Asia Central es un lugar remoto, difícil de visitar. Interminables estepas, infinitos desiertos e inaccesibles montañas. Con sistemas políticos heredados de la Unión Soviética. Ser extranjero es ser sospechoso, espía o traficante de heroína. Las nociones de inglés de habitantes y funcionarios son mínimas. Los visados no son sencillos ni baratos. La estadía requiere temple de estoico y estómago de Carpanta; los hoteles suelen ser decrépitos muladares y la gastronomía, por llamarla de algún modo, monótona y pobre cuando no corrosiva.

Fundada sobre el delta del Volga por Iván el Terrible se encuentra Kazajjstán. Caballos y camellos campan a su antojo. A pesar de la aridez de la tierra, el horizonte infinito embriaga. Viajando hacia oriente, aparece Atyrau, urbe de altos edificios de cristal y acero, el reciente brillo del petróleo. El infierno comienza cincuenta kilómetros hacia el este. Ante el delirio de piedras, grava y agujeros, una mirada al mapa parece una broma surrealista. En el papel hay pintados la línea roja de una carretera y la mancha azul de un mar. En realidad, no existe ninguno. Tal vez en tiempos de Stalin, pero no hoy. Los camiones han abierto pistas en la arena. Muchos, con la amortiguación desecha, permanecen varados como ballenas moribundas. Los conductores se toman el naufragio con paciencia de siglos.

La mancha azul es un desierto inundado de arena, el Mar de Aral. Una vez fue el mayor lago del mundo pero lo secaron los proyectos soviéticos de irrigación a gran escala de campos de algodón. El área que circunda el antiguo mar es hoy un deshidratado montón de nada. Barcos muertos en un muelle vacío, grúas portuarias inútiles y toneladas de arena.

La frontera oeste entre Uzbekistán y Kazajstán es un inmenso desierto que nadie se molesta en proteger. En Nukus, capital de la uzbeca región autónoma de Karapalkastan, está Nukus, un verdadero agujero polvoriento en medio de la desolación. Sin embargo, aquí se encuentra una de las más desconocidas joyas del arte vanguardista europeo: el Museo Savitski.

Fundado en 1966, reúne más de 90.000 piezas de las vanguardias artísticas de los años 30, 40 y 50 que trataron de sobrevivir durante la época soviética. Es el arte prohibido por los comisarios políticos de la URSS. Para los europeos occidentales, las vanguardias pictóricas de comienzos del XX se hacían en Francia o Italia, en el despreciable mundo burgués de entreguerras. Pero en Rusia, en Ucrania, en Uzbekistán y en el resto de repúblicas socialistas soviéticas también había artistas que perseguían expresarse por los caminos del figurativismo, el puntillismo, el dadaísmo o el industrialismo.

Del mismo modo que aquellos vanguardistas del Oeste no toleraban seguir pintando bodegones y retratos para los hogares pequeñoburgueses, los del Éste no deseaban glorificar los musculosos héroes de la revolución socialista, tan solo pretendían iluminar la vida con colores. Pero mientras aquellos se arriesgaban a una mala crítica en un cenáculo parisino, estos podían enfrentarse a una prisión en Siberia.

Esto fue lo que le ocurrió al pintor V. Lysenko nacido en 1903. Declarado culpable de fomentar la contrarrevolución con pinturas tan superficiales como El Toro, pintado en 1929 y hoy emblema del museo. Se ignora la fecha de su muerte, ocurrida en alguna sórdida isla del Gulag. Su arte no pretendía romper más cadenas que las de la fealdad. Pero para los comisarios políticos estalinistas todo pincel y toda pluma debían estar al servicio exclusivo de la causa socialista. Cualquier camino alternativo era el de la contrarrevolución, la prisión y la fosa colectiva.

Igor Savitsky fue un pintor y arqueólogo nacido en Kiev. En los cincuenta se trasladó a Nukus. En aquellos años muchos artistas del norte viajaron al Asia Central persiguiendo la inspiración que una realidad gris les negaba. Nombrado responsable del Museo Estatal en 1966, Savitsky tuvo la oportunidad de poder buscar objetos para su exhibición. Inicialmente se limitó a los descubrimientos arqueológicos y las piezas de etnografía local, pero poco a poco se fue interesando en el arte moderno. Comenzó así una arriesgada actividad. Igor Savitsky asumió la misión de coleccionar el arte maldito por la Unión Soviética.

Savitsky también corría el riesgo de ser denunciado como enemigo del pueblo. Pero su desértico y pobre refugio en el noroeste de Uzbekistán le protegía de los comisarios. Nukus es un invernadero demasiado caliente y aislado como para que nadie se preocupase de lo que allí pasaba. Tuvo más suerte que sus artistas. Aconteció la implosión del castillo de naipes socialista en 1991, y al final de sus días fue condecorado y reconocido como un héroe por los gobernantes del nuevo Uzbekistán, quienes, como ocurre en el resto de repúblicas centroasiáticas, son los mismos del periodo soviético.

Paseando por sus climatizadas salas y contemplando la belleza de sus obras viene a la memoria aquel chiste de Dalí sobre otro famoso pintor cubista. El gran cuerdo de Cadaqués dijo un día, probablemente ya harto de que le preguntaran por su relación con el malagueño: “Picasso es un gran pintor, yo también. Picasso es un genio, yo también. Picasso es comunista, yo tampoco”. Delante del azulado cuadro de El Toro, imaginé que a V. Lysenko probablemente también le hubiera gustado repetir el mismo chiste sin que ello que le costara la vida.

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Miquel Silvestre es escritor

Pueden pasar semanas, incluso meses, desde que Ingrid Siliakus esboza en sueños una ciudad, imposibles fantasías oníricas de papel y tijera, hasta que consigue que se alcen sobre el plano. en se mismo mundo de fantasía, la artista holandesa sería, sin duda, la hija que Escher siempre quiso tener.

Siliakus descubrió, en los inicios de la década de los ochenta, que la arquitectura se construye en unas ocasiones con hormigón y acero, en otras con ladrillo y en otras con madera. O también con papel, sólo por el placer de ver como surge del pliego, sin la pretensión de que nadie la habite salvo en deseos y anhelos. Se topó con el trabajo del arquitecto Masahiro Chatani y vio señalado el camino que tenía que seguir.

Ni siquiera se plantea transmitir nada que no quiera ser interpretado por quien ve su trabajo. “Me gusta que la gente lo interprete de manera libre. Sólo quiero crear aquello que me atrae”, explica la holandesa.

Silikaus crea cada obra a partir de un único pliego de papel, que repasa micra a micra, sobre el que desliza la tijera como si quisiera encontrar algún tipo de imperfección y convertirla en un una llamada al observador. “Cortar y doblar. Es todo lo que hago”.

El proceso es tedioso. Bueno, lo sería para el más común de los mortales, pero ella disfruta la minuciosidad mimando cada capa. “Comienzo diseñando una primera capa y después construyo, sobre le plano, la siguiente sobre la primera. Después viene la etapa de cortar y doblar. Es necesaria una gran cantidad de papel para terminar un buen trabajo”.

El resultado de sus devaneos papirofléxicos son un sencillo -por los instrumentos- y complicado -por la ejecución- homenaje a la artesanía tradicional, la arquitectura y, sobre todo, la ciencia de la paciencia.

En este link se encuentra una webcam. Una de las muchas que pueblan páginas webs en todo el mundo. Dejando de lado su uso para el contacto humano, ciudades en todo el mundo las utilizan para promocionarse, estaciones de esquí para que puedas ver el estado de la nieve en tiempo real y algunas tiendas para vigilar sus posesiones desde cualquier lugar. Juntas componen ventanas inconexas a lugares lejanos o no tan lejanos que el artista Mario Santamaría utiliza para hacer collage digitales que llama Collage City.

“Existen miles de señales streaming en la red que emiten continuamente imágenes de espacios tanto públicos como privados, muchas de estas imágenes no son almacenadas ni grabadas, simplemente son emitidas, y constituyen un tipo de oralidad visual”, explica el autor del proyecto.

Santamaría pasa largas horas en busca de estas piezas. Las encuentra en foros, páginas webs y se intercambia links con gente con los mismos intereses.

El artista logra convertir lo mundano en algo cautivador. Cada uno de los 5 collages retrata escenas absolutamente normales que en su conjunto dan la sensación de estar en muchos lugares a la vez. Un paseo marítimo donde los viandantes se mueven plácidamente. La parte de atrás de un taller, el interior de una peluquería masculina que durante la semana está llena de clientes, un campo de golf nevado, una tienda de bicis o el enorme atrio de una iglesia ortodoxa rusa son algunas de los lugares capturados durante las 24 horas.

Pero lo mundano también tiene su lado oscuro. Existen muchos lugares donde se puede acceder a webcams privadas que por varias razones están abiertas a cualquiera que tenga acceso al link.

“A veces se trata de un fallo de las personas que se les ha olvidado poner una contraseña. En otros casos es responsabilidad de la empresa que no pone controles necesarios o un fallo del servidor. Hay cientos de cámaras apuntando a centros de mayores, salones, pasillos de casas privadas. Es muy siniestro verlo. Te entra una sensación muy rara cuando te pones en el pellejo de esa gente. Hay muchas personas que se intercambian estos links”.

En este sentido, tras presenciarlo con sus propios ojos, Santamaría prefiere no jugársela. ”Yo, por si acaso, mantengo siempre mi cámara tapada”.

La fractura de pene es una lesión tan dolorosa como infrecuente: solo supone un caso de los 200.000 ingresos en urgencias. Suele producirse durante el coito, especialmente cuando es la mujer la que está encima y, por un descuido, golpea el pene de su pobre compañero. Más aún: la fractura de pene o pene roto es más habitual en los hombres que están perpetrando una infidelidad conyugal, según averiguó un médico de la Universidad de Maryland tras estudiar detenidamente el particular.

El doctor Andrew Kramer se interesó por las historias que había detrás de los 16 ingresos de pene fracturado en los quirófanos de la citada universidad, entre 2007 y 2011, y descubrió que la mitad de las lesiones tuvo lugar mientras los amantes tenían un affaire extramatrimonial. La razón, según explica el propio galeno en una entrevista en Vice, es que los amantes ocasionales son más dados a practicar el sexo “en lugares poco habituales, como ascensores, baños públicos o en la oficina”. Solo 3 de los 16 propietarios de los penes rotos estaban practicando el sexo en la cama, como es de rigor.

Además de las ubicaciones “originales” y las posturas acrobáticas (impropias para con la pareja habitual), otra de las características del sexo clandestino es la premura, el estrés propio que tienen los amantes que pueden ser sorprendidos en cualquier momento. Según explica Kramer, “todos estos factores pueden hacer que el hombre esté menos dispuesto a proteger su pene de un movimiento repentino que pueda llevar a la fractura”. La receta del doctor para evitar este desgraciado accidente es la atarlas en corto:

“Coloca las manos en la cadera de la mujer u otra parte de su cuerpo para controlar el descenso de fuerza que podría provocar la rotura del pene”.

Los resultados obtenidos por el pequeño grupo estudiado por el doctor son corroborados por un segundo estudio llevado a cabo por el hospital militar cubano Carlos Finlay, durante 10 años. El 68% de los 25 hombres que necesitaron cirugía para reparar su miembro viril quebrado estaba practicando el coito aunque, desdichamente, los médicos cubanos no preguntaron si lo hacían con la propia o con alguna buena amiga. Otro dato útil de ese estudio: el 92% de las víctimas “escuchó (¡ay!) un chasquido”.

Otro motivo habitual de las fracturas de pene es la “masturbación acelerada”, según informa en su página el Doctor Mauro Fernández, sexólogo y especialista costarricense de estos menesteres.

Los resultados del estudio del doctor Kramer fueron publicados en The Journal of Sexual Medicine bajo el sugerente título de “La fractura de pene es más habitual cuando se practica el sexo en situaciones estresantes”.

Foto de portada: Escultura de sexo acrobático en el templo de Khajuraho (India). Patrikmloeff, Flickr CC.

No solo rompe esquemas. Obliga a romperlos. Una noticia al uso diría: “La galería de arte abrió sus puertas…” pero aquí no vamos a poder tirar de oficio. La galería no tiene puertas. Está en el centro de Madrid. En la calle Veneras. Mide 35 centímetros cúbicos y su dueña, la artista Sasa Yagüe, la ha llamado Galerías Preciados.

La galería cumple su papel cuando Sasa organiza una muestra y convoca allí a una serie de artistas e invitados para apreciar una pieza. Entonces es, según la artista, “35 centímetros cúbicos de arte”. Mientras tanto no hay ninguna señal que indique que ese espacio no es solo una ventana.

–Mmm… Pero… ¿No es un espacio público?
–¡Lo he privatizado! –contesta al instante, decidida, Sasa.

En los orígenes de la idea de esta galería está la obra del activista estadounidense Ben Morea, miembro de grupos como Black Mask (colectivo de inspiración dadá y surrealista con ideas anarquistas) o Up Against the Wall, Motherfucker, organización artística que se definía como “pandilla callejera con análisis”. Un lema que se ha convertido en la inspiración para que Sasa decidiera, según sus palabras, “crear un meeting point para una pandilla callejera con actitud”.

La otra referencia clave es The Wrong Gallery. Fue inaugurada en la calle Chelsea de Nueva York, en 2002. Tampoco era un local al uso. Era un espacio de apenas un metro cuadrado, en plena calle, ante una puerta de cristal. El letrero: “Fuck Off. We’re Closed” (¡Que te den! Está cerrado). Y, al igual que Galerías Preciados, nunca ‘abrió sus puertas’. Era una puerta cerrada.

Allí expusieron más de 40 artistas internacionales. Entre ellos, Tomma Abts, Pawel Althamer, Phil Collins, Paul McCarthy o Shirana Shahbazi.

En septiembre de 2005 la galería creada por el italiano Maurizio Cattelan y los comisarios Massimiliano Gioni y Ali Subotnick fue arrancada de su lugar. Tate Modern recuperó la puerta y reubicó The Wrong Gallery en sus instalaciones.

Galerías Preciados se erige como un “asalto topográfico a la seguridad de la ciudad”. Pero, además, cumple una función. Sasa pretende que “los artistas tengan nuevas opciones para mostrar su obra. Muchos artistas no tienen galería. Aunque, por lo demás, tenemos de todo. Capitalismo nacional, precios altísimos…”.

La galería intenta “establecer nuevos diálogos entre artistas, comisarios, galeristas, coleccionistas…”, indica. “Las circunstancias de las galerías están cambiando y hay que crear nuevas opciones”.

Galerías Preciados se inauguró el primer viernes del pasado septiembre. La primera obra que se expuso fue creada por Sasa. Ese día fue a la vez artista y galerista. La obra era un cartel de ‘Se vende’ situado encima de los 35 milímetros cúbicos.

“La elección de los artistas que exponen se produce en cadena. Yo fui la primera. Después pedí a Javier Lozano que fuera el siguiente y él tiene que tomar el testigo e invitar al próximo”, explica Sasa. “Cada artista decide qué va a hacer con su obra. La pieza puede haber sido vendida previamente o se puede vender, en una subasta, el día de la exposición. Un artista, Josechu Dávila, propuso que si la pieza no se vendía en ese momento, podría quemarse, pero yo prefiero otras opciones”.

Una alternativa es que la galerista cumpla “funciones de emergencia”. Es decir, “le ayudo a vender su obra”, especifica Sasa.

En este momento las exposiciones están congeladas. “Los artistas han cuestionado la dinámica de la galería por miedo”, explica. Pero Galerías Preciados sigue viva. El pasado 5 de enero organizó una subasta que se convirtió en sí misma en una pieza de arte.

Sasa llamó a nueve artistas y les dijo que prepararan una pieza para subastar al cabo de unas horas. “Todos fueron asaltados un día antes y todos dijeron que sí”, comenta. A las 11 de la noche los artistas se reunieron en el Café Moderno de Madrid y comenzaron la subasta por una cantidad simbólica. Veinte euros como precio de salida. Las obras eran de Antonio de la Rosa, Javier Lozano, Josechu Dávila, Rafa Sendín, Javier Núñez Gasco, Ramón Mateos, Dani Blanco, Pa Blo, Nuria Carrasco y la propia Sasa.

“Son los mejores artistas contemporáneos de este país”, dice la galerista. “Y, además, surgió un espontáneo. El artista publicista. Ricardo Llavador añadió una pieza. La presentó y la compró. Esa acción superó a Damian Hirst porque el británico compró toda su obra a Saatchi pero Llavador, además, dejó dinero para la galería. Hirst es el único que le ha dado la vuelta al mercado. Ha sido la primera vez que el arte ha cotizado en bolsa. La especulación de su obra sobre su propia obra es una obra de arte en sí misma”.

Galerías Preciados tiene ahora sus ojos puestos en la capital alemana. Ese es el destino de su próximo proyecto. “Vamos a asaltar la bienal de Berlín. No queremos ser invitados. Queremos asaltar a Voina, a los comisarios. Si ellos son revolucionarios, nosotros somos más”.

Cuando se levanta la tapa de un libro, se abre de manera repentina un generador de historias, pero también de experiencias y paisajes, de lugares que, en ocasiones, se instalan en el imaginario como si los hubiéramos visitado en realidad. Bien pensado, cuando leemos algo lo hacemos tan presente que quizá lo visitamos de manera real.

Cuando Guy Laramee comenzó a idear Biblios, se dedicó a trastear con la travesura de que los paisajes se alojaran en los libros de una manera real, palpable, física. Y además, quiso que este homenaje a la ensoñación literaria fuese grande. Literalmente grande. “Hace mucho tiempo, existían personas que se dedicaban a recolectar palabras. Se les llamaba los Biblios. Palabras, tenían muchas, todo tipo de palabras, y cuando éstas faltaban, inventaban otras nuevas”. Así comienza Laramee la historia que ha creado para sus propios escenarios.

A base de recolectar palabras y, posteriormente, libros, los Biblios acabaron formando vastas bibliotecas que agotaron el espacio para las demás cosas. “Así es como la vida en los libros se fue alzando. Conectaron palabras mediante túneles para formar otras e hicieron agujeros tan a menudo que la pasión por hacerlos se convirtió en necesidad”, siegue explicando el cuentacuentos Laramee. “También tuvieron que comenzar a comerse los libros para saciar la sed de conocimiento. Podríamos decir quese tenían que comer sus casas para sobrevivir.

Al final, esos libros que habitaban los Biblios, a base de ser modelados con túneles, agujeros y pendientes, se convirtieron en su hábitat, en las ondeantes superficies que permitían que la vida de los Biblios se desarrollase. El resultado, gracias a los que excavaban horizontalmente y gracias a los que excavaban verticalmente, es este.

La historia completa, aquí (en francés).

Todo empezó como una ‘gracia’ navideña. “¿Cuál es tu buen propósito para el año que viene?”, preguntó Swing Swing a sus clientes y amigos. La cantidad de respuestas y el contenido de las mismas hizo que todas éstas acabaran convertidas en obras de arte.

La primera decisión fue abrirlo y publicarlo en Facebook. Los cinco mejores propósitos, si es que hay unos propósitos mejores que otros, ganarían una pieza original. Pero al comprobar que más de 120 personas quisieron participar en el proyecto y enviaron su propósito, la agencia decidió convertir cada uno de estos en una pieza original y única, “porque ya que los propósitos son personales e irrepetibles el ‘artwork’ tampoco debía repetirse”, dice Judith Francisco, directora creativa de Swing Swing.

Y ya que tenían tantos propósitos… ¿Por qué no recopilarlos todos en un cuaderno? Y así fue como se dieron cuenta que lo que todos nos proponemos, de una manera o de otra y a pesar de lo que está cayendo, es ser más felices y disfrutar más.

Algunas respuestas fueron propósitos personales y pequeñas metas a cumplir. Otras, intenciones muy profundas de cambio de vida o actitud. Y otras fueron simples deseos. “En cualquier caso, el hecho de expresarlos ya es el primer paso para empezar a cumplirlos”, señala Francisco.

El proceso de elección de la técnica fue tan singular como la decisión de convertir los propósitos en obras de arte. “Tan importante como la unicidad del resultado era la vivencia del proceso para nosotros, que en el camino aprendiéramos una técnica. El resultado es una mezcla de ilustraciones artesanales con spray para graffitis sobre cartón compacto y grabado láser, obra de Grabolaser”.

Hay 120 personas que ya han colgado estas piezas en un sitio visible del lugar en el que pasan más tiempo… para tenerlo siempre presente. “Estoy convencida de que más de uno cumplirá su propósito a fuerza de verlo y verlo”, comenta Judith Francisco, “porque si en un cuadro lleno de colores te dicen todos los días que sonrías, ¿acaso vas a ser tan soso de no sonreír?”.

Y entonces suena Should I stay or should I go, perfecta para este instante. Acabo de pasar un resfriado –literalmente– de tres pares de narices y no es cuestión de estar en enero, en Madrid, chupando frío en una nave enorme sin calefacción.

Me habían dicho que la cosa empezaba a las 19:30. Pero no.

Me acerco a Lucas Agudelo, director del cotarro (y tal vez del catarro).

El pobre hombre está intentando colgar unas luces de las vigas sixtinas de La Tabacalera y me anuncia que están un poco fuera de hora, pero que habrá, como todos los martes desde abril del 2010, Dibujo Madrid.

El cable pasa por fin a través de la viga, los focos iluminan el escenario: todo lo demás es pan comido.

Empieza a llegar gente con blocs bajo el brazo. Ocupan su sitio y sacan lápices, témperas, ceras, tizas, acuarelas, rotuladores y cualquier cosa que pinte. Cincuenta dibujantes se preparan para el espectáculo de la noche. Ese es el lado A.

En el lado B hay nueve tremendos especímenes de macho humano en shorts. Son los Madrid Lions, los modelos elegidos para esta ocasión.

“El rugby”, se presenta el capitán del equipo a los dibujantes, “es un deporte de bestias jugado por caballeros”.

Los caballeros que juegan lo de las bestias adoptan incómodas posiciones del juego y ahí se quedan, estáticos, con la pierna atrapada en una patada o con el brazo congelado en un lanzamiento.

El vértigo de los quince minutos sosteniendo una acción.

Au: eso debe doler.

Frente a las estatuas de los rugbiers, el frenético movimiento de las manos de los dibujantes.

Se escucha el pasar de las hojas con su ruidito de insecto.

Espío lo que dibuja Madrid y veo bosquejos de nada, trazos, primeros planos, panorámicas del equipo, un muslo musculoso, una nariz a un hombre pegada, un brazo en alto con un balón oval.

Hay quienes machacan la página y hay quienes la rozan apenas. Hay profesionales y amateurs. Hay caricaturistas y dibujantes clásicos. Hay quien dibuja de pie. Hay quien lo hace sobre un libro en japonés. Hay quien piensa que es jodidamente jodido dibujar una mano. Hay quien esconde lo que ha hecho de los demás. Hay quien roe un bocadillo. Hay quien pasa de los Lions y se inspira en una grieta de la pared. Hay quien ha encontrado en este grupo un motivo para seguir haciendo garabatos y para seguir disfrutando en este momento ingratísimo con toda forma de felicidad.

Y hay quien escribe lo que otros dibujan.

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María Fernanda Ampuero es escritora.

Fotos e imágenes: Dibujo Madrid

El reconocimiento en el mundo del arte no siempre es solo cuestión de talento. A veces, es el tiempo el factor más determinante. Andrzej Sobiepan, un estudiante de arte, decidió que lo de esperar años para que las galerías y museos se interesasen por su trabajo no iba con él, por lo que optó por colgar él mismo una de sus obras en el Museo Nacional de la ciudad polaca de Wroclaw.

Según The Huffington Post, el pasado 10 de diciembre Andrzej aprovechó el despiste del guarda de seguridad de una de las salas para colgar uno de sus cuadros, que permanecería allí durante los tres siguientes días. Durante todo ese tiempo, ningún miembro del personal del museo se percató de la presencia de la nueva pieza.

En declaraciones a un canal de televisión polaco, el estudiante aseguró que se inspiró en una iniciativa muy similar que Bansky realizó en varios museos de Nueva York en 2005.

En cuanto al museo, la acción de Sobiepan ha servido, según el propio director de la entidad Mariusz Hermansdorfer, para revelar los defectos de su sistema de seguridad. Aunque el propio Hermansdorfer cree que ha desvelado algo aún más relevante: “Se ha demostrado que, a diferencia de la anterior, la nueva generación de artistas quiere ver sus obras en los museos”.

Por eso el Museo Nacional de Wroclaw ha decidido mantener colgada la obra de Sobiepan… en la pared de su cafetería, eso sí.

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Foto: Natalia Lobato bajo licencia CC

Amaina la tormenta. Richard y Judith Lang se preparan para ir a Kehoe Beach, una playa en el norte de California. No tienen previsto nadar, ni tomar el sol, ni bucear, ni hacer surf. Solo recorrer la playa en busca de los desechos de plásticos que la resaca del mar ha dejado en la playa.

La tapa de una botella de leche, un soldadito de juguete, un peine… Dicen que cuando encuentran alguna cosa de este tipo sienten algo similar a lo que experimenta un coleccionista cuando halla la pieza más extraña y difícil de encontrar.

Aunque a diferencia de los coleccionistas, para Richard y Judith el proceso no termina con la localización de los objetos. Una vez en su poder los llevan a su taller donde después de limpiarlos, los clasifican en función de su naturaleza y color.

A partir de todos ellos crean esculturas, joyas, cuadros y todo tipo de instalaciones artísticas. Así lo llevan haciendo desde 1999 porque aseguran que es la mejor forma de combinar su interés por la ciencia, la naturaleza y el arte y que, además, les permite advertir sobre el deterioro del medioambiente a manos de la industria y el consumo.

Aunque ellos lo tienen claro y por eso, para evitar que ellos o sus obras sean tachados de pretenciosos, avisan: “Nuestra intención final es meramente estética”.

Desde hace unos días hay un nuevo mural en Los Angeles. Uno de 38 x 6,5 metros con el que la ciudad norteamericana quiere hacer del parque en el que se encuentra un lugar más accesible para los peatones, para los usuarios del Metro, para los residentes en la zona y para los pacientes de un hospital cercano. A todos ellos da una inspiradora bienvenida este muro, pintado por tres artistas vascos.

Se hacen llamar The Basque Painthers, un seudónimo bajo el que se esconden los artistas vascos Ismael Iglesias, Aitor Lajarín y Fermín Moreno. Ellos han sido los encargados de realizar este gran mural cerca de la intersección de Sunset Boulevard y Vermont Avenue , en Los Ángeles.

Este colorista muro forma parte de El Corredor de las Artes, una actuación urbanística en la que participan organismos municipales y privados que tiene como objetivo hacer del parque Barnsdall Art Park un lugar más accesible a los peatones, usuarios de Metro, residente de East Hollywood y a los pacientes y el  personal del hospital cercano.

Según Roberta Morris, directora de Artwalk, institución dedicada a la promoción artística que colabora en este proyecto, añadir piezas de arte como este mural o mejorar las señalizaciones, son la mejor manera de hacer del parque un lugar más acogedor para locales y visitantes.

El muro está lleno de colores y figuras humanas y geométricas inspiradas en los alrededores del parque, y en concreto en el Hollyhock House, edificio diseñado por el arquitecto Frank Lloyd Wright y dedicado al desarrollo de las artes y los artistas de la región de Los Angeles en toda su diversidad cultural . “Queríamos ofrecer una experiencia estética que fuera como una invitación a entrar en el parque Barnsdall Art Park”, comenta Lajarín.

Con este trabajo quieren contribuir a mejorar el espectro de murales que cohabitan en la ciudad de Los Angeles y esperan sea el punto de partida para seguir tatuando paredes en cualquier parte del mundo.

Todos los refranes y expresiones del castellano esconden su mensaje. Al que se cree muy guapo se le dice que va ‘con el guapo subido’, el que está muy lejos está ‘en la quinta leche’ y ‘montar un pollo’ es armar un escándalo. Pero… ¿qué pasaría si interpretáramos literalmente, al pie de la letra, estas frases de nuestro rico idioma?

Pues que daría como resultado una imagen divertida y absurda que nada tiene que ver con su significado popular. La foto de arriba, por ejemplo, representa la ‘fecundación in vitro’. Es la imagen conceptual de expresiones en lengua castellana vistas por la artista y bloguera rusa Alena Kh.

De hecho, #ElConcepto es el título de esta colección que ha recopilado en una exposición en la que la muñeca Barbie y otros objetos cotidianos juegan un papel protagonista.

Con el guapo subido

Envidia cochina

Está en la quinta leche

Gafas de pasta

Manzanilla

Meter la pata

Montar un pollo

Se les va la pinza

En el pasado remoto solo había cuerpos. En el pasado reciente había cuerpos y había máquinas. En el presente hay cuerpos con máquinas en sus entrañas. La frontera ha muerto. Quizá en el futuro ni siquiera se distinga el concepto humano del concepto cable y chip. Pero mientras el momento llega, hay una parada en el tiempo. Será en Madrid. Será una semana desde donde mirar qué está pasando y qué puede pasar.

En su tercera edición, la muestra de artes digitales, audiovisuales y tecnologías contemporáneas MADATAC se presenta con un Adiós necro-año, bienvenido bio-autómata. “Algo tan atávico como la máquina mimetizada con la carne, el artefacto como apoyo a nuestros actos, pensamientos y creaciones, se convierte en una circunstancia futurible asimilada y en metáfora de la muestra”, explica el director del festival, Iury Lech.

En los siete días que van del 12 al 18 de diciembre habrá 125 proyecciones. Se celebrarán mesas redondas, talleres, performances… Las actividades de la muestra, que este año cuenta con la colaboración del festival griego Miden y de Corelabas (Centro de Producción de Arte de los Nuevos Medios ubicado en Beijing), comenzarán en el Museo Reina Sofía y seguirán en espacios como la cineteca de Matadero o Caixa Forum.

El artista canadiense Herman Kolgen presentará en la gala de entrega de premios, el sábado 17, en el Reina Sofía, su nueva performance audiovisual Trains Fragments, diseñada expresamente para MADATAC y basada en la pieza Different Trains, del músico estadounidense Steve Reich. Una road movie en la que una serie de imágenes de locomotoras y descarrilamientos hacen viajar a través de la memoria. El viernes 16 se exhibirá otra de sus piezas, Dust and Inject, en Caixa Forum.

El director estadounidense Reynold Reynolds, conocido por sus obras transgresoras, estará en el festival con sus documentos poéticos. Entre ellos, Six Apartments (premiado en Transmediale Berlin) y Last Day of the Republic (mención especial del jurado en Videoformes 2011). Reynolds, además, presentará su programa de siete videoproyecciones en el Reina Sofía.

Programa de MADATAC

En la Sección Oficial Internacional de MADATAC compiten 78 videocreaciones procedentes de 26 países. Se proyectarán en la Cineteca de Matadero de Madrid del 14 al 18 de diciembre y en el MNCARS.

El artista canadiense Herman Kolgen ofrecerá las performances audiovisuales Dust e Inject en el Caixa Forum. Además, estrenará Trains Fragments, especialmente creada para MADATAC. En el Museo Reina Sofía ofrecerá una charla sobre su proceso creativo.

El estadounidense Reynold Reynolds exhibirá una selección de su transgresor trabajo audiovisual en el MNCARS y mantendrá un diálogo con el público.

El italiano Marco Donnarumma impartirá el Taller de Performance Biofísica Live Media, que tratará sobre la utilización de sensores para el control físico de imagen y sonido en el Caixa Forum. Además, ofrecerá una performance especialmente creada para MADATAC aplicando esta nueva tecnología audiovisual.

La videoartista española Marina Nuñez ofrecerá en la Cineteca de Matadero una sesión abierta que constará de un pase comentado de su reciente obra videográfica.

Sesión Territorios Inexplorados: programa de Videoarte Chino en el Museo Reina Sofía, comisariado desde Beijing por Corelabs (Lu Yang, Marula, Xiao Wu), quienes ofrecerán una presentación al público.

Sesión Monografía: programa de Videoarte Griego, Esto es la guerra, comisariado por el Festival Miden (Gioula Papadopoulou & Giorgos Dimitrakopoulos).

Premios Madatac

- A LA MEJOR OBRA DE VIDEOARTE
- A LA OBRA DIGITAL + INNOVADORA
- AL VIDEOARTISTA + PROMETEDOR
- A LA MEJOR INTERACCIÓN VIDEOAURAL
-1 PREMIO ESPECIAL DEL PÚBLICO (Concedido por votación entre los espectadores a la mejor obra de la Sección Oficial Internacional).

Además, el programa de televisión Metrópolis (La 2) seleccionará y premiará, en concepto de derechos de emisión, obras de la Sección Oficial Internacional de la muestra, hasta completar un total 27 minutos. Los vídeos ganadores se emitirán en un programa especial de Metrópolis dedicado a MADATAC, que podrá verse el domingo siguiente al fin de la muestra en La 2 de TVE.

Cortas, pegas. Cortas, pegas. Cortas, pegas y aparece un dibujo. Eso es el tape-art y eso es lo que hace Max Zorn por las calles de Amsterdam.

El artista urbano salía a correr todas las noches por la ciudad. Un día del último mayo se fijó en las viejas lámparas de iluminación pública que veía por las calles. “Me parecían una gran galería de arte inutilizada”, comenta el holandés. “Y pensé: si hubiera algún medio cool que funcionara con esta luz. Así que me senté, empecé a experimentar un poco con diferentes materiales y acabé con la cinta”.

Es un proyecto personal de este holandés, pero, según cuenta, no descarta “meter a algunas marcas en el barco (como patrocinadores o algo parecido) en algún momento en el futuro, cuando necesite algo de dinero. Pero solo lo haré si no corrompe la idea del arte urbano libre. Lo que me gusta de verdad es la idea de tener lo que hago ahí fuera”.

Gracias por la pista, Fernando Hernández.

Update: Nuevo vídeo de su arte de cinta adhesiva sobre lámparas públicas durante su estancia en España y Portugal.

Hummm… Suavemente perfumada, actual y con olor a políticamente correcto. Así es Dermocracia, una nueva línea cosmética que aporta a la piel “el charme y estilo de vida de la clase poderosa”. Los Laboratorios D’Hont presentan con estos jabones sus nuevas referencias “para que disfrutes de los pequeños grandes placeres de la vida como los políticos de este país”.

Detrás de los Laboratorios D’Hont está Miderrota. Este “colectivo artístico conectado con el diseño y la publicidad”, como lo define su líder, Rodrigo Fonseca, empezó a pensar en “la crisis, el debate político actual y el partido que va a ganar las próximas elecciones generales” y, según cuenta, “surgió esta línea de cosmética basada en cómo se lavan las manos los políticos”.

Los jabones hacen referencia al “olor a dinero lavado”, a “la libertad de haber pagado tus casas (…)” mientras se mueren los hipotecados y los desahuciados, al “dolor de cabeza innecesario de la sanidad gratuita”, al jabón para “adjudicar obras de forma amigable” y al “aroma fresco del campus privado (la educación es otro negocio que disfrutar)”.

La línea cosmética formada por Argent, Chez toi, Welfare, Eau Corrupte e Ischool se vende en edición limitada y numerada. La cantidad de artículos se producirá en función de la demanda y se venderán, por 49,99€, a través de la web. Por el momento, hay varios prototipos. Fonseca, socio fundador de la agencia F33, dice que nunca producen nada que no hayan visto y tocado antes. “Hicimos moldes reales, de varias formas y colores. Tenemos mi cocina llena de jabones…”.

En esta línea de cosméticos han participado, como parte de Miderrota, varios empleados de F33. “Nos juntamos varias personas y cada uno hace una cosa. Yo hice el diseño de los jabones, otro hizo los copies, otro la web… Es un trabajo de colaboración”.

“Lávate las manos como un político”, proclama Dermocracia. “El yate está a la vista…”.

Para los hermanos Blas y Pablo Montoya, la chatarra es vida. Ambos regentan un negocio familiar que se dedica a dar un nuevo uso a materiales de todo tipo. Con el paso del tiempo esa misma chatarra también se ha convertido en arte.

Juntos llevan casi 10 años experimentando con los residuos bajo el nombre Trashformaciones, una iniciativa dedicada a crear obras a raíz de los materiales que encuentran en su día a día. “Empezamos más con el concepto de reutilización y poco a poco nos hemos metido más en el apartado de escultura”, explica Pablo Montoya.

Su última exposición, Huesopiel, es la viva voz de esta nueva dirección. “Jugamos con dos elementos. Primero las vigas, muros y estructuras que encontramos que representan el hueso. No hay nada pintado, todos tienen los mismos colores de cuando los encontramos. La parte de la piel, lo que sufre, lo que el tiempo transforma, está representada por la carrocería de coches y motos que chafamos con una prensa”, añade.

Durante el mes de octubre presentaron este trabajo en un local a las afueras de Castellón. Próximamente esperan poder llevarlo a otras ciudades. “Cogimos una nave industrial que tenemos al lado de un puticlub en Almazora que tampoco es un sitio donde se hace mucho arte”, comenta riendo.

Sobre la tendencia a alardear de la sostenibilidad de estas iniciativas, Pablo es sincero. “Nos lo preguntan mucho pero no lo estamos haciendo para salvar el mundo y decir que somos muy verdes. Simplemente es algo que está a nuestro alrededor”.

Entrar en definiciones o buscar un significado abstracto a lo que hacen tampoco gusta demasiado a los hermanos Montoya. Prefieren dejar esa labor en manos de Charles Baudelaire que citan orgullosamente en su página web:

“El artista moderno es el que escoge los temas de su arte de entre la basura y los escombros, de entre los desperdicios de la opulenta sociedad capitalista. Allí, en la basura, los objetos pierden su identidad, su función y su origen, recogen los atributos que el nuevo propietario les da y la proximidad con otros desperdicios les recubre de un nuevo sentido, de una extraña analogía, y a menudo de una sorprendente expresión”.

Fotografías: Pau Bellido, Àngel Sánchez y Carme Ripollès

Entre las ruinas de un mundo que se desmorona hay unos destellos. Entre los números de las tasas de desempleo hay individuos que quieren hacer cosas. Entre el humo hay manos que hacen objetos que se ven y se tocan. El director de cine Keith Ehrlich ha decidido descubrir y contar algunas de esas historias en una serie de películas llamada Made By Hand.

La pieza que abre la serie, The Distiller, se rodó en la primera destilería abierta en Brooklyn desde la época de la prohibición. El fundador de Breuckelen Distilling Company, Brad Estabrooke, habla sobre cómo empezar de la nada y el proceso imperfecto de perfeccionar algo artesano.

De su experiencia, cuenta el documental, se puede extraer un aprendizaje: “Saber que puedes fracasar te lleva mucho más cerca del éxito”.

La segunda película, The Knife Maker, presenta a un escritor que ha decidido dedicarse a hacer cuchillos en Brooklyn. Joel Bukiewicz habla del elemento humano de la artesanía y del potencial de que una habilidad se convierta en arte. El verdadero significado de hacer algo a mano es, para Bukiewicz, “un movimiento en el que la riqueza se mide en las personas, no en dinero”.

La decisión de Ehrlich y su mujer de modificar sus hábitos de compra, hace unos años, tiene mucho que ver con Made By Hand. Ocurrió hace unos años. “Nunca fuimos grandes consumidores”, explica el director, “pero algo cambió cuando empezamos a ser conscientes de dónde venían los artículos que adquiríamos. Nos hicimos miembros de un programa de agricultura cultivada por la comunidad y eso cambió todo”.

“Cuando sabes el nombre del agricultor que cuida los campos donde se cultiva tu comida se produce una conexión personal. Y esto se extendió a otros aspectos de nuestra vida”, continúa.

Sucedió, además, que Ehrlich estaba cansado de leer artículos en la prensa sobre el crecimiento de las tasas de desempleo y del surgimiento de una generación que pensaba que nunca tendría seguridad en su trabajo. “Pensé que debía hacer algo para cambiar el discurso. Me di cuenta de que había una relación directa entre la caída del empleo y la manufactura en EEUU, y el aumento de un grupo de jóvenes con espíritu emprendedor que pensaban que no tenían nada que perder creando su propio negocio. Entonces me di cuenta de que eso era lo que quería investigar con mi cámara”.

La web Made By Hand explica que el proyecto “fue creado por la creencia de que las cosas que acumulamos, consumimos, usamos y compartimos son parte de quiénes somos como individuos. Por ejemplo, los alimentos que comemos dicen algo sobre cada uno de nosotros, igual que los utensilios que empleamos y las sillas en las que descansamos. Los objetos que están a nuestro alrededor cuentan historias y no solo sobre nosotros. ¿De dónde vinieron? ¿Quién los hizo? ¿Cómo fueron construidos?”.

El proyecto, estrenado el pasado septiembre, tiene su base en Brooklyn (Nueva York) y, según dice Made By Hand en su site, “toma su influencia del movimiento artesano aquí y en cualquier otro lugar”. Todos los documentales que se vayan publicando pretenden promocionar todo lo que se hace de forma sostenible, en un ámbito local y con “amor por lo artesano”.

El próximo documental hablará de una apicultora urbana que cuida de sus colmenas en los tejados de Nueva York.

Gracias por la pista, Pablo Albacete.

Dice Marchal Mithouard, un artista del sur parisino conocido como Shaka, que su inspiración sale de “estilos como el graffiti, la pintura clásica, las ilustraciones o el arte abstracto”. También dice que sus referencias salen de las obras de maestros como “Caravaggio, Le Tintoret, Veronese, Rembrandt, Poussin, Cézanne, DuBuffet, Van Gogh, Goya, Picasso o Manet”.

Pero el observador nota que sus dibujos, de donde realmente salen, son de otra parte. Eso no lo dice Shaka. Eso ya se ve. Colores que abandonan las paredes para pasar a formar parte de la dimensión humana. Formas que se confunden en el plano y trazos que invaden el límite físicamente establecido. Shaka ha conseguido doblegar, a su puro antojo, la difícil técnica de pintar en 3D.

Niega ser un graffitero. Ese es un estilo que admira, que le inspira, que “hace progresar a los artistas” y que mamó durante una larga etapa tras cumplir los 16 años. En aquella época de “rude boy” en la que le cogió el gusto a firmar por las paredes contra el racismo y en la que le puso tono a los muros de las autovías.

Cuando inspirado por el “electro-choc” que le produjo el arte urbano de los túneles del Metro de París, se ganó más de un disgusto con la policía por andar las madrugadas de aquí para allá a cuestas con los botes de colores y a una banda de pintores, la DKP (Da Kamo Pshit). “Sí, es vandalismo”, reconoce sin sonrojo reivindicando la necesaria esencia clandestina de este estilo de arte urbano. “Lo llamábamos la fiebre del graffiti nocturno”, recuerda con adolescente nostalgia.

Pero aquello fue antes de estudiar “arte” en la Universidad, y antes de crear junto a su amigo Nosbé el grupo PPA (Petite peinture entre amis) para compartir horas de experiencia y aerosol. También fue después del óleo y las pinturas acrílicas que comenzó a usar a los 10 años. Y de la primera obra por la que le pagaron, “un retrato” que hizo con 15. Por eso ahora, a sus 35, no esconde que ha cambiado de tercio y que hace tiempo que dejó de pintar y correr.

“El graffiti tiene su esencia vandálica, un espíritu de calle, y así debe de ser. Pero yo ahora hago pinturas, no graffitis. Expongo en una galería y he hecho de mi pasión mi medio de vida”, esclarece o decepciona Shaka a los ortodoxos de su antigua afición.

Ahora Mithouard hace “pinturas y esculturas en lonas, no en muros”, aclara. Define su estilo actual como “el resultado de toda su experiencia vital. Una expresividad que se lleva bajo la piel. El trabajo descarnado que revela la mentalidad de las personas”, alega.

Con el arte tridimensional comenzó en 2007. “Tenía que encontrar un modo de explicar el movimiento, quería personajes saliendo de las lonas para morder al visitante, al hombre que estuviera mirando la pieza”, explica.

Cuenta que para conseguir eso los colores son elementos fundamentales: “Son una manera sencilla de comunicación, pero debe existir una vibración entre ellos”. Por eso juega a dividir a sus personajes en formas geométricas abstractas delineadas de negro que, según el artista, esos mismo colores consiguen despertar. “Son ellos los que realmente hablan del movimiento, de lo que los rostros quieren decir”, concluye Shaka. Su favorito es el rojo. “Por expresivo”.

Se puede decir que ese énfasis del autor por traspasar la esfera desde la que mira el observador brotó desde su primera pieza en 3D. Se llamó “Stress”. El propio Mithouard la define como una obra “violenta” en la que “los personajes te quieren coger, quieren pelear contra ti”. Expone que en esa pieza quería expresar una reacción a la masiva forma de control que los medios ejercen sobre la población. “Me gusta pintar sobre el comportamiento humano, la violencia, la locura…”, enumera.

Para él su arte no es nada menos que la “prueba de que sigue vivo”. Con el deje del artista urbano que lleva dentro contesta que si tuviera que decorar un edifico emblemático a base de espray elegiría los “grandes muros” de las prisiones francesas.

“Serían el lugar perfecto para inundarlos de mensajes. Personalmente, pintaría el muro de la prisión Fleury-Merogis”, medio bromea hablando de la cárcel de los suburbios del sur parisino en los que creció. Sin duda una paradoja que el artista cuyos personajes abandonan las paredes piense en dibujar sobre la tapia blindada de una prisión. “¿Qué pintarías?, “No sé”, responde el exgraffitero, “preguntaría qué podría pintar”, añade sin especificar a quién.

Hasta ahora nos habíamos entretenido viendo a hombres encarnando a simios, e incluso a simpáticos monos en el cine, a veces haciéndolo incluso mejor que las conocidas estrellas de Hollywood con las que compartían plano. Lo habíamos visto en “Tarzán”, “King Kong”, “El Planeta de los simios” o “Duro de pelar”, pero nunca antes nos habíamos planteado cómo sería el cine hecho exclusivamente para primates.

Tras comprobar que muchos de ellos son capaces de engancharse a la televisión cuando están en cautividad, solo quedaba preguntarse: ¿Serán más de comedia romántica o drama histórico? La respuesta la tiene Rachel Mayeri, artista de Los Ángeles obsesionada por hermanar su disciplina con la ciencia. Junto a la psicóloga británica Sarah-Jane Vick, intentó aprender los gustos de los chimpancés en materia fílmica, después de pasarse meses en el zoo de Edimburgo ofreciendo a un grupo de ellos una variada programación y grabando su comportamiento.

Llegaron a la conclusión que lo que más capta su atención en la pantalla es ver a miembros de su misma especie, los reales o los impostados, aunque también se interesaron por la animación e incluso por los inquietantes Teletubbies. Aunque parezca increíble, algunos de sus cuidadores aseguran que con el paso del tiempo son capaces de saber cuáles de ellos disfrutan con los documentales y cuáles prefieren los dramas médicos. Muchas veces no solo se muestran entretenidos, si no que reaccionan ante lo que ven en pantalla.

En realidad no dejan de ser nuestros primos lejanos y sus circunstancias particulares también influyen en sus hábitos como espectadores, dependiendo si, por ejemplo, han nacido en cautividad o no, o si se han criado en un zoo o un laboratorio. Lo poco que les diferencia del humano, según la artista, es que cuando viven en libertad siempre encuentran cosas mejores que hacer que quedarse encerrados ante una pantalla.

Así es como Rachel Mayeri creó “Primate Cinema: Apes as Family”, una doble video-instalación en la que por un lado se puede ver una grabación de cerca de 20 minutos, rodada con hombres fingiendo ser chimpancés, y por otro se muestra la reacción de los animales al visionar el primer vídeo.

A pesar de que el cortometraje se presenta en forma de falso documental, la historia de una joven hembra que intenta integrarse en un grupo ya formado incluye todos los giros que exige una buena trama de ficción, con drama, sexo y luchas de poder. Este trabajo puede verse en The Arts Catalyst de Londres hasta el 13 de noviembre.

En el siguiente paso del proyecto, “How to act like an animal”, se da un nuevo giro a esta relación filial entre primate y hombre y es un grupo de personas las que visionan varias veces un documental real del National Geographic, para terminar actuando como alguno de los “actores” que han observado en la grabación.

Qué pensaría Jane Goodall de todo esto…

Cuando los diseñadores Mireia Serrano y Bernat Solsona se enteraron de la convocatoria de un concurso de diseño del centro comercial Glóries, tenían dos opciones. Presentar una propuesta para ‘imaginar el centro comercial del futuro’ o apuntarse al apartado de ‘Dream’, que buscaba ideas más abstractas y conceptuales. No solo optaron por lo segundo. Fueron un paso más alla con un proyecto que ironiza (¿o no?) sobre la obsesión con el materialismo. Bienvenidos a El Rito Consumista.

“La persona que busca la gratificación para sentir plenitud debe escuchar sus deseos y necesidades más profundas. Solo la culminación de sus expectativas le llenará de satisfacción, mejorando su experiencia vital, llevándola hasta los límites de la euforia. La compra le otorgará éxito, abundancia y felicidad a través de la energía del intercambio. Aún así, posteriormente, la persona podrá sentir una sensación de vacío o insatisfacción que solo la ilusión por una nueva adquisición podrá llenar”, reza la presentación del proyecto.

¿Te recuerda a algo?

Según Mireia Serrano, el rito consumista no es nada y lo es todo. Es un estado de ánimo que nos llena de satisfacción pero también de vacío. “Surge del paralelismo que encontramos entre la religión y el consumismo. El consumismo transmite valores en torno al ritual. Elevamos la experiencia a nivel espiritual”.

Para cumplir con la plenitud materialista hace falta seguir los 8 pasos marcados por El Rito Consumista.

1) El dinero es flujo

“El dinero es la forma de expresión del movimiento continuo del hombre. Vivimos para adquirirlo a través de nuestro tiempo y esfuerzo personal, y a él le debemos utilizarlo. Eres cuanto objeto hayas podido anhelar o toda persona que hayas pretendido ser. El deseo del ser humano genera este impulso canalizado a través del consumo. Este movimiento incesante por el cual vive y recibe el hombre lo identificamos como energía”.

2) Todo a tu alcance

“Somos lo que queremos. Obtenemos todo aquello que deseamos. Nuestras expectativas vitales pueden ser colmadas. La humanidad en general tiende a expresar equívocamente la escasez de aquello que más necesita; cuando, en realidad, tenemos todo a nuestro alcance. Solo tenemos que ser conscientes de la ventura que poseemos. Alcanzar el éxito, la belleza, la abundancia y, al fin, la felicidad, es posible (…). La fiel devoción y fe por el consumo nos otorgará lo que da sentido a nuestras vidas. Pero, solo si creemos firmemente en aquello que deseamos y queremos obtener. Todo está a nuestro alcance, ahora es el momento de disfrutarlo”.

3) Adquiere belleza, juventud y éxito

4) El templo

“Somos seres sociales, necesitamos el contacto, la reunión, el ágora. En la época actual es difícil encontrar espacios para la comunión. El templo es un lugar de congregación y afirmación del ser. Visitamos frecuentemente estos espacios para encontrarnos con nosotros mismos, nuestra imagen ideal. Disfrutamos del placer del consumo en un entorno ideal. El templo debe contar con ciertos elementos que hagan de este espacio un emplazamiento sagrado. Elementos como el agua, la luz y la naturaleza son fundamentales para invitar al visitante a sentir paz y armonía, haciendo de su experiencia un momento místico”.

5) La rueda del consumo

La persona que busca la gratificación para sentir plenitud debe escuchar sus deseos y necesidades más profundas. Solo la culminación de sus expectativas le llenará de satisfacción, mejorando su experiencia vital, llevándola hasta los límites de la euforia. La compra le otorgará éxito, abundancia y felicidad a través de la energía del intercambio. Aun así, posteriormente la persona podrá sentir una sensación de vacío o insatisfacción. Solo la ilusión por una nueva adquisición podrá llenarla de nuevo”.

6) Devoción por el deseo

“El ritual del consumo mueve nuestros sentidos hacia el éxtasis más profundo, a través de una liturgia que contempla todas las percepciones. Mirar es una afirmación de deseo, tocar aquello que queremos adquirir es sentir su belleza. Nos aproximamos al objeto cautivos, con toda nuestra alma. En realidad, existe una conexión espiritual con los productos que adquirimos; se crea un vínculo entre el ser y su forma. Es por eso que nos apegamos a ellos, y es por eso que deseamos tenerlos; porque son una proyección de nuestro interior. De manera que si forman parte de nosotros, tenemos que obtenerlos”.

7) Culminación del propósito

“El momento más preciado en el rito consumista es la culminación del propósito. Cuando se cumple el deseo, el alma se llena de gozo; como cuando el hombre tiene sed y se satisface. Entonces toda la perfección y belleza se materializa en nuestro ser. Alcanzamos la imagen que deseamos mostrar. Tal como si un rayo de luz nos atravesara y nos hiciera brillar. La adquisición es sagrada, y así la trataremos; la envolveremos con tacto en una suave tela digna de tal prodigio. Todo confluye para que se realice esta ilusión. Disfrutad de este momento, porque es el único en que alcanzamos la perfección”.

8) Días de plenitud llenarán ese vacío

¿Es una crítica o una celebración del consumismo?

El mensaje es deliberadamente ambiguo, según Serrano. “Hemos abierto un universo para la reflexión. Lo dejamos libre para la interpretación”.

Para el jurado del concurso de diseño no lo fue tanto. El Rito Consumista se llevó el primer premio.

Se ha hablado mucho en los últimos años del ejemplo de Bután como antídoto a la visión miope del PIB. El país himalayo inventó el término “Gross National Happiness” (Indice de felicidad nacional bruta) en 1972 para englobar la felicidad de sus habitantes en la medida del progreso de la nación. En 2008 el pequeño reino, de apenas 700.000 habitantes, convirtió esta filosofía en un mandato constitucional.

En el otro lado del mundo, un artista estadounidense llamado Jonathan Harris se empieza a interesar por el país pero echa en falta una visión más vitalista sobre el tema. ”En Bután, la felicidad es un asunto que se toma muy en serio. Lo estudian catedráticos, hojas de cálculo hacen seguimiento de ello, las vallas lo publicitan, las conferencias debaten sobre ello y cada año, intelectuales viajan a Thimpu para compartir sus ideas sobre que es lo que hace que la gente sea feliz”, explica.

“Dada la solemnidad con la que se trata el tema, pensé que sería divertido hacer algo un poco más desenfadado”, continúa.

Harris viajó a Bután en 2007 en busca de profundizar sobre el lado más humano de esta política. El resultado se puede ver en Balloons of Bhutan, un site que acaba de lanzar y un gran ejemplo de storytelling digital.

Durante su estancia el artista decidió hacer un experimento. Lanzó 5 preguntas sobre la felicidad a 117 personas que encuentró durante su viaje. A cada uno les preguntó lo que les hacía feliz, su recuerdo más feliz, que harían si fueran el rey de Bután, su nivel de felicidad entre 1 y 10, y  si tuvieran la oportunidad de pedir un deseo, cuál sería.

Según la puntuación, infló una serie globos para cada uno. “Luego escribí el deseo de cada persona en un globo que representa su color favorito”.

La última noche de su viaje, estos 117 globos fueron colgados en Dochula, un camino sagrado junto a las banderas de oración budistas.

El storytelling de Jonathan Harris:

Portada

Introducción
Harris utiliza retratos fotográficos y entrevistas en audio

Un mosaico reúne las respuestas por temática de cada uno de los entrevistados

También es posible ver a todos los entrevistados catalogados por su ocupación, nivel de felicidad, color favorito y edad, en la sección de estadísticas

Bonus Track

Indice de felicidad nacional bruta explicado en tres minutos:

Más sobre Jonathan Harris:

La vida de Jonathan Harris en 440 días

Nuestra crisis post digital

Entre la ciudad y la nada hay un espacio llamado campo adentro. En ese lugar han vivido todas las civilizaciones de la historia y se ha ido modelando una cultura campesina despreciada hoy por la “burbuja tecnofílica” que vivimos. El artista y agroecólogo Fernando García-Dory llama así a esa fascinación que ha hecho del campo un lugar de segunda y ha elevado a la ciudad al sitial de los escogidos.

La mayor parte del suelo de este país sigue siendo rural. Pero pocos se paran a cuestionarse qué tipo de campo quieren para el futuro. Viven de espaldas a él, como si no existiera, como si de allí no vinieran los alimentos de su mesa ni allí fueran parte de sus impuestos.Para el artista, el campo de hoy parte de un “conficto callado”, una “situación postraumática del suelo”. Por un lado, el desarrollismo del ladrillo ha provocado grandes heridas. Por otro, el campo español ha vivido un cambio drástico en las últimas décadas. “Las personas que hoy tienen 70 y 80 años vieron un campo similar al de la época medieval. Las primeras máquinas de tracción animal llegaron a principios del siglo pasado”, comenta García-Dory.

En las últimas décadas del XX el campo empieza a despoblarse. La ciudad acaba acomplejando al pueblo y “desde los años 60 se produce un desconocimiento y alienación del pasado rural”, continúa. “Hemos abandonado el campo y se ha generado un extrañamiento. Tanto que, si en algún mensaje aparece una vaca, la gente se ríe. Lo ven como algo cómico”.

“¿Qué medio rural queremos para el futuro?”, se preguntó García-Dory hace unos años. “¿Qué relaciones existen entre el campo y la ciudad?”. El agroecólogo tomó estas dos preguntas. Quería que varios artistas las pasasen por el tamiz de sus pensamientos y las convirtieran en proyectos destinados a reflexionar sobre el campo del futuro.

Un campo que nada tiene que ver con el “pueblo bucólico”, matiza el artista. “En España hay un campo que es un agrosistema que obedece a la intervención del hombre.

Queremos plantearnos el manejo de ese territorio productivo desde el arte. Intentamos generar un discurso de lo rural contemporáneo. Pagamos muchos impuestos para financiar el campo común europeo pero no nos interesamos en absoluto por él. Queremos que sea un espacio cultural común. Que no sea la ciudad o la nada”.

Ese proyecto comenzó hace un año y terminará dentro de dos. Se llama Campo Adentro y es una iniciativa “sobre geopolítica, cultura, territorios e identidad en las relaciones campo y ciudad en la España actual”. O también, “un proyecto de escultura social para definir el campo del presente y el futuro”.

“Estamos tratando la cuestión rural desde el arte. No es un proyecto para hacer del campo un refugio de la ciudad, el lugar donde reside esa arcadia perdida…”, explica García-Dory. “Este proyecto no quiere dar una visión idealizada del campo. No pretendemos convertirlo en un espacio para turismo de ocio y aventura, ni que suponga una vuelta al campo”.

El experto en sociología rural armó una red de colaboración en la que unió al Ministerio de Medio Ambiente, Medio Rural y Marino, el Ministerio de Cultura, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Filmoteca Nacional, el Intermediae-Matadero Madrid, La Casa Encendida, la Fundación Botín, el Medialab-Prado, cinco universidades españolas y las organizaciones que forman la ‘Plataforma Rural’ para desarrollar Campo Adentro.

Convocó a artistas de varias especialidades (música, dibujo, vídeo, fotografía…) a un programa de residencias para la producción artística en el medio rural. Reunió 200 propuestas. Seleccionaron 14. Los artistas escogidos se desplazaron, durante unas semanas de la pasada primavera, al lugar donde iban a desarrollar sus proyectos porque, además de la localización, la convivencia con las personas de la zona se presentaba como requisito indispensable.

“En abril hicimos un encuentro con todos los artistas para que recibieran una formación sobre el campo. Los artistas debían conocer el medio al que iban y, una vez allí, trabajar de manera conjunta con la gente del pueblo. Al final, hemos descubierto que en las zonas rurales hay una gran capacidad de enganchar el arte contemporáneo”, especifica García-Dory.

El pasado septiembre se presentó en Medialab una primera muestra de estos proyectos. En diciembre estas historias continúan en La Casa Encendida de Madrid.

El arte quiere esculpir el campo

Antonio Ballester Moreno fue a Vallehermoso (La Gomera) para explorar los materiales de la artesanía local (hoja de palma, por ejemplo) en su pintura.

Espada y Monleón viajaron a Valle del Nansa (Cantabria) para explorar la presentación de los productos de la ganadería local como parte de un paisaje comestible, parte de sus manifestaciones culturales y el menú de la región.

Paco Incián Cervera fue hasta Valladares (Pontevedra) para hacer una cartografía emocional del vecindario y el lugar.

Aviv Kruglanski y Vahida Ramujkic llegaron hasta Villarrubia (Córdoba) para realizar experimentos conducidos con procesos de fermentación alimenticia como metáfora de los cambios en el modelo social y económico. Todas las ideas, invenciones o impresiones fueron registradas mediante la técnica del bordado documental.

Lucía Loren & Juanma Valentín se adentraron en Puebla de la Sierra (Madrid) para hacer un retrato audiovisual de un colectivo de jóvenes que han visto en el campo el destino de la utopía. Es allí donde pretenden rescatar la cultura campesina y buscar alternativas a los sistemas homogéneos actuales.

El colectivo Nophoto se desplazó a Garciaz (Cáceres) para recoger en vídeos, fotos, documentos escritos y sonoros el nacimiento de una memoria colectiva en un poblamiento de nueva planta.

Térence Pique se fijó en El Ejido (Almería). Allí hizo una reflexión sobre la política agrícola especulativa del Campo de Dalías y sus invernaderos. Mediante una serie de fotografías de intersecciones, y con la colaboración de los agricultores, creó un nuevo concepto para transformar su espacio de producción hortícola en instalación y museo.

Pablo Sanz estuvo en Sant Bartolomeu del Grau (Barcelona) para descubrir los sonidos ocultos de ese lugar. Qué es ruido, qué no, qué historias cuentan los sonidos de un lugar, cómo cambia el paisaje sonoro de un espacio con el paso del tiempo.

Jualian Weber y Rodrigo Frenk fueron a Farrera (Lérida) y convencieron a los 25 vecinos de la localidad para que, juntos, caminaran los 250 kilómetros que los separan de Barcelona. Por el camino tomaron fotos o paisajes-retratos que se convirtieron en postales turísticas.

Patricia Esquivias está desarrollando su proyecto en Calera y Chozas (Toledo) y Susana Velasco, en Almonaster la Real (Huelva). Las conclusiones de las dos artistas se presentarán a finales de 2011.

Este artículo se publicó en la revista Yorokobu de noviembre de 2011.

De puertas adentro todo puede ser distinto. La vida doméstica podría dibujarse en “imágenes de genuina falsedad” que “aspiran a superar a su original”. Esto es lo que hace la pieza de videoarte Domesticados demonios domésticos, de Iury Lech.

Poesía, inquietud y surrealismo. La intención del artista es, según dice, “sumergir al espectador en un baño de intensos colores y esculturas sonoras electrónicas sobre el comportamiento en el ámbito privado”.

La videoinstalación en siete canales está concebida para ser expuesta en las seis paredes internas de un gran hexágono sin apenas luz. “Esta videoinstalación pretende ser una reflexión que plantee una mirada oblicua y en clave surrealista sobre los comportamientos de las personas en el ámbito privado”, indica el fundador y director del festival Madatac.

“Para ello se pretende abarcar desde los estados oníricos hasta la hiperrealidad de ciertos actos cotidianos, es decir, plasmar en imágenes la genuina falsedad de representaciones de la realidad manifiestamente inauténticas que aspiran a superar a su original”.

“Aunque, por una parte, se haga especial hincapié en el hastío frente a las denostadas labores domésticas, en las relaciones de conveniencia, o de sometimiento familiar, también cabrán los retratos que engloban el concepto de satisfacción y dolor frente al consumismo, de la felicidad individual o grupal  simulada por las falsas promesas del materialismo o de los nuevos mundos virtuales, que en cierto sentido no necesitan de la materia prima del universo real para existir e interactuar, generados a partir  del desarrollo de las nuevas tecnologías y de las redes sociales”, continúa.

Para el artista, además, “el proyecto, en apariencia, quizás ofrezca la impresión de querer recrear una temática más relevante para las personas que para el propio arte audiovisual. No obstante, con imaginación, ironía y lateralidad, se transformará una serie de quehaceres rutinarios en experiencias creativas cuasi científicas, sin perder de vista la relevancia de sus manifestaciones socioculturales, como tampoco los planteamientos de Deleuze acerca de la imagen-movimiento, que estructura la temporalidad mediante la organización en la fase de montaje y la reemplaza con una ruptura de la continuidad y la instauración de la unidad temporal del plano imagen-tiempo”.

Nº 2 Piece from Iury Lech on Vimeo.

Nº3 Piece from Iury Lech on Vimeo.

Nº 4 Piece from Iury Lech on Vimeo.

Nº 5 Piece from Iury Lech on Vimeo.

Nº 6 Piece from Iury Lech on Vimeo.

Andy Warhol pintó la primera obra de la colección de arte de Absolut. Hoy suman 800 piezas. Parte de ellas se expone en la galería 28012 de Madrid. ¿Quieres que su comisario, Eloy Martínez de la Pera, te haga una visita guiada y después participar en la Absolut Art Night, un evento cerrado en el que el cdec presenta su anuario?

Arte + Publicidad + Música + Cócteles. Así es el evento que ha preparado Absolut y el CdeC el miércoles 26 de octubre a las 20:30 horas. Para participar, dinos en los comentarios de este post uno o varios artistas que te gusten o que hayas descubierto recientemente.

Los Ganadores:

María Sanchez

Jorge Guitierrez Gros

deBona

Celsius

Arenhys

Cada uno tiene derecho a invitar a una persona. Para acceder al evento, presentar vuestro nombre/nick en la puerta.

La dirección de la Galería 28012:

C/ Sánchez Bustillo, 7

Madrid

Una chica y un chico se erigen detrás de un escaparate. Al otro lado del cristal, una interfaz con caras de tristeza, enfado, felicidad y amor permite controlar las emociones de cada uno de los maniquíes humanos. Una escena que, según Jorge-Yamam Serrano, creador y protagonista de esta iniciativa junto con Laura Barba, no dista mucho de la vida real.

“Las personas ofrecen una imagen de lo que esperas que quieren ver. Tú piensas que quieren ver tal emoción e, inconscientemente, vas y la reproduces. Estás a merced del otro sin saberlo. Todo esto es un sistema de control que nos lleva a ser mucho menos libres de lo que pensamos”, explica.

La pieza, llamada CTRL ME, explora estos mecanismos de control y relaciones humanas dejando en manos del espectador el papel de manipulador. “Denunciamos la tendencia a que todo esté en venta y que se utilice cualquier medio para conseguirlo. Incluso el anticapitalismo y el antimaterialismo. Banderas, en un anuncio de relojes, vende que lo importante no es lo que tengo, sino lo que soy. Levi’s utiliza conceptos cercanos a la espiritualidad. Pero tampoco queremos que la moralina sea directa. Preferimos que se vayan descubriendo cosas a medida que avanza”, explica el actor.

La actuación, estrenada a finales de septiembre en el GEST Festival de Esparraguera, tiene un duración aproximada de 30 minutos y está acompañada de una banda sonora inspirada en los sonidos de la Game Boy.

Pero la vida tampoco puede ser descrita de manera lineal y la obra lo refleja. A medida que avanza la performance, la situación degenera hasta llegar a su final. “Cada vez somos menos exactos con nuestras emociones. Hay un punto donde nos quitamos los cables que nos unen al control del espectador y nos acercamos al cristal para conversar con la gente pero no podemos. Eso es cuando cerramos la pieza”.

Once personas, todos hombres, casi todos europeos, con una proclividad a  haber vivido en los siglos XVII y XVIII. Este sería el ‘once ideal’ de la historia de la Humanidad desde la el 850 a.C. hasta 1950, según el recuento que hizo Charles Murray en su libro ‘Human Accomplishment’ (‘Consecuciones humanas’), en 2003.

El listado de Murray trata de ser objetivo. Es decir, no es una enumeración subjetiva al estilo ‘Los mil libros que deberías leerte antes de morir’, sino un análisis estadístico de las apariciones de los genios de los diversos campos del saber y de las artes en enciclopedias, libros de referencia e índices. La consideración de ‘notable’ exigía aparecer en al menos la mitad de las enciclopedias consultadas, según el índice creado por el autor.

Los once que aparecen en la ilustración son los únicos que alcanzaron un grado 100 en las categorías que definió Murray: matemáticas, música, ciencias, filosofía, literatura, arte, física y tecnología, aunque el número total de ‘notables’ asciende a 45 (ver listado completo en Wikipedia).

De ser ciertas las conclusiones de Murray unos pocos centros geográficos albergarían la mayoría de las innovaciones y obras artísticas de la Humanidad. A saber: centro Europa (Alemania, Francia, Austria), las islas británicas, Italia y China, aunque esta última podemos considerarla casi una ‘concesión’, teniendo en cuenta que el autor estableció una categoría ex profeso: ‘literatura china’, para distinguirla de la ‘literatura occidental’, que viene a ser ‘universal’.

El único español que aparece entre los 60 es Pablo Picasso, que obtiene una puntuación de 77 y sólo queda detrás de Migue Ángel, considerado el artista más notable de todos los tiempos, el único que alcanza el grado 100. Picasso queda por delante de Velázquez (43), Goya (41) y El Greco (24).

La primera mujer que aparece en el listado es Murasaki Shikibu, una japonesa que vivió hace 1.000 años y escribió ‘La historia de Genji’, y obtiene una puntuación de 86. Las únicas otras mujeres de entre los notables son la científica Marie Curie y la escritora Virginia Wolf, según cuenta el propio autor en una entrevista a raíz de la publicación del libro.

¿Qué aporta, finalmente, el ímprobo esfuerzo realizado por Murray? No mucho más que poner cifras a consecuciones humanas que, por su naturaleza, escapan la mayor parte de las veces a las puntuaciones. Determinar que Miguel Ángel fue mejor pintor que Tiziano por el número de veces que aparece citado en las enciclopedias dice más de la mentalidad taxonómica y jerárquica del autor que de la aportación a la Humanidad de ambos artistas.

El ‘once ideal’ de la Humanidad

Leonhard Euler (1707-1781) Suiza

Matemáticas

Beethoven (1770-1827), Alemania

Música

Mozart (1756-1791), Austria

Música

Newton (1642-1727), Inglaterra

Física

Aristóteles (384 a.C.-322 a.C.), Grecia

Filosofía

Du Fu (712-770), China

Literatura

Shakespeare (1564-1616), Inglaterra

Literatura

Einstein (1879-1955), Alemania

Física

Miguel Angel (1475-1564), Italia

Pintura

James Watt (1736-1819), Escocia

Tecnología

Edison (1847-1931), EEUU

Tecnología

Artículo sobre el libro ‘Human Accomplisment’ en Wikipedia y libro en venta en Amazon. Roberto Colom me dio el primer aviso sobre este libro, del que él extrae los españoles más notables.

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Si el pasado no fuera transparente, en el Hostal Delvi verías cientos de personas llevando maletas por los pasillos, durmiendo y despertando en sus habitaciones, ocupando sus baños… La pensión está llena de historias en capas invisibles de la realidad. En la que vemos ahora, ya no hay huéspedes. El hostal ha cerrado. Unas máquinas de construcción esperan para transformarlo en otra cosa, pero en este lapso, el edificio será algo que nunca ha sido en su vida y quizá jamás lo vuelva a ser: un espacio de arte itinerante.

Las puertas de lo que fuese el Hostal Delvi, situado en la Plaza Santa Ana de Madrid, ahora mismo, están cerradas. Esperan a mañana jueves, a las 20.00, para abrirse ante un público que esta vez no irán a pasar la noche. Visitarán el edificio porque sus 12 habitaciones, con sus respectivos cuartos de baño, y un pasillo se han convertido en salas donde 12 artistas exponen su obra y las visten con total libertad.

El proyecto se llama Capetown y está organizado por Capetona. En el edificio se mostrarán los trabajos de Sergi Margalef, Gabriel Moreno, Cristina Guitián, Óscar Llorens, Eduardo Bertone, Jordi Oliver, Gonzalo Puertas, Joan Tomás, Lluís Artús, Jaap Van Den Beukel, Mathieu Courivaud, Pedro Walter, Ángela Martín-Retortillo, Pablo Pro, Geso, Pablo Baudet, Mario de la Iglesia y David López Quincoces.

“Habrá exposiciones, teatro, música en directo, performances… y se venderán algunas obras”, cuenta Oscar Llorens. “La idea es mostrar el trabajo de estos artistas y que sea también un lugar de encuentro entre profesionales y personas que quieran ver arte, diseño…”.

Este es el segundo año que la agencia organiza Capetown. En 2010, el lugar elegido fue Utopic_US, en Madrid, y el concepto de arte efímero se llevó hasta sus últimas consecuencias. Solo fue un día de exposición.

Esta vez se extiende su fugacidad. El evento comienza el jueves 20, de 20.00 a 24.00. Sigue el viernes 21, de 20.00 a 24.00, y acaba el sábado de 11.00 a 21.00. Este último día está concebido como un ‘Especial niños’ porque, según el colectivo, es importante que vayan familiarizándose con el arte y la creatividad.

Las galerías de arte solían estar en locales de todo pelaje, que iban desde cuchitriles sombríos hasta grandes monstruos de acero y vidrio. Digo solían porque ya no están allí, al menos exclusivamente. El arte dio el salto a Internet hace unos años, constituyéndose así la red como un gran muestrario de creatividad. Ahora se cuela en los dispositivos móviles en forma de app que, además, intenta erigirse como fuente de ingresos de los artistas que ceden sus obras.

Dabball se define como “la primera galería interactiva de arte en el mundo que te permite buscar, comprar y utilizar obras de para jugar”. Es exactamente eso, un importante catálogo de obras gráficas que sirven como escenario para juegos móviles, simples, pero juegos al fin y al cabo.

La app ha sido desarrollada por ecopop y lo primero que destaca es su cuidada apuesta por el apartado gráfico. Desde el logo inicial de la desarrolladora, Dabball es un interesante paseo por diferentes propuestas de hasta cincuenta y dos artistas diferentes.

Las obras se convierten en patio de juegos y los juegos se transmutan una vez más en obras, en forma de láminas, que se pueden comprar desde la misma aplicación. La concepción de cada app como un lugar en el que vender cualquier tipo de producto es ya lo suficientemente atractiva como para revisar la iniciativa. Sin embargo, esa idea proyectada en la divulgación del arte y el aumento de la actividad económica en torno a este es una gran noticia para los creadores.

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Este post se publica simultáneamente en The App Date, el evento mensual en torno al mundo de las apps del que Yorokobu es media partner.

A finales del XIX, los sideshows causaban sensación. Sus estrellas, hombres y mujeres con todo tipo de anomalías y malformaciones físicas. Tom Browning se hizo eco de este mundillo en su film Freaks a principios del siglo pasado. Y a comienzos de éste, es Savage Girl la que le rinde homenaje con sus ilustraciones.

La artista bilbaína reconoce que fue la película de Browning la que acabó por desatar su amor por el mundo de los freak shows, del que tanto ella como algún que otro miembro de su familia ya se habían dado cuenta hacía tiempo: “Siempre me he sentido atraída por lo extraño y curioso. De pequeña dibujaba personajes horrorosos. A cualquier persona que tuviese que representar, mínimo, le ponía dientes de vampiro. “¿Ya estás dibujando feos?” me decía mi aita con una sonrisa”.

Desde entonces, Savage Girl colecciona todo lo relacionado con este tipo de espectáculos: biografías encontradas en Internet, libros de foografía, cartelería, ect. Y también sigue dibujando monstruos: “La verdad es que no sé dibujar algo que no tenga sentido para mí. Dibujo lo que me obsesiona, las  imágenes y frases que me hacen reflexionar o me inquietan”.

Las que hacen alusión al mundo freak son de estas últimas. La inquietan y obsesionan porque considera que detrás de cada uno de estos personajes hay una historia que contar. “Algunos tuvieron una vida normal pese a sus anomalías, como el hombre lobo ruso. Otros se convirtieron en verdaderos monstruos, como el hombre langosta que acabó asesinando a su hija”.

Por eso Savage Girl asegura que con sus ilustraciones no busca la burla ni la jactancia. Todo lo contrario. Es su peculiar homenaje a estos hombres y mujeres.

Algo similar a los cuadros de Velázquez protagonizados por los personajes más rocambolescos de la corte de los Austrias: “Estas obras se hicieron para pasar a la historia enalteciendo la excelencia de estos personajes y mostrando con total dignidad a los monstruos de circo de aquel siglo XVI”.

Aunque el genial pintor español no ha sido la única referencia para Ángela Alonso, la artista que ‘se esconde’ tras Savage Girl: “Me encanta la cultura mexicana, sus tradiciones, su culto a los muertos, su estética barroca, las calaveritas…”.. De ahí que sus personajes aparezcan retratados con objetos relevantes de su vida, como si de un altar de muertos mexicano se tratase.

Todas estas ilustraciones forman parte de Strange Wonders, exposición que estará abierta al público a partir del 10 de noviembre en Bellaza Gallery.

George-Ette (The Double-BodiedVenus. 1913)

Se autocalificaba de hermafrodita al tener, supuestamente, su cuerpo dividido en dos mitades: una masculina y otra femenina. A falta de pruebas que lo confirmaran, George-Ette ejercitaba y curtía con el sol uno de los lados del cuerpo, mientras que el otro quedaba flácido y pálido.

Daisy & Violet Hilton (1905-1969 Brighton, Inglaterra)

Las hermanas Hilton eran siamesas y fueran vendidas al nacer. Su madre adoptiva no dudó en explotar su potencial en el mundo del espectáculo. Su instinto no se equivocó y las siamesas lograron un gran éxito en sus giras por Alemania, Austria y EEUU. Pero al morir su ‘descubridora’, los problemas no dejaron de acuciar a Daisy y Violet. De víctimas de abusos a estrellas de la gran pantalla, la vida de las dos hermanas fue un vaivén de acontecimientos que terminaron en la caravana en la que a finales de los 60 fueron encontradas muertas.

JO-JO dog faced boy (Fedor Jeftichew. 1868-1904 Rusia)

Al igual que su padre, Adrian Jeftichew sufría de hipertricosis (o síndrome del hombre lobo). Pero Fedor tenía mucho más gancho en el escenario que su padre. Los espectadores adoraban el contraste entre su aspecto animal y su uniforme de la caballería rusa tan bien planchado. Pese a su apariencia salvaje, Fedor era un ávido lector y hablaba cinco idiomas. Su temprana muerte a los 35 años a causa de una neumonía supuso un gran shock para sus compañeros de espectáculo.

Jean Carroll (1910  Schenectady, New York)

Jean renunció a su prometedora carrera como mujer barbuda por amor. La ‘culpa’ la tuvo John Carson, un contorsionista del que se enamoró perdidamente y del que sabía que nunca aceptaría su poblada barba. Fue la mujer tragasables la que le dio el consejo que cambiaría el destino de Carroll: ¿por qué no pasar de mujer barbuda a mujer tatuada? Jean siguió su sugerencia. Se afeitó y a cambio decoró todo su cuerpo. A partir de entonces, Jean exhibiría sus tatuajes como bailarina de burlesque y pasaría el resto de sus días junto a su amado contorsionista.

Charles Tripp (1855-1939 Woodstock, Ontario)

No tenía brazos pero eso no impidió a Charles Tripp ser calígrafo, grabador o fotógrafo. Sus habilidades con los pies lo convirtieron en la atracción principal del circo de la neoyorquina calle 42. Al casarse, Tripp decidió abandonar las carpas aunque sin dejar del todo el mundo del espectáculo ya que seguiría actuando en algunos carnavales junto a su mujer y a Eli Bowen, el artista sin piernas.

Martin Ander, también conocido como Mander, no tuvo que escuchar en casa frases del tipo ”búscate un trabajo de verdad” cuando decidió dedicarse a dibujar. “Mi padre era ilustrador así que supe desde pequeño que uno podía ganarse la vida dibujando”. Hoy ha conseguido lo que se propuso y sus trabajos adornan camisetas, tablas de skate y portadas de discos.

Como muchos ilustradores, Mander lo complementa con trabajos de diseño gráfico para ganarse la vida. La ilustración, según el, es donde peor se paga pero donde más libertad tiene. “Me encantaría poder dedicarme casi exclusivamente a ello pero cuesta que te paguen por tus ilustraciones y muchos de los clientes con quien trabajo no pagan muy bien. Pero tiene su lado bueno, me dejan hacer lo que quiero”, explica el artista sueco.

Mander es un enamorado de la ilustración a mano, hecho que le permite evadirse del ordenador donde pasa largas horas para realizar sus otros trabajos. “Me gusta quedarme hasta altas horas de la madrugada con mi tinta, bolígrafos y lápices. Es como una meditación. No se consigue la misma sensación si las lineas están hechas con Illustrator o Photoshop”.

Visto en It’s Nice That

Portada de disco de Fever Ray: