audiovisual. Más que sorprenderse de la noticia del Daily Mail que dice que los gigantes tecnológicos están interesados en hacerse con los derechos de la Premier League, deberíamos preguntarnos ¿por qué han tardado tanto en hacerlo?

El artículo publicado ayer en el diario británico afirma que este tipo de contenido ayudaría a impulsar su servicio de Apple TV. El blog Apple Insider va más allá especulando sobre la posibilidad de que los derechos de la Premier League acompañen el futuro lanzamiento de una televisión conectada que probablemente se llamará iTV y que ofrecerá un sistema de suscripción similar a Netflix.

Para Google, no es la primera vez que la compañía muestra interés en este tipo de contenido. En enero de 2010 el buscador compró los derechos de la Premier League de Cricket India para emitirlo en YouTube.

¿Podría pasar lo mismo en España? Teniendo en cuenta los problemas económicos que atraviesan los actuales gestores de derechos, no sería una locura preverlo.

All the Women es una película que empezó el 1 de enero. Para conocer su final habrá que esperar hasta el 31 de diciembre. Está compuesta por 366 fragmentos que se irán colgando durante cada uno de los 366 días que componen este año. Sus protagonistas: 366 mujeres de 5 ciudades que Pablo Maqueda, autor del trabajo, ha filmado en busca de las “rutinas, momentos e instantes de la Mujer del Siglo XXI”.

Madrid, Tokio, Nueva York, París y Londres son las ciudades escogidas por el cineasta para representar mujeres cosmopolitas. Las más afortunadas de este mundo. “Otra perspectiva a un tema que se suele tratar desde el punto de vista de la desigualdad”, añade.

Las primeras tres secuencias que ha colgado en el blog de la película marcan la línea del film pero no condicionan su futuro. “Son planos secuencia con un estilo de documental. Algunos han sido coreografiados con ellas, otros son más voyeuristicos”. Con el paso de los días irá evolucionando. “La ficción se adentrará en los vídeos. Irrumpirá la magia, habrá voz en off, subtítulos. Puede incluso que los espectadores y los seguidores del trabajo ayuden a aportar y guiar el proceso”.

All the Women permite conocer a estas mujeres de cerca y adentra al espectador en los entresijos de estas ciudades. Cada pieza está ambientada en una zona específica de ellas. “Cada uno podrá encontrar algo que le interesa, desde callejones inhóspitos, lugares más comerciales, tendencias y cómo viste la gente”.

El 31 de diciembre de 2012 se colgará el último fragmento de la serie pero el trabajo de Maqueda no habrá terminado. Será el momento de volver a revisar el material para transformarlo en un largometraje.

Trailer: 

ALL THE WOMEN – A Film experience from Pablo Maqueda on Vimeo.

1 de enero:

ALL THE WOMEN #01 Coney Island beach (New York) from All the women on Vimeo.

Spike Lee dijo hace cinco años, en el Festival de Publicidad de Cannes, que en un futuro no muy lejano, se estrenarían películas en las salas de cine realizadas íntegramente con un móvil. Según el cineasta afroamericano, su creciente uso para estos fines significaría el principio del fin de las escuelas del séptimo arte. Una de las principales razones para acudir a estos centros era tener acceso a equipo que antes valía decenas de miles de dólares. El móvil lo cambiaría todo.

El estreno de Olive en algunas salas de EEUU, una película grabada íntegramente con un Nokia N8 adaptado con una lente de 35mm, confirma que las predicciones de Lee iban por buen camino. Las barreras de entrada siguen cayendo para cineastas en todo el mundo.

El uso del móvil no es algo estrictamente nuevo. Se han grabado anuncios con un iPhone 4, existen certámenes audiovisuales especializados en el móvil y empiezan a aparecer cortos hechos con smartphones de una calidad notable.

Pero buena parte de los usos que se han hecho hasta ahora buscan aprovechar la novedad de hacerlo así para conseguir notoriedad en prensa. Olive también lo hace, aunque unido a una vocación más ambiciosa para crear cine independiente más barato. En este caso con un presupuesto de 500.000 dólares.

El objetivo de la película, según declaró su director, Hooman Khalili, a LA Times, es contribuir a cambiar el modelo de los grandes. El largometraje se inscribirá en los Oscar y a lo largo del año se trabajará para introducirla en más salas de cine.

Olive es una muestra más de una nueva generación de cineastas más proactivos. No juegan en las grandes ligas pero no se quedan de brazos cruzados cuando no consiguen financiación para realizar su proyectos. Prefieren lanzarse e ir encontrando oportunidades por el camino. Gonzalo Martín, analista de nuevos medios, lo resume muy bien en su blog:

“‘Ésta será la siguiente revolución, el logro de la autosuficiencia a través del nuevo modelo del “tú puedes hacerlo”. La cita pertenece a una entrevista interesantísima a Álex Posada que viene antecedida por frases igualmente sugerentes: «El verdadero potencial del DIY está por venir…» o, lo que puede verse como un planteamiento anti (comercial, capitalista o lo que se quiera), pero que yo lo veo como una parte del fenómeno de la desintermediación. «La sociedad actual está tomando consciencia de que cada vez necesita menos a las multinacionales y los productos de consumo». Esto se corresponde con la postura que defiendo con frecuencia en este espacio: si eres creador, no esperes a la publicidad ni a las subvenciones, arranca ya”.

Tampoco se puede ignorar que se lleva varios años grabando grandes producciones, entre ellas, capítulos de House, con la Canon Mark 5D, una cámara que cuesta menos de 3.000 euros. Es probable que añadir la lente especial al Nokia N8 habrá costado más que esto pero por algún sitio hay que empezar para encontrar nuevos caminos.

La democratización ya está aquí con o sin los smartphones. La cuestión está en si quedará el móvil como un medio para hacer películas una vez que desaparezca la novedad. En este sentido, el éxito de Olive dependerá mucho de la calidad de la historia independientemente de cómo ha sido rodada. Nada que ayude a contar historias puede ser malo.

Fotos: Olive the Movie