Ian Schneller es una persona que se toma muy en serio su trabajo. Tanto que dice que duerme más tranquilo por las noches, cuando se mete en la cama, al saber que ha contribuido a luchar contra ‘la chapucería’ que impera en la mayor parte de productos que nos rodean. “Cuando desmonto los objetos actuales me quedo horrorizado. Los tornillos están escondidos. Nada es intercambiable ni reparable. En los años 30, 40 y 50, los ingenieros siempre buscaban dar más de lo que se esperaba para aguantar imprevistos. Hoy solo veo a mi alrededor productos hechos para durar unos años y que, al poco tiempo, se acaban desechando. Se acabó el afán por comprar cosas de calidad y duraderas”, explica mientras camina de arriba abajo por su taller, en el barrio de Humboldt Park, Chicago.

La protesta de Schneller podría ser interpretada, posiblemente, como el llanto impotente de alguien atrapado en el pasado contrario a la democratización y masificación de los instrumentos. Él dice no verlo así en absoluto. Comprar un instrumento, en su estimación, debería ser algo similar a adquirir un reloj que pasa de generación en generación. “Es una cuestión de permanencia. Mis guitarras no están hechas para durar unos años. Están pensadas para durar vidas”.

Cada día, este cirujano de la acústica se encierra en su taller que utiliza como base de operaciones de Specimen Instruments. Una marca fundada por él mismo hace 25 años y que elabora guitarras, ukeleles, bajos, altavoces y sistemas de sonidos de forma completamente artesanal y bajo encargo. Sus propuestas más experimentales llegan incluso a considerarse obras de arte por coleccionistas de todo el mundo que buscan objetos especiales para escuchar música. Una de sus piezas más cotizada en este campo es el Horn Amp, un amplificador con forma de gramófono más cercano a una escultura que a un altavoz, que elabora con papel de periódico reciclado y madera reforzada. ¿El precio? Más de 1.000 dólares.

La pasión con la que concibe los instrumentos le ha llevado a trabajar con músicos como Jeff Tweedy, de Wilco, o Jack White, de los ya difuntos White Stripes, a quienes proporciona equipo y arregla guitarras. Pero su relación más duradera y sólida es con el multiinstrumentista Andrew Bird con quien colabora frecuentemente.

Schneller es el científico loco siempre buscando ir más allá. Bird, su conejillo de indias, siempre dispuesto a probar sus nuevas creaciones. “Es una simbiosis que ayuda a explorar los límites de cada uno. Yo le intento proporcionar los mejores instrumentos para sus conciertos y él busca sacar lo mejor de los míos en esos conciertos”.

En diciembre encabezaron Sonic Arboretum, una instalación en vivo que transmitía la música de Bird por los altavoces esculturales de Schneller repartidos por una enorme sala en el museo de arte contemporáneo de Chicago. En el pasado, también han expuesto su trabajo conjunto en el Guggenheim de Nueva York.

El escultor de instrumentos

Precisamente, una de las piezas que concibió originalmente para Bird es la que utiliza este artesano para hacer una demostración en vivo de lo que sus instrumentos son capaces de ejecutar durante nuestra visita a su taller. Dos de sus altavoces característicos en forma de gramófono yacen sobre una estantería. Schneller pulsa un botón y empiezan a rotar como una hélice. Coge una de sus guitarras y toca unos acordes de blues. El sonido es nítido y envolvente. El movimiento de los altavoces crea un efecto hipnótico.

Una vez terminado el pequeño concierto, Schneller se acerca a su mesa de trabajo y demuestra una vez más que su imaginación transciende lo meramente artesanal. Se sienta y abre una libreta con un dibujo coloreado de un proyecto que espera llegar a realizar en los próximos años. Es una especie de carrusel en el que cuelgan seis altavoces giratorios.

Su forma de concebir la artesanía está fuertemente influída por su formación. Estudió bellas artes y se especializó en escultura, aunque la fascinación que siente por cómo funcionan las cosas viene de antes. “Tenía 13 años. Recuerdo que se estropeó un coche que me había regalado mi padre. Localicé la pieza que fallaba y compré un repuesto por 6 dólares y lo instalé. Me acuerdo, como si fuera ayer, de la satisfacción que recorrió mi cuerpo cuando se encendió el motor”, rememora.

Este némesis de la obsolescencia programada no se resigna a aceptar que su batalla esté perdida. No reivindica que todos sean tan de nicho como él, pero sí hace un llamamiento para que se revise cómo la gente afronta la fabricación de guitarras y productos hoy en día.

Schneller tampoco quiere que este oficio se vaya con él. Para asegurarse, el estadounidense transmite, desde hace años, sus conocimientos en Chicago School of Guitar Making, los cuales imparte en su taller. Una escuela por donde han pasado más de 1.000 personas. Es su forma de asegurarse de que siga viva su manera de entender la fabricación de instrumentos y, de paso, dar la espalda a lo efímero en favor de lo duradero.

Fotos: Caleb Condit

Este artículo fue publicado en el número de febrero de Yorokobu.

Olvídenlo. No va a ser hoy el día en que deje de escribirse acerca de la crisis de la industria musical y su posible replanteamiento económico o incluso filosófico. De hecho, desde Barcelona, llega una nueva iniciativa que intentará que los artistas puedan financiarse con la aportación de los usuarios a través de una plataforma en internet.

Póngase en situación. Es usted Bono, el de U2, no José, y sale de su sucursal del Banco de Santander con la mirada perdida en el suelo porque Manolo, su director de toda la vida, le ha negado el crédito para una pantalla en 3D de 600 pulgadas que serviría de fondo de escenario para la próxima gira mundial. ¡Tranquilo! Aún tiene una salida.

Podría contar su proyecto en internet y pedir pequeñas aportaciones para pagarlo todo. A cambio, podría usted ofrecer entradas con su efigie estampada en pleno proceso de salvar el mundo, tope mesiánico. Cuando hace dos años, un grupo de jóvenes comenzaron a trabajar en el proyecto de Firstclap, tenían en mente algo más que una herramienta de promoción de artistas. Evidentemente, los músicos podrían invertir en promoción, pero también tendrían a su disposición un lugar donde recaudar financiación para sus iniciativas.

Firstclap se inaugura hoy y se encuentra en fase betaa. No cobran ningún tipo de comisión a los artistas. Basan su modelo de negocio en el cobro por la herramienta de promoción.”Los grupos deciden cuánto se quieren gastar cada día en promoción y eligen su target (cada usuario define sus gustos y estilos favoritos). De esta manera esperamos ofrecerles una herramienta eficaz y auto-gestionable para darse a conocer.Nuestra filosofía es dar a los músicos las herramientas para controlar su éxito”, explica Pauline Bernier, una de las madres del proyecto.

Los artistas que deciden utilizar Firstclap pueden ofrecer su música sin limitaciones. “Está pensada tanto para los artistas independientes como para los sellos que quieran dar a conocer sus bandas. De hecho, invitamos a las discográficas a utilizar Firstclap como herramienta de promoción ya que nosotros no interferimos en los ingresos generados. No actuamos como sello y no tenemos ningún derecho sobre la música”, dice Bernier.

La plataforma ofrece la posibilidad de financiarse a través de Clapfunding, una opción de crowdsourcing para proyectos concretos a cambio de lo que el artista quiera ofrecer. La otra opción de financiación de bandas es el Mecenazgo, que permite a los usuarios hacer una donación anual a la banda a cambio del acceso al material del grupo.

Firstclap tiene puesta la vista también en el entorno de apps. Prevén que la versión móvil del servicio se encuentre disponible durante el mes de marzo. Entretanto, se puede comenzar a utilizar la plataforma a través de su sitio web.

Internet ha crecido de manera exponencial en el último lustro. Por supuesto, la causa ha sido la masiva proliferación de literatura acerca del uso de las redes sociales por personas y marcas, los distintos tratados de reputación online o de protocolo de atención al cliente. Y eso es así porque lo digo yo. Nickelback, ha escrito su propia y gloriosa página acerca del tema pasándose por el forro todas las demás y la ha emprendido a golpes virtuales con quienes les soltaban alguna grosería en Twitter.

Quizá recuerden a Nickelback. Se trata de una banda canadiense (Canadá, dejadlo ya, nos basta con Neil Young) cuyo cantante gastaba, allá por los años noventa, un cardado que bien le podría haber hecho militar en Medina Azahara. Si quieren pruebas, aquí las tienen.

Nickelback dio el espaldarazo definitivo a la industria peluquera hace más de 15 años y ahora quieren hacer lo propio con la del community management malvado. Hartos de ser catalogados como una banda con menos pegada que Audrey Hepburn en un combate de wrestling, han adoptado una estrategia en Twitter que desafía a todos los manuales bienpensantes de social media. El mensaje se podría sintetizar en un mantra similar a “Si se meten contigo, métete tú con ellos más y déjate de mierdas, pringado”.

En algún momento del 22 de enero, la persona que lleva la cuenta oficial de la banda decidió que era mala idea dejar que el río siguiese corriendo y que era momento de contestar a aquellos que expresaban algún tipo de sentimiento negativo, despectivo o directamente insultante sobre ellos. Decidieron hacer caso omiso al tercer mandamiento de la ley sagrada de gestión de comunidades, en su apéndice segundo, que dice exactamente que no se debe alimentar a los trolls. Algunos usuarios los comparaban con Nicholas Cage, en un paralelismo doloroso para ambos implicados, o les instaban a la retirada de los escenarios. Cada uno obtuvo su respuesta.

La política adoptada por Nickelback contraviene lo que se ha asumido como correcto por la mayoría de usuarios y profesionales que trabajan en este sector de la comunicación pero, ¿puede esta manera de actuar traerles algún tipo de rédito? ¿Forma parte de alguna inusual estrategia de marketing? ¿Merece Nickelback lo que les digan por canciones como ‘Something in your mouth’? ¿Cuál es vuestra opinión? ¡Dejadla en los comentarios!

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Visto en Rolling Stone.

El pasado tiene algunas ventajas evidentes. La primera es que ya ha pasado, con todas las consecuencias que acarrea: se puede repasar, ver lo ridículos que éramos e intentar evitar dicho comportamiento en el futuro. Además, no se puede borrar, salvo que usted posea un cargo de alta responsabilidad política y sea capaz de decidir qué engrosa los capítulos de los libros de historia. Pero, ¿qué ocurriría si se pudiese borrar de un plumazo el rastro de todo aquel que se encuentra bajo tierra?

Cuando, en Regreso al Futuro, Marty McFly cambiaba el pasado, su futura existencia se veía amenazada por el cambio en la línea temporal. Si no saben de lo que hablo, abandonen este post inmediatamente.

El caso que nos ocupa es el inverso. Jean-Marie Delbes y Hatim El Hihi han creado I see dead people, un miniblog en el que han eliminado de las portadas de algunos míticos discos a las personas que han fallecido.

El resultado, más allá de lo curioso del experimento, se erige como una triste alegoría acerca del vacío que dejan las personas en el escenario que han habitado. A John Lennon hay que agradecerle muchas cosas, pero no que nos dejara solos con Yoko Ono. Desagradecido.

Ahora que el Casiotone es un objeto de culto que pasa a ocupar los estantes como preciado ítem decorativo, el chiptune ha dejado de ser ese estridente sonido de videojuegos de los 80 para convertirse en un género musical en sí mismo. Si el creador de todo esto te ha dotado del mismo sentido musical que a Patxi López, que lo flipa con Fito y los Fitipaldis o Springsteen si ruborizarse, la agencia mono lo pone fácil con su generador de melodías de 8 bits.

Ya saben que el chiptune es el estilo musical por el que el 98% de integrantes de la redacción de Yorokobu mataría a sus madres y las serviría en un desayuno continental para la prensa camufladas como empanadas argentinas. Por eso no es de extrañar que la carencia de artículos publicados esta mañana responda al enganche al que nos somete la propuesta de mono, la agencia creativa de Minneapolis (sí, Minneapolis tiene más cosas además de a Prince, nieve y nada).

Monotunes es el regalo de año nuevo con el que el estudio obsequia a todo aquel que tenga a bien pasar por su sitio web. La idea consta de una aplicación creada en flash que aglutina diferentes samplers creados con sonidos de 8 bits.

Las posibilidades para crear melodías más o menos sonrojantes dependen, como debe ser, de la habilidad o ineptitud de cada usuario. Lo que sí garantiza Monotunes es la pérdida de un precioso tiempo que bien podría dedicarse a otra cosa. Imprescindible.

La música lleva siglos cantando al amor. Al desamor. A los sentimientos. Pero ¿cuánto se ha cantado a la ciencia? ¿Por qué no se pone música al descubrimiento de los neutrinos? El grupo Aviador Dro ha decidido poner música a muchos de los retos científicos y tecnológicos del siglo 21. El proyecto se llama La voz de la ciencia de Aviador Dro y está compuesto por 12 temas electro pop sobre el cambio climático, el homo sapiens 3.0, los ordenadores cuánticos, la partícula de Dios, los universos múltiples o la postgenómica.

Los temas de las canciones son desafíos científicos del futuro y han sido seleccionados, según Alejandro Sacristán, miembro de Aviador Dro, “junto a científicos y expertos en cultura científica”. Entre ellos, Manuel Toharia, Jorge Alcalde, Ignacio Cirac, Javier Armentia, Federico Morán y Pedro Serena.

La voz de la ciencia es una iniciativa abierta en la que intervienen especialistas de distintos campos para aportar información científica. Aviador Dro, con todos los datos, escribe las letras y pone música a las canciones.

“Igual que un músico puede plantearse musicar poemas y estructuras narrativas de origen literario, o vehículos visuales como el vídeo, el cine o los espectáculos teatrales, Aviador Dro se plantea musicar una obra de divulgación científica centrada en las últimas investigaciones y fronteras de la ciencia de nuestro tiempo”, indican en el post de presentación del proyecto.

Aviador Dro quería encontrar una forma distinta de hablar de ciencia. Por eso mezclaron arte y divulgación científica. Querían despertar el interés de las ciudadanos por la ciencia y la tecnología.

La voz de la ciencia no solo se propagará en este disco, que se lanzará a finales de marzo, “si la radioactividad acompaña”, según dicen en su Facebook. La banda de techno pop participará en una serie de eventos que se llevarán a cabo en museos de ciencia y planetarios durante el año próximo.

“Los eventos vendrán precedidos por la publicación de un artefacto hipermedia de divulgación científica y prospectiva, que integrará artículos de científicos de primer nivel, junto a colaboraciones de divulgadores y expertos en cultura científica. Este artefacto se desarrollará y crecerá como un organismo mutante en las redes sociales y una parte de él tomará forma tangible en el mundo offline”, especifican en su web.

En sus canciones y sus eventos se hablará del entrelazamiento cuántico, el Bosón de Higgs y el acelerador LHC, los universos múltiples y paralelos, el multiverso, la inteligencia artificial fuerte, el momento de la singularidad, vivir 1.000 años (medicina del futuro, ingeniería genética, NBIC), geoingeniería frente a cambio climático, ingeniería ética, FAB 3D (hacer tangible la información y producción de bienes tangibles compartidos P2P), cultura DIY y macrowikinomics, genoma bacteriano y biodiversidad de los mares, vida artificial, homo sapiens versión 3.0 (Cyborg), comunicación interespecies, energía nuclear de fusión, música aumentada, neurociencias: el cerebro aumentado, disrupción tecnológica y educación, el yo digital, ordenadores emocionales, el ser humano como simbionte, el autor 2.0, el reto ACTS o la ultranet.

Esta es la letra de la canción que da título al proyecto, La voz de la ciencia.

La voz de la ciencia
Macrocosmos
Microcosmos
Unificación
Elevación
Macrocosmos

Microcosmos
Unificación
Elevación

LA VOZ DE LA CIENCIA
LA VOZ DE LA CIENCIA
LA VOZ DE LA CIENCIA
LA VOZ DE LA CIENCIA

Mi mirada altera el cosmos
Observador de campos celestes
Somos tormentas cuánticas
Materia consciente

Mi mirada altera el cosmos
Observador de campos celestes
Somos tormentas cuánticas
Materia consciente

Macrocosmos
Microcosmos
Unificación
Elevación

Macrocosmos
Microcosmos
Unificación
Elevación

LA VOZ DE LA CIENCIA
LA VOZ DE LA CIENCIA
LA VOZ DE LA CIENCIA
LA VOZ DE LA CIENCIA

La partícula de Dios inspira otro tema.

Bosón de Higgs
Bosón de Higgs, Bosón de Higgs
Está en el vacío por ti y por mí
Bosón de Higgs, Bosón de Higgs
Inercia y energía para ti

En las tierras altas de Escocia
Se rompió la simetría
Montañas azules, montañas rojas
Un bosón escalar nació en teoría

Protones chocan con protones
Monopolos y probabilidad
Solenoides compactos de muones
Un chasquido espacio temporal

Bosón de Higgs, Bosón de Higgs
Está en el vacío por ti y por mí
Bosón de Higgs, Bosón de Higgs
Inercia y energía para ti

Es el alimento de la materia
Que nadie ha podido encontrar
Una partícula intermediaria
Que fue soñada en un glaciar

Gravitón, gluón, fotón y bosón
Arriba y abajo, bello y encantado
LHC: protón contra protón
Donde el vacío juega a los dados

Bosón de Higgs, Bosón de Higgs
Está en el vacío por ti y por mí
Bosón de Higgs, Bosón de Higgs
Un nuevo universo para ti

Las tecnologías evolucionan de manera exponencial conforme transcurre el tiempo. Lo que avanza de forma más pausada son los gustos de las personas que hacen uso de esta tecnología. Con todo lo que hemos visto cambiar al mundo con internet, hay emprendedores que piensan que la gente sigue apegada a la música enlatada en radio, aunque sea codificada en bits. Este es el caso de Senzari, una start-up que sugiere música tomando como referencia la actividad en Facebook.

Senzari nació hace un año en Silicon Valley con el convencimiento de sus fundadores de que la parcela que ocuparían está al margen de la que que invadió Spotify. De hecho, es Pandora el espejo en el que se miran vagamente. “Existe un mayor engagement en la radios que en Spotify. La gente, en su mayoría no sabe que escuchar. Queremos aprovechar la actitud de “lléname el iPod de música” para captar a nuestro público”, explicó Demian Bellumio, CEO de Senzari, en la presentación de la aplicación en España.

La baza que quiere jugar Senzari es la de ofrecer nueva música al usuario basando los algoritmos de elección de canciones en una profunda integración con Facebook. Senzari será capaz de leer los ‘likes’ del usuario y sus contactos en la red social y generar recomendaciones contextuales teniendo en cuenta también la hora o la localización geográfica. “No hemos querido hacer un producto muy complicado. Hemos querido crear una experiencia diferente en la que, por ejemplo, se podría generar una lista basada en los gustos de varios usuarios localizados en un mismo lugar”, dijo Bellumio. La app integra también el chat de Facebook en la parte derecha de su interfaz.

Senzari no cuenta con la limitación geográfica de Pandora. Está presente en Brasil, Estados Unidos y se expande ahora a España, Latinoamérica y Australia. La aplicación, cuya interfaz es accesible de momento sólo a través de web, cuenta con 10 millones de canciones cuyos derechos se han gestionado directamente con las entidades de gestión de los diferentes países.

El modelo de negocio de Senzari se basa en la inclusión selectiva de publicidad en su versión gratuita. “Queremos seleccionar a las marcas y que esa selección sea también contextual, dependiendo de qué estés escuchando”, señaló el CEO de Senzari. La startup está trabajando en una versión premium sin publicidad aunque, de momento, están trabajando en varios posibles modelos.

Si quieres probar Senzari durante 48 horas, ya que la aplicación se encuentra aún en fase beta, puedes hacerlo accediendo a través de este enlace.

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Este post se publicó simultáneamente en The App Date, el evento mensual en torno al mundo de las apps del que Yorokobu es media partner.

¿Es el del presente? ¿O quizá ni siquiera es un modelo válido? En cada encuentro que se celebra con temática relativa a la cultura digital, se sigue intentando buscar la piedra filosofal. Sellos, bandas y servicios adyacentes tratan de que el negocio discográfico salga del hoyo en el que insiste estar inmerso. ¿Ha dado OK Go con la tecla?

Resulta incluso un poco frustrante ver cómo en dichas reuniones, como la celebrada en FICOD el pasado jueves, se intenta escribir el futuro volviendo a trillar los mismos senderos de siempre. Se trataba de buscar alternativas para relanzar un mercado pero toda novedad quedaba relegada a la relación de los artistas con su público a través de redes sociales.

Mientras, en una galaxia muy lejana, una banda ha conseguido crear una fórmula que basa su éxito en hacer una parte de su material lo suficientemente creativo como para conseguir que se impliquen agentes externos al negocio estrictamente musical.

OK Go comenzó creando sus videoclips de forma casera. Escasos medios, más allá de unas cintas para correr y una cámara doméstica, y una alta dosis de creatividad. Es evidente que, si eres un grupo de ventas millonarias, los patrocinios, las colaboraciones con marcas lloverán solas. Las ventas de OK Go eran (y son), sin embargo, muy discretas. ha sido la capacidad que tienen para convertir sus vídeos en virales la que les ha proporcionado interesantes beneficios en forma de colaboraciones con logos comerciales de distinto pelaje.

Samsung les pidió que hicieran una serie de vídeos con uno de sus nuevos modelos de cámara. Range Rover los puso a caminar por Los Ángeles en otra campaña que se plasmó en videoclip. También han hecho acto de aparición junto a Los Teleñecos con lo que eso supone para el incremento de la popularidad entre un público más generalista que el de la escena de la música indie.

El último capítulo de esta historia se ha escrito a base de tequila. La banda de Chicago ha llegado aun acuerdo con José Cuervo en Brasil para crear un reproductor de vídeo en el que las imágenes se componen a partir de avatares de usuarios en redes sociales. #Shotcast, que consigue un interesante efecto de pixelado, ofrece algunos de los vídeos de OK Go y una actuación en directo en Río de Janeiro.

La vinculación entre bandas y marcas es una de las más probables salidas para muchas opciones musicales. ¿Es una opción de futuro? ¿Hasta qué punto puede comprometer la integridad artística de las bandas?

Detrás de cada sonido de guitarra eléctrica que no sea ‘limpio’ entran en juego los pedales, dispositivos que se activan con el pie del músico y que añaden efectos a las notas. Cualquier guitarrista que se precie, tiene a su disposición decenas de marcas y estilos para elegir, pero pocos pueden presumir de contar con un aspecto tan apetecible como los Dr. No Effects.

El diseñador Eric van den Boom acaba de presentar en su perfil en Behance, la nueva línea de pedales que ha realizado para esta pequeña compañía holandesa. El resultado son 6 distintos dispositivos, cada uno con tipografías hechas a mano.

“Me encanta mezclar el diseño gráfico, ilustraciones y letterings. Este proyecto tiene todos esos elementos. Empecé haciendo unos bocetos y creé seis estilos vintage diferentes, uno para cada efecto. Dentro de cada diseño intenté reflejar el sonido y estilo del efecto. He creado cada tipografía yo mismo para que cada efecto sea especial y único. Finalmente puse los bocetos en illustrator, los trace y añadí color”, explica el diseñador en Behance.

Enjoy…

Fotos: B13 Visuals.

En la radio sería un programa de música. En Spotify es una playlist recomendada. El radioshow de Play de Givenchy que acaba de estrenar Spotify es un formato inédito hasta hoy en nuestro país. Está formado por cuatro programas en los que se mezclan los comentarios del director del programa e impulsor de la idea, Arturo Paniagua, y una lista de temas relacionados con una temática específica.

El primero se titula Canciones para sorprenderte y ya está disponible en Spotify. El radioshow cuenta, además, con la producción de Dixo, una compañía mexicana especializada en contenido sonoro para internet, y el patrocinio de Play de Givenchy.

“Seguimos añorando aquellas cintas que hacíamos con todo el cuidado del mundo”, indica Paniagua. “Ahora las playlists han tomado su lugar en lugares como Spotify, y la recomendación parece ser la gran salida del periodismo musical”.

El periodista musical y locutor de Radio 3 asegura que “esto ocurre en un momento en el que internet presenta una oferta masiva de música y se hace cada vez más necesario un mapa de ruta trazado por alguien que conozca buena música”.

Este proyecto, que ya se hizo en Reino Unido junto a Starbucks y la telefónica INQ, “es, además, el perfecto ejemplo de que internet o Spotify (presentado como gran verdugo) no vienen a matar a la radio”, comenta Paniagua. “Ambas se pueden complementar dándole al oyente un poder que antes no tenía: escuchar el programa cuando quiera y como quiera (en el móvil o el ordenador), decidir sus contenidos, etc.”.

No sé si el problema está en que el listón para Pink Floyd está más alto que para otros grupos, pero el hecho de que la banda quiera sacar la pasta de sus fans de una manera poco elegante es un poco decepcionante. La nueva app del mítico grupo británico, This Day in Pink Floyd, se cobra a precio de jamón de bellota y queda en pavo cocido, algo jugoso, pero no apto para ofrecer a las visitas.

Money, it’s a gas
grab that cash with both hands and make a stash

Hablábamos de que uno toma sistemas de referencia diferentes para artistas como Pink Floyd o Björk. A Amaia Montero, las propuestas trilladas se le suponen, pero a grupos como el de Barrett, Waters, Gilmour y Mason, que han innovado prácticamente desde su fundación, la edición de la aplicación que han presentado resulta netamente insuficiente.

La islandesa se descolgó con la edición de Biophilia, una app que ofrecía un universo imaginario y onírico en el que cada canción era una experiencia para los sonidos además de una propuesta interactiva para entrar en la mente musical de la, en ocasiones, sobrecargada artista. Lo que ofrece Pink Floyd, en cambio, no camina sobre esa línea.

La decepción no conlleva sorpresa ya que ninguna banda ha conseguido conjugar una pose de calado arty con una rentabilización económica que debería enseñarse en las escuelas de negocios. Ediciones, reediciones, ampliaciones, nuevos packagings, remasterizaciones… Toda una suerte de variedades para vender las mismas [sobresalientes] canciones una y otra vez. Y es que este es el sabor de This Day in Pink Floyd.

El contenido sabe a relleno como excusa para acompañar a los links de compra de los álbumes de la inmortal banda. La aplicación toma el nombre el primer apartado que se encuentra nada más abrirla. Se trata de una más que aseada cantidad de datos relativos a la banda en forma de efeméride. ¿Sabían que el 14 de noviembre de 1971, Pink Floyd tocó en el gimnasio de la State University of New York y que tocaron, entre otras canciones, Atom Heart Mother o One of These Days? Pues ya lo saben. ¿Cómo se les ha quedado el cuerpo?

La parte más jugosa de This Day… es la que ofrece datos acerca de cada álbum y cada canción de Pink Floyd. La cantidad de información es importante y más que interesante. Además, en el caso de que se encuentre en la librería iTunes del dispositivo anfitrión, existe la posibilidad de escuchar la canción. Sin embargo, en la mayoría de entradas, lo que se encuentra es un enlace para pasar por caja y descargar el tema o el disco de iTunes.

La prueba más fehaciente de la minusvalía funcional de la app es el apartado de vídeo de la misma. La app incluye el vídeo de Point Me at the Sky. Punto. El resto es un enlace al canal de vídeo en Youtube del grupo. Ni rastro de esos mismos vídeos, por ejemplo, ofrecidos en streaming dentro de la misma app. Ahí reside el mayor fracaso de This Day in Pink Floyd. Han desaprovechado de manera lamentable las capacidades multimedia que tienen los dispositivos a los que se dirige la aplicación.

La app se completa con dos partes de preguntas y respuestas que serán jugosas para los millones de fans que tiene la banda alrededor del mundo. El resto es el inevitable enlace a la Pink Floyd Store y unos birriosos extras que incluyen un tono de llamada, dos wallpapers y los enlaces a las webs de los componentes del grupo.

Todo, por el poco popular precio (en escala app, claro) de 2.99€. ¿Es necesario que me cobren antes de entrar en las tiendas? Parece que, en este caso, sí.

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Este post se publica simultáneamente en The App Date, el evento mensual en torno al mundo de las apps del que Yorokobu es media partner.

En 1984 el estadio Seibu, en Japón, fue el escenario del Super Rock Festival. Por allí desfilaron Scorpions, Whitesnake, unos jovencísimos Bon Jovi, y una banda canadiense a la que todos señalaban como la más potente y transgresora, la pura esencia del heavy metal, el grupo que estaba llamado a conquistar las más altas cumbres del Olimpo del rock: Anvil.

Dos décadas después, los tres primeros grupos habían vendido millones de discos (y camisetas y chapas), sus miembros se habían hecho millonarios y sus riffs de guitarra sonaban en las emisoras y clubes del ramo de todo el mundo. Los Anvil, sin embargo, penaban por bares de tercera en su Canadá natal y sus tres miembros fundadores malvivían en empleos no cualificados: la construcción (el batería, Robb Reiner) o llevando enseres a los comedores de los colegios (el cantante y líder Steve “Labios” Kudlow), tal y como relata el magistral documental ‘Anvil, la historia de Anvil’.

¿Qué sucedió para que el unánimamente considerado mejor grupo heavy de la camada de los ochenta no se comiera un colín y unos tipos tan blandengues, con mechas y pelo cardado, como Bon Jovi y Whitesnake arrasaran en las listas? Detalles, una concatenación de pequeños detalles que, sumados uno a otro, marcan la diferencia (abismal diferencia) entre el éxito y el fracaso.

La finísima frontera que separa el éxito del fracaso fue indagada por el analista de las pequeñas cosas Malcom Gladwell en su libro ‘Fueras de serie’. En él aparece un dato sorprendente: los mejores deportistas profesionales nacen en enero. El motivo es que las ligas infantiles se configuran por grupos de edad que se agrupan por años naturales, igual que sucede en los cursos escolares. El resultado es que niños de cinco años (nacidos en diciembre) comparten equipo con niños casi un año mayores que ellos (nacidos en enero). Entre adultos una diferencia de un año es anecdótica pero con seis años la diferencia de fuerza, velocidad, tamaño y habilidad de dos niños que se lleven un año de edad es enorme.

La tesis de Gladwell es que esta diferencia de partida acaba siendo insalvable para los más pequeños, porque los que son un poco mejores (generalmente los mayores) serán seleccionados en los equipos, recibirán mejor entrenamiento y jugarán más partidos, haciendo acopio de una ventaja acumulativa que explicará el resultado final: es dos veces más probable que un jugador de Primera División haya nacido en el primer trimestre del año a que lo haya hecho en el último.

En el caso que nos ocupa, tal vez fuera la errática trayectoria discográfica de Anvil, que no supo capitalizar el éxito del disco ‘Metal on metal’, o quizás el ‘factor canadiense’ o incluso la actitud gamberra de los miembros del grupo, que parecen vivir en el Mundo de la Golosina, lo que dejó a Anvil abandonado en la cuneta del éxito.

La gran paradoja es que sobre las cenizas del fracaso de Anvil se alza un éxito: el del director del documental, Sacha Gervasi, que logró el reconocimiento gracias a esta tierna y patética historia de perdedores. Tal es así, que cuando los títulos de crédito desfilan por la pantalla a uno le queda la sensación de que el sentido de la existencia de Anvil fue, exclusivamente, poder protagonizar ‘La historia de Anvil’.

Puedes ver ‘La historia de Anvil’ aquí.

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El encargado del cementerio de Santurce, Juan, y el sepulturero Miguel Ángel reiteran que allí tienen enterrados a personajes de cierta importancia, como un capitán del Ejército o un cocinero insigne; pero, al fin, asumen con resignación que sus únicos nichos célebres sean los de dos chicos sin formación, vecinos pobres de Santurce, que murieron en 1992 como consecuencia de su adición a la heroína: el guitarrista Iosu Expósito y el cantante Juanma Suárez, fundadores de Eskorbuto, la banda más nihilista del rock español.

“No te puedes imaginar la gente que viene”, comenta el sepulturero, que solía jugar al fútbol con Iosu antes de que este dejase el deporte por la música punk y las jeringuillas. El nicho de Iosu, que murió con 32 años, es el más visitado. Tiene dos ramos de flores artificiales a cada lado y una figura de la Virgen en el interior, detrás de un cristal emborronado de delicadas dedicatorias de sus fans: “Nos vemos en el infierno. Los Cerdos”. Junto al nicho siempre hay una lata de Kas Limón, un refresco de una marca del País Vasco que gustaba mucho al guitarrista.

Juanma murió siete meses después que Iosu, a los 30 años, y está enterrado en el mismo nicho que su padre, un obrero que murió nueve años más tarde que su hijo, a los 73. El origen de los dos músicos es el mismo: familias que emigraron de zonas atrasadas de España en los años 60 para vivir como mano de obra de las industrias de la metalurgia y de la construcción naval situadas en lo que los bilbaínos llaman con austeridad la Margen Izquierda, el flanco oeste del río Nervión.

Desde la casa de Iosu se ve entera la otra orilla de la ría, donde residen las familias acomodadas de Bilbao. La casa está en una barriada construida sobre la ladera del monte más alto de Santurce. Al pie del monte —límite del núcleo urbano— hay un extraña escultura en memoria del guitarrista: de un gran muro de contención salen en horizontal dos pequeños elementos de hierro, una cabeza con una cresta y un puño derecho apretado de rabia. El busto, rodeado por un mural de grafitis, no es fácil de advertir.

Siguiendo a la izquierda, a pocos metros, aparece una escalinata estrecha, sucia y empinada que lleva a casa de Iosu. Es una vivienda blanca de planta baja con la carpintería pintada de azul, como una casa marinera. Tiene grietas en las paredes y la madera del techo apolillada. De momento está deshabitada. La madre de Iosu murió este año y al padre lo llevaron a un asilo. Un amigo de la familia cuida su huerto póstumo, un terruño con hileras de lechugas, cebollas y grelos, la verdura natal de esta pareja de emigrantes gallegos.

La madre, Alicia, era quien visitaba y arreglaba el nicho de Iosu, su hijo pequeño. A partir de ahora solo quedarán admiradores en torno a su tumba, un goteo de personas que pasan cada año por allí desde que los cuerpos de los Eskorbuto, como decía una de sus letras, cayeron “rendidos como una maldición”. Aunque pronto, cuando se agoten las licencias de sus nichos, se acabará el culto a Iosu Expósito y Juanma Suárez. “En dos o tres años toca sacar los restos”, comenta Juan con naturalidad. “Se incinerarán y los enterraremos con los demás en una fosa común. Y los reyes del punk quedarán mezclados con las abuelitas del asilo”.

No importa cuán famoso te hagas o cuántas entrevistas concedas: ningún fan te conoce como tú mismo. Por eso lo mejor  es hacerse cada uno su entrada en Wikipedia. Wikipedia está llena de “coladas” de este tipo, pero, ¿hasta dónde es importante una entrada?, ¿qué detalles son irrelevantes?, ¿es lícito utilizar tu entrada en la Wikipedia como si fuera tu Facebook personal?

Luis Cobos

El  hortera de Campo de Criptana es un caso de talento precoz.  “Con tan sólo ochos años ingresó en la Filarmónica Beethoven, orquesta local en su pueblo”. Luego enumera las corales que montó siendo aún un adolescente. Tilda su etapa conocida (la de los ochenta) de “experimento musical”, y  se excusa por ella . Y ahí está, informándonos gracias al ADSL.

Eduardo Casanova

Más conocido como “El niño de Aída”, el actor  habla (o él o  su mejor amiga) así de su  papel: “le transportó del más absoluto anonimato a una fama reconocida incluso internacionalmente en países como Italia o de Hispanoamérica (sic)”. En ediciones anteriores  se daban los nombres de sus amigas íntimas y se comentaba sobre su sexualidad. Nos quedamos con esta aportación, ya borrada: “i ademos es gei”.

Tamara/Ámbar/Yurena

La otrora amiga de Alaska ha ofrecido datos muy interesantes sobre su formación académica, que fue corta pero errática: “Estudió EGB, BUP, inglés, canto y estuvo un año con un foniatra para reeducar la voz. También estuvo cuatro meses aprendiendo baile moderno.”  Eso sólo lo puede saber Tamara o su madre, Margarita Seisdedos.

 Gisela

Gisela se hizo famosa en la primera edición de OT. Luego representó a Andorra en Eurovisión. Y luego explicó en su Wiki que siempre le han gustado los caballos y que por eso dio clases de equitación para adquirir a Tritón, su amado caballo. El párrafo denota que lo ha escrito alguien que le conoce muy bien:

“Desde pequeña, siente pasión por los caballos. Durante una temporada Gisela ejerció de profesora de equitación y con el dinero que ganó se pudo comprar a Tritón, su caballo. También desde pequeña le gustaba la música y de adolescente cantó en un grupo”.

Lucía Etxebarría

Lucía ha vivido una guerra contra los wikipedistas que terminó cuando se cansó de explicar  por qué no había que incluir su año de nacimiento (7 de diciembre de 1966, por cierto) pero sí, por ejemplo, que su número de la suerte es el 7. Aunque quedan pocos restos de lo que fueron aquellas preciosas versiones, algunas personas recuperaron tan valiosa información. Su perro se llama Tizón.

Tinieblas González

¿No sabes quién es Tinieblas? Da igual, ya te lo explica Wikipedia: “realizador de cortometrajes exitosos como Por un infante difunto o The Raven.” Tinieblas nos revela que sus comienzos fueron caseros y que grabó una maqueta con un grupo que tuvo, entre otras muchas cosas sin interés. Termina así: “se encuentra en un segundo plano creativo, luchando aún por que su largometraje vea la luz”.

Hulk Hogan

Nuestro héroe del ring se ha hecho su propia entrada. Si la pasas a Word, son treinta páginas de datos increíbles, como su derrota ante una bola de fuego que salía de una cámara o sus principios para salir adelante en la vida: entrenamiento, oración, suplementos deportivos, y creer en uno mismo. En un momento del texto sugiere que estos principios te valen, incluso, para vencer ante desastres naturales.

Bruce Willis

O tiene detrás a un psicópata peligroso, o tiene demasiado tiempo libre. Es difícil que más gente conozca tal cantidad de detalles como las direcciones  que ha tenido, y en qué fecha se ha mudado, o que el 12 de junio de 2007 le nombraron en Japón Jefe Honorífico del Escuadrón Anticiberterrorista por la Comisión Nacional para la Seguridad Pública.

Jose María Cano

El loser de los Cano pone  la clínica en la que nació y la calle en la que conoció a Ana Torroja. Y detalles inquietantes sobre sus estudios… “Destacando en la asignatura de análisis de formas cuya base es el dibujo artístico”. JM es ahora pintor, y no se corta a la hora de explicar las técnicas que utiliza en cada cuadro.  ¿Para qué sirve todo esto?  Para que los amigos sepan que te pueden encontrar en Wikipedia y no en Facebook. En el apartado “Discusión” de José María Cano, escribe un colega “Hi Just tried to contact you ! See u ! Coco Joe”.

Como muestra, un botón:

“Su madre (Emilia Andrés) es madrileña y licenciada en Ciencias Políticas. Durante su infancia estudió en el Colegio Nuestra Señora del Recuerdo, situado en el distrito de Chamartín de la ciudad. Allí José María entra en el coro (escolanía) como solista, pero al final lo abandona pues prefiere dedicar el tiempo a jugar al fútbol.” 

Los personajes extranjeros están extraídos de Cracked.

Unos se desnudan y publican un calendario para recaudar fondos. El equipo del Miba (Museo de ideas e inventos de Barcelona) ha optado por cantar. En concreto, una rumba. La ha compuesto Pep Torres, director del museo, y la interpreta él mismo con todo el equipo del museo. Un toque de atención -otro- a la clase política española unos días antes de las elecciones.

“Yo quiero un líder que hable inglés. Que haga croquetas con los pies. Que tenga carrera universitaria. Que no me coja de la malaria. Que no me dé vergüenza ajena. Cuando acude a una cena”. Así es el estribillo de la rumbita de Pep Torres, que espera sirva de inspiración y motivación a personas con ideas y sentido común para lanzarse a crear alternativas políticas que generen ilusión.

“Me gustaría instigar a los líderes del siglo 21 para que hagan una política entendida no ya como un modo de vida privilegiado, sino como un servicio al ciudadano”, dice Torres, que añade la faceta de compositor y cantante a su largo repertorio creativo. La letra de la canción no deja dudas al respecto: “Que con estos candidatos, por favor piénsatelo un poco. Que si hay que votar se vota, pero de legaña a moco hay bien poco”.

Un fragmento de esta incisiva rumba, titulada ‘Esto sé de rumba’ (¿lo pillas?) puede escucharse en la tienda de iTunes o descargarse la canción completa por 0,99 euros.

El hostigamiento de las autoridades sanitarias a las marcas de alcohol y tabaco ha llevado a los fabricantes de ambos vicios a buscar nuevos territorios en los que promocionar sus productos. ¿El último? ‘Infiltrar’ el nombre del trago en letras de las canciones. O pagando o sin pagar.

“He llevado una vida normal

Veo que no puedo engañarte

Siempre DYC, nunca Johnnie Walker”

Los Nikis, ‘Por el interés te quiero Andrés’

Los fabricantes de licores han inventado de todo para llegar a sus clientes potenciales, desde montar hasta la saciedad las llamadas ‘fiestas’ en bares (que no son actos promocionales en torno a marcas como Pampero o Chivas) hasta ‘obligar’ a los madrileños a pronunciar una y otra vez la palabra Heineken cada vez que hacemos referencia a la otrora famosa sala de conciertos Arena.

Pero lo de ‘dejar caer’ las marcas de bebida dentro de las canciones entra de lleno en el terreno del ‘product placement’. Unos investigadores de la Escuela de Medicina de la Universidad de Pittsburgh analizaron las letras de 793 canciones de pop y hip-hop dirigidas al mercado juvenil entre 2005 y 2007 y hallaron 3,5 menciones a marcas de alcohol por cada hora de música.

Teniendo en cuenta que los adolescentes están expuestos a una media de 2,5 horas diarias de música pop, cada uno escucha 8 o 9 veces el nombre de las marcas. Y casi la mitad (41%) de las veces esas menciones son positivas, frente a una escasa quinta parte (17%) de negativas, concluye el estudio.

Jay-Z, nombrando como quien no quiere la cosa su marca de vodka, Armadale.

Lo que no quiere decir que los raperos estén necesariamente pagados por las marcas en cuestión. Al fin y al cabo, hacer mención (como la de Los Nikis que abre este artículo) a una marca es un guiño pop asumido y generalizado, ya sea un bote de Colón o una botella de Cruzcampo.

Pero no siempre es el ingenio del compositor el que está detrás de la aparición casual de Absolut o Bacardí entre los versos de la canción. En ocasiones es la larga mano de la discográfica la que propicia la mención, según denuncia el estudio de la Universidad de Pittsburgh, que cita la compra de Universal (1995) y Polygram (2001) por parte del destilador canadiense Seagram como sospechosa de la creciente aparición de marcas de bebidas en las canciones.

Sí resulta más asombroso que algunos raperos, como es el caso de Sean “P. Diddy” Combs (Ciroc Vodka), Jay-Z (Armadale Vodka), Lil’ Jon (Little Jonathan Wineries), Snoop Dogg (Landy Cognac), Ludacris (Conjure Vodka) y TI (Remy Martin Cognac)  no citen en sus letras cualquier bebida sino SUS propias marcas de bebida, según la prolija recopilación que hace Medical News.

Bien pensado, tiene todo el sentido: ya que están gastando su tiempo en sacar un disco que (casi) nadie va a pagar, por lo menos pueden obtener algún retorno anunciando alevosamente en sus letras las marcas de vodka y tequila de las que son propietarios. Así, el círculo se cierra mágicamente: adolescentes borrachos escuchan música ilegalmente descargada mientras consumen la bebida que promociona en la canción el rapero saqueado.

La frontera entre publicidad y mención casual es fina como el vidrio de una botella de cognac. El hit ‘Pass the Courvoisier’, de Busta Rhymes hizo que las ventas del distinguido licor aumentaran un 20% en 2002, el año de su lanzamiento, estableciendo una alianza contra natura entre el manager de Puff Diddy, que responde al nombre de Violator, y los bodegueros Domecq, propietarios de la marca.

Resumen del estudio. Visto en Futurity y Medical News. Más información entre los vínculos del rap y la priva, aquí.

En el mismo sentido:

-Basta con sostener una bebida alcohólica para parecer idiota, afirma un estudio

-Cómo arruinar la imagen de su empresa gracias a un famoso

-Sé que te arrepentirás: las bebidas más resacosas

-Publicidad: la mujer es un objeto, el hombre no

Un viejo creativo publicitario dijo hace muchos años: “cuando no tengas nada que contar, canta”. Y la idea de recurrir a la música para suplir una falta de creatividad caló hondo. Sin embargo, hay ocasiones en las que la música se alía con la idea para dar con la fórmula del éxito. BMG recordó alguno de estos casos en “El tercer miércoles del mes” del CdeC.

MacDonalds
(o cómo un cover puede superar al original)

Dead island
(o cómo la música que parece inadecuada es la correcta)

Ikea
(o cómo elegir la canción perfecta en el baúl de los recuerdos)

Vodafone
(O cómo la música de un anuncio se convierte en un hit)

Heineken
(o cómo hacer de la música y el spot una unión inseparable)

¿Cuántos años caben en una app de iPad? En este caso, cuarenta y siete. Exactamente los que lleva David Bowie reinventándose a sí mismo y a parte de la historia de la música pop. Uncut, una de las más excitantes revistas musicales de Reino Unido, lanza una espectacular app para iPad que hace un recorrido por la vida del genio de Brixton.

Se han hecho tremendamente largos los 5 años que lleva El Gran Duque Blanco lejos de los escenarios. Aún más lejano queda el espaldarazo definitivo que dio al glam cuando Ziggy Stardust vino a la tierra con sus Arañas de Marte.

Desde que una década antes comenzara a coquetear con el folk, siempre filtrado a través de su interestelar prisma, hasta que asumió cada cambio de vanguardia con camaleónica naturalidad, hay mucha historia que contar.

La revista británica Uncut se ha encargado de editar una aplicación móvil que recoge la trayectoria de David Robert Jones a través de una experiencia interactiva repleta de contenido. Hasta seiscientas páginas que recopilan decenas de vídeos, canciones y arte bañados de vanguardia, delgadez, maquillaje, drogas y madurez.

Uncut ha buceado en los archivos de publicaciones veteranas como NME o Melody Maker para rescatar entrevistas olvidadas o críticas de álbumes y singles.

El pasaje para emprender la anomalía espacial a bordo de la nave capitaneada por Bowie cuesta 3.99€ y ya se encuentra disponible en iTunes.

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Este artículo se publica también en The App Date, la web del evento mensual en torno al mundo de las apps del que Yorokobu es media partner.

Los dibujos de Junko Mizuno y la música de Gay Witch Abortion. Juntos han realizado un libro y un CD, dentro de una serie de libros de arte y música de Amphetamine Reptile Records.

En este vídeo puedes ver cuatro minutos de la canción Snake Behind The Eyes (26 minutos) y los dibujos de la artista japonesa afincada en Los Angeles.

Para los verdaderos heavies del metal, Scorpions siempre fue un grupo bajo sospecha por la popularidad de sus baladas, un género diametralmente opuesto a la rudeza que se les presume a los amantes del metal.

Para paliar este desdén, los alemanes llevaron hasta el extremo su provocación en las portadas. No menos de 7 de sus 18 portadas sufrieron censura en algún grado, desde el discreto tirón de orejas por la aparición de un pezón en ‘In Trance’ (1975) hasta las abiertas acusaciones de incitación a la pederastia que trajo consigo la portada del siguiente disco ‘Virgin Killer’ (1976), una polémica que se acabó salpicando a Wikipedia tres décadas después.

Sea porque el gen del escándalo formaba parte del código genético de los Scorpions, sea porque fueron pioneros en buscar el ‘efecto Streisand’, lo cierto es que nadie puede rivalizar con los de Hannover en portadas censuradas:

‘In Trance’ (1975)

El escándalo: La rubia de la portada se le ve nítidamente un pezón. Es más, un pezón erecto.

La solución: El disco fue retirado de las tiendas y reemplazado por una versión alternativa en la que el pecho de la modelo aparece castamente oscurecido.

‘Virgin killer’ (1976)

El escándalo: Vista la repercusión de la primera censura, los escorpiones decidieron volver a tocar la fibra del personal, esta vez con la imagen de una niña desnuda que no dejaba nada a la imaginación.

La solución: El escándalo fue mayúsculo, así que en esta ocasión no hubo lugar para sombras ni degradados: la siguiente versión de la carátula mostraba a los cinco miembros del grupo. Vestidos.

‘Taken by force’ (1977)

El escándalo: Dos niños jugando a la guerra en un cementerio militar francés debió de ser una imagen demasiado violenta para alguna mente tendenciosa. Vista ahora, no es para tanto.

La solución: El nuevo, la más recurrente: un retrato de Kleus Meine y sus chicos, para configurar una portada sosísima.

‘Love Drive’ (1979)

El escándalo: Una mano sobre una teta pegajosa, probablemente silicona fundiéndose por culpa de la calefacción del coche. La portada iba envuelta en papel pero ni por esas pasó la censura.

La solución: La revista ‘Playboy’ votó la portada de ‘Love Drive’ como la mejor del año, honor que dudosamente repetiría el escorpión azul con el que soslayaron la censura.

‘Animal magnetism’ (1980)

El escándalo: Alguien creyó ver algo oscuro e inquietante en el montaje del perro, la mujer y el caballero con una botella de cerveza.

La solución: Esta vez la sangre no llegó  a río. Los censores soliviantados se quedaron tranquilos: aquello sólo era la foto de un perro, una mujer y un caballero con una botella de cerveza.

‘Love at first Sting’ (1984)

El escándalo: El séptimo álbum de la banda traía como portada una foto de Helmut Newton que mostraba a una pareja dándose el filete, con la chica mostrando la pechera.

La solución: Tras la queja del gran almacén estadounidense Wall Mart, la discográfica volvió a tirar por la calle de en medio: el grupo, vestido de negro y sobre fondo blanco, como mandan los cánones.

‘Pure Instinct’ (1996)

El escándalo: Nada rejuvenece tanto como volver a ser censurado como en los viejos tiempos, así que los veteranos Scorpions noventeros volvieron a pasar  por la tijera en EEUU. En esta ocasión, por un absurdo desnudo en una portada bastante fea.

La solución: La de siempre, aunque más colorista: los cuatro supervivientes en una estampa de lo más convencional.

Colección de portadas de vinilos controvertidas.

La presentación del primer informe sobre el desarrollo y uso de las aplicaciones en España dejó algún dato desalentador y varios muy positivos. El tejido empresarial en el sector es casi inexistente. Sin embargo, hay luz al final del túnel. España es el país europeo con un mayor crecimiento en la implantación de smartphones. Lo contó Óscar Hormigos durante al décima edición de The App Date.

Quizá no cupiese esperar milagros en un país en el que la apuesta por la tecnología o el desarrollo de estructuras empresariales sólidas es una asignatura pendiente. Los datos que ofreció ayer The App Date indicaban que el 70% de las aplicaciones que se han hecho en España, alrededor de 20.000, fueron creadas por programadores independientes, que no habían constituido ningún tipo de empresa. El panorama, a pesar de todo, no pinta mal del todo si tenemos en cuenta el crecimiento del sector en los últimos meses. Una prueba es el millón de apps que, según cifras de The App Date, se descargan en España cada día.

El informe, que puede consultarse completo en el sitio web de The App Date, muestra que este mismo año habrá ya más dispositivos que incorporen Android que iOS, a pesar de que el sistema operativo móvil de Apple es el más utilizado por los heavy users. Los usuarios más veteranos optan por los tablets y los adolescentes por Blackberry.

Supertruper, o cómo conseguir más de cien mil descargas

“Cada vez que nos planteamos un nuevo objetivo, añadimos un cero a la cifra de descargas que queremos alcanzar”. Luis Diéguez explicó así el nivel de exigencia que ha alcanzado su equipo con el desarrollo de Supertruper, una app que permite elaborar la lista de la compra escaneando los códigos de barras de los productos y comparando sus precios y que “este mismo año permitirá hacer la compra desde la propia aplicación”.

Diéguez explicó cómo hay que saber elegir un camino cuando se cree en una idea. “Si quieres crear algo tienes que pensar en aquello a lo que tienes que renunciar. Luego hay que buscar el qué, a veces hay que saber el qué no hay que hacer. Quería mirar hacia adelante y se acababa de presentar el iPhone. Estuve mirando qué se hacía en el mundo del móvil y tuve la idea de Supertruper”, explicó.

Así comenzó una aventura que se emprendió “con un nombre, un concepto claro y un logo. Hicimos un vídeo y nos pusimos a escuchar qué decían los demás a cerca de lo que hacíamos. La siguiente etapa fue una empresa, un plan de negocio y mucho desarrollo”.

El años 2011 viene marcado por la adaptación y “mucha pasión”. Para Diéguez, hace falta escuchar a consejeros y hay que planificar con paciencia. “Una idea inicial se tiene que amoldar a mercado, clientes, programadores y otras circunstancias”.

El iPad como paleta

La artista plástica Karla Frechilla pasó por The App Date a mostrar algunas de sus apps favoritas para crear. Para Frechilla, “aún hay mucho camino que recorrer, pero los tablets reúnen muchas posibilidades a la hora de plantear una obra pictórica”. Apovechó la ocasión para hacer llegar a los desarrolladores sus “reivindicaciones” como creadora. “Necesitamos más formatos y mayores calidades de salida. También sería genial poder pintar con varios dedos de la mano simultáneamente”.

Además, admitió que  hay aún mucho camino por recorrer antes de que este medio se convierta en habitual entre el colectivo de creadores de su sector. “Los artistas no se han dado cuenta de que esto existe”, admitió.

Keep it simple

Lutz Emmerich, el máximo responsable de Spotify en España, estuvo repasando la más que conocida historia de la app musical. Recordó lo complicado que fue encontrar una fórmula ” buena para el usuario, para el artista y para los sellos” y resaltó como mayor virtud de la aplicación el hecho de que el usuario pueda acceder a la música en cualquier momento y lugar con un sólo click. “Simplemente funciona”.

Vídeo: Alberto Triano.

El F8, la conferencia para desarrolladores de Facebook comenzó a carcajadas con Andy Samberg, el actor del Saturday Night Live que imita a Mark Zuckerberg. Las carcajadas se tornaron en caras de asombro cuando el verdadero Zuckerberg presentó las nuevas aplicaciones de Open Graph.

A estas alturas de la presentación, el fundador de Facebook ya había anunciado que habían alcanzado los 500 millones de usuarios en un solo día y había presentado su nueva visión de la vida digital de los usuarios. El evento continuó con la propuesta de Zuckerberg para hacer las apps aún más sociales. “Open Graph, ayudar a definir lenguajes para hacer que la gente pueda conectar”. Va a ayudar a definir una completa serie de nuevas aplicaciones sociales que hará que muchas industrias, a juicio del creador de la red social de Palo Alto, tengan que replantear su concepción.

Facebook quiere hacer sociales las películas, la televisión, la música, la noticias o los libros. También quiere que el usuario pueda expresarse compartiendo cómo viste, a dónde viaja o qué come. Todo este flujo de gustos y tendencias tiene por objeto, según Mark Zuckerberg, “descubrir nuevas cosas de la mejor manera, a través de tus amigos”. El contenido se compartirá de manera automática, si así lo quiere el usuario, con sólo comenzar a jugar o pulsar el play del reproductor musical. Un clic menos.

Zuckerberg presentó también la sincronización entre usuarios con el rimbombante nombre de serendipia en tiempo real. Mediante esta nueva característica, los usuarios podrán, por ejemplo, escuchar lo mismo que sus contactos en Spotify al mismo tiempo. Como explicó uno de los co-fundadores de Spotify, Daniel Ek, “esto enganchará más a los usuarios. Si se enganchan más, serán más propensos a pagar por la música y tanto la industria como los músicos saldrán beneficiados”.

La televisión y el cine también se hacen más sociales. “Podremos ver qué están viendo nuestros amigos y, al igual que con la música, podremos verlo con ellos”, mostró el fundador de Facebook. Hulu o Netflix son algunos de los servicios que harán esto posible.

Medios de comunicación, juegos sociales… Nada queda fuera de esta epidemia de socialización extrema que plantea Facebook. También las aplicaciones que cuentan si haces deporte, cuál es tu ropa preferida o qué lugares visitas en vacaciones se beneficiarán de la nueva concepción “sin fricción” de la red social.

Cada movimiento que realiza un gigante genera automáticamente miedo y dudas. Los usuarios suelen tener dificultades para asumir una cantidad de cambios simultáneas tan elevada pero, la duda más grande se refiere a la configuración de qué contenido se quiere compartir o no. ¿Están los usuarios preparados para gestionar de manera correcta y eficiente su flujo de experiencias? ¡Déjanos tu opinión en los comentarios!

Ocurrió el pasado viernes en Kansas City (Estados Unidos). La banda liderada por el ex-Nirvana Dave Grohl se enfrentó al piquete de fundamentalistas que pretendía boicotear su concierto con las armas reglamentarias: guitarras, bajo, batería y un descacharrante y creativo sentido del humor.

La Iglesia Baptista de Westboro, una congregación fundamentalista cristiana, instó el 30 de agosto al boicot del concierto de la banda americana en Kansas. El motivo, según comunicó la propia iglesia en su sitio web G, que el grupo “divulga acerca de la fornicación, el adulterio, el culto a los ídolos y los homosexuales”.

El vídeo de promo de la gira que los Fighters están llevando a cabo por su país, que muestra a un grupo de camioneros gays jugando con pastillas de jabón en las duchas de un bar de carretera, fue la gota que colmó el vaso. La cita estaba fijada y la banda tomó nota.

Así fue cómo, mientras los ultras mostraban pancartas con leyendas como “Gracias Dios por los soldados muertos” o “Dios odia a América”, entró en escena el combo estadounidense. A lomos de un gran camión descubierto y con los trajes que utilizaron para la grabación del vídeo, Foo Fighters dejó en evidencia a los manifestantes congregando en escasos segundos a numerosos seguidores que neutralizaron los abucheos de los fieles de Westboro.

Bonus track: Top 5 de motivos por los cuales Foo Fighters MOLAN

5. Porque Lemmy, el hombre que todos querríamos ser, la materialización de la virilidad, conduce una limusina en uno de sus vídeos.

4. Porque Dave Grohl deja al legendario Bob Mould grabando coros de una canción para irse a nadar con su hija. Y cuando vuelve, alucina como un crío.

3. Porque demuestran su amor al rock homenajeando a The Beatles en el show de Dave Sullivan o disfrutando como fans tocando con Jimmy Page y John Paul Jones, de Led Zeppelin.

2. Porque para su concierto para echar a un tipo que está montando una pelea o porque le canta una canción a un fan que es clavado a él.

1. Porque siendo un grupo que es capaz de llenar el estadio de Wembley dos noches seguidas, no tienen reparos en hacer una gira por su país tocando en garajes de fans e incluso dejarles tocar con ellos (minuto 11 y 33 segundos).

La necesidad crea al órgano. Así ha ocurrido con servicios como Facebook o Twitter, que vieron su nacimiento como respuesta a la necesidad de sus fundadores. Relatone, un servicio de intercambio de música que nace este mismo mes, sigue un patrón parecido.

“Todo surgió desde un punto de vista de usuario”, explica Arturo Reneses, uno de los padres de la criatura, “pensando cual sería la formula con la cual yo estaría más a gusto consumiendo música. Llevamos dos años con este proyecto y parece que por fin vemos la luz al final de túnel”. Arturo venía de dirigir un centro de negocios en Sevilla. Saúl Plaza, el otro fundador, lleva toda su carrera relacinado con la informática musical. “Pensé en su día que toda canción que te gusta la asocias a un momento, a un amigo, a tu pareja y que siente sla necesidad de compartir esas canciones. ¿Por qué no intentar monetizar la tendencia que tiene la gente de compartir archivos?”, dice.

Relatone intenta rescatar la experiencia de compartir música, esa suerte de fetichismo que llevaba a compartir un disco, un cassette, como un bien preciado, como un detalle personal hacia quien tendría que escucharlo. “El modelo de Relatone consiste en que con cada canción que te descargues, tendrás una copia para compartirla con quien quieras a través de otras redes sociales, pero siempre dentro de un entorno seguro. Podemos entrar en el perfil de un amigo nuestro y pedirle una canción que nos guste. Él podrá decidir si mandártela o intercambiarla por alguna que tengas tú”, explica Reneses.

Las canciones adquiridas forman parte de una biblioteca digital con la que se pueden crear listas de reproducción para escuchar en streaming. Es algo que, según su creador, constituye una ventaja que se añade al hecho de poder descargar la música.

Los problemas surgidos desde que se comenzó a gestar la aplicación “han sido muchos y desesperantes a veces”. Sin embargo, parece que el modelo de negocio se va definiendo. “La forma de reportar con las discográficas a las entidades de autor es lo poco que tenemos en común con otras tiendas. Intentamos convencer a las discográficas que la copia extra no la contemplen como una descarga y por lo tanto no haya que reportarla. Nuestra lucha es convencerlos de que que hay que dar a la gente “algo más” para que compre. Hemos convencido a EMI music y estamos en negociaciones avanzadas con Warner. Las discográficas independientes no ponen pegas a este modelo de negocio”.

Los creadores de Relatone estánbarajando otras variantes con las que monetizar su proyecto. “Estamos trabajando para que las marcas asuman el coste de las descargas a través de un patrocinio. Cada mes, los usuarios dispondrán de créditos (estamos trabajando para implementar este sistema) para descargarse las canciones que quieran”, dice Reneses.

El próximo paso será integrar la tienda de canciones en Facebook y desarrollar la app móvil. ¡A compartir!

No es una canción pegadiza. Ni siquiera es armoniosa. Pero Eindhoven tiene su propia banda sonora y el encargado de interpretarla es su skyline.

En realidad, una maqueta de su skyline. El músico Akko Goldenbeld ha sido el encargado de crearla.

Aunque la de la ciudad holandesa no es una maqueta cualquiera. Está creada sobre una superficie cilíndrica que gira. ¿Por qué? Viendo el vídeo se comprende la razón.

No contiene un mensaje cifrado, ni se encuentra en alta mar. Ni siquiera esconde el mapa de ningún tesoro. ¿O sí? Depende de lo fan que seas de Juanes. Esta botella es de Brugal y el mensaje que porta es la lista de todos los conciertos de la gira veraniega del cantante colombiano, que patrocina esta marca de ron dominicano.

Es la primera vez que la etiqueta de la marca se utiliza para promocionar algo que no sea la propia marca. La botella convertida en un soporte publicitario en el que la historia de Don Andrés Brugal y las cinco generaciones que le siguieron ha sido sustituido por el calendario de conciertos y ciudades que Juanes visita durante su gira veraniega.

Además de informar sobre la gira, la botella, que incluye imágenes de conciertos del cantante, pretende convertirse en un objeto de coleccionista para los seguidores de Juanes, artista en el que la marca de ron ha centrado su estrategia de comunicación este verano.

A Björk la quieres o la odias. Yo la odio, vaya eso por delante. Eso no me hace rasgarme las vestiduras para aceptar, con resignación cristiana, que en eso de la innovación, de establecer nuevos senderos, ella va un paso (o dos) por delante. La islandesa sigue experimentando en el mundo de las apps. Su nuevo album, Biophilia, será la próxima rata del laboratorio musical de Björk.

Átense a la silla porque esto no es fácil de digerir de primeras. Los que piensan que la app de Biophilia será un mero catálogo de las canciones o videoclips del disco que sale a la venta a final de septiembre, que se hagan con papel y bolígrafo y empiecen a apuntar.

La islandesa ya comenzó a jugar con apps en los directos de la gira que desarrolla actualmente. Eso ya está explicado en este artículo. Es ahora el material de estudio el que se ve sometido a un nuevo juego. Biophilia, la app, es una suite, una especie de contenedor que albergará diez mini apps, una por cada canción del album homónimo. Esas aplicaciones son un cóctel a medio camino entre la pieza musical y la propuesta de arte interactivo que se harán accesibles a través de un entorno tridimensional que simula a una galaxia.

La primera experiencia interactiva corresponde al single Crystalline, y se encuentra disponible en la App Store. Desde ayer martes se puede adquirir también el segundo single, Cosmogony. Cada canción se compone de propuestas artísticas, juegos, partituras para cantar los temas, animaciones, las letras de la canción y anotaciones que dan algunas pistas acerca de la inspiración de Björk para desarrollar cada tema.

Para la creación de este proyecto, la artista ha contado con la ayuda del artista interactivo Scott Snibbe y la agencia de diseño  M/M.
La app matriz es gratuita, pero cada experiencia (se irán lanzando una a una las próximas semanas), tiene un precio de 1.99$.

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Este post se publica simultáneamente en The App Date, el evento mensual en torno al mundo de las apps que se celebra cada último lunes de mes y del que Yorokobu es media partner.

Son el hype británico de este año e incluso alguno los catalogará con “otrabandaqueveoesteañoydelaquemeolvidoelpróximo”. Sin embargo, de momento The Vaccines avanzan con paso decidido por cada festival de verano de Europa. Tanto trabajo estival no les ha separado del trabajo indoor conceptual y creativo y han ideado una propuesta de videoclip que incluye cientos de fotos de Instagram, la app fotográfica de moda para iPhone y iPad.

Grupo de moda, app de moda, gadgets de moda y por si éramos pocos, crowdsourcing. La banda londinense ha pedido ayuda a sus fans para crear la versión visual de su tema Wetsuit.

The Vaccines quieren que los usuarios de Instagram capturen sus mejores instantes en festivales de veranos, esos pequeños fogonazos que representan un momento de inspiración, felicidad, libertad y buena música en pantalón corto.

Los que quieran formar parte del vídeo, deberán subir sus instantáneas con el hashtag #vaccinesvideos y ellos elegirán las que necesiten para componer la propuesta visual de la canción.

Se ha habilitado una web para reunir todas las fotografías y ya hay cientos disponibles.

El doble oriental de Joaquín Reyes

Messi esperando antes del concierto de Clap Your Hands and Say Goal

Para mi, lo que mejor representa a un festival soy yo fumando con pose de hipster y asesino en serie.

Cinco de la mañana. Nuff said.

Pepe Jeans ha lanzado su propio (mini) festival de música, Singular Music Festival, y los donostiarras Delorean han sido los encargados de inaugurar su escenario itinerante.

El Festival zarpó desde Victoria Embankment, Londres, a bordo del Golden Flame el 14 de Julio a las 22:00, cuando este barco soltó amarras del Temple Pier y comenzó su rítmica travesía por el Támesis.

A los quince minutos de levar anclas, el bombo de Igor Escudero, quien si un día decide dejar la música puede perfectamente ganarse la vida como doble de Dustin Hoffman, comenzó a golpear con fuerza como reclamando a los que se encontraban en la terraza disfrutando del espectáculo que supone navegar por el Támesis de noche (y de día), que entrasen a arropar al grupo.

Con una sincronización no programada y como si de una premonición se tratase, Delorean comienza a repartir ritmo justo cuando pasaban bajo el puente del Milenio, que conecta en Londres religión con vanguardia y modernidad, el puente que une la Catedral de San Paul con la Tate Modern.

Unos metros más adelante, al pasar junto a Southwark, el barrio que se llenó de teatros y burdeles en el siglo XVI, y ver el Globe Theatre de Shakespeare, la mente de muchos se trasladó a la época para rescatar al dramaturgo inglés a quien, por un momento, se pudo imaginar a bordo del barco bailando las bases del grupo donostiarra. No cabe duda de que Shakespeare hubiera disfrutado de esta singular fiesta.

El Golden Flame avanzaba hacia el este de la ciudad, dejando a la izquierda los rascacielos de la city y pasando bajo el puente de la Torre en dirección al distrito financiero de Canary Warf. A estas alturas la pista vibra, Delorean pone a todos a bailar, a todo el mundo a agitar sus cabezas. Los pies no descansan. Delorean, derrochando buenas vibraciones y espíritu festivo, le ha robado el protagonismo a los rascacielos de la city y ha puesto a todo el personal en movimiento.

El grupo ha tirado por la borda la tensión con la que empezó y ahora que el concierto se acerca a su fin, se les ve sonreir y disfrutar. Y precisamente con sonrisas cómplices y sirenas de barco se despide el grupo aunque sigue la fiesta…

El Singular Musical Festival, hará su próxima parada en Lisboa el próximo mes de Septiembre para pasar después por Berlin y Bilbao. ¡A bailar!

“El amor no existe”. Empieza así un musical sin cantantes ni escenario. Lágrimas de aire hubiese sido un musical al uso hace cinco años. Pero surgió en tiempos revueltos para la industria musical. El compositor y guionista Luis F. Borruey llevaba años soñando con estrenar un musical. Lo escribió y decidió desafiar las dificultades de moverlo en una industria “muy complicada”.

En un mercado saturado, perdido y con las puertas blindadas, Borruey pensó que la única salida era “reinventarse y hacer algo innovador”, dice el compositor. Nunca había visto un musical en cómic (tenía el factor novedad), y unido a las nuevas formas tecnológicas abarataría costes (no hay montaje, ni producción) y el precio podía ser muy competitivo (3,99€).

“Mis canciones suelen contar historias. Era fácil hacer un musical”, especificó hoy el guionista en una entrevista en Campus Party. “Tenía el guión y los temas. Luego encontré un dibujante, Salva Ferrando; un director musical, un programador web, un desarrollador de apps…, y para grabar nos fuimos al estudio de Carlos Goñi (líder de Revólver)”.

Borruey destaca que este musical es un “proyecto puramente digital”. “No es una adaptación de nada. Nació con la intención de ser una obra para Internet y medios digitales. En el desarrollo llegó el iPad y vi que era un medio perfecto para ver el musical. Lo hemos lanzado ahora en esos dos medios y más adelante lo diseñaremos también para iPhone. Por el momento no lo hemos hecho porque las letras de los bocadillos apenas se veían por el tamaño de la pantalla”, especifica.

Lágrimas de aire, producida por Infinitoo Studios, se presenta como una sucesión de una historia en cómics, con 240 viñetas en las que hablan los personajes, y doce canciones, presentadas en un videoclip, que van apareciendo en distintos momentos de la trama para dar ritmo a la historia. Todas son pop pero no se comprometen con un único estilo ni con los gustos de un grupo de edad determinado. “Unos temas son infantiles, otros son románticos, otros son oscuros… Cada videoclip (correspondiente a cada canción) es diferente y está dirigido a un tipo de público distinto”, matiza.

El precio total de esta producción ha sido de 65.000 euros. Ha llevado dos años de trabajo y la colaboración de unas 30 personas. Una vez empezado el proyecto, Bourrey recibió una ayuda de Instituto Valenciano del Audiovisual y la Cinematografía (IVAC) y de la radio televisión pública valenciana (RTVV). El resto procede de la indemnización que recibió el compositor cuando salió de la empresa en la que había trabajado durante años por un ERE.

El musical dura casi una hora y media pero decidió dividirlo en 9 capítulos para que fuese más cómodo de ver. Los cuatro primeros están gratis en Lagrimasdeaire.com. El resto están a la venta en la web y Apple Store, y con el precio incluye los 12 temas de “estilo pop”.

El objetivo ahora es darlo a conocer y que empiecen las descargas. Pero el guionista ya piensa en darle aún más recorrido. Un día después de su lanzamiento, comenta que está pensando “llevarlo a la educación. Está en castellano, valenciano e inglés, y más adelante estará en más idiomas. Además, se puede ver a partir de los 12 años. Creo que es una buena forma de enseñar idiomas”.

¿Quedará en entredicho la frase que abre el musical, “El amor no existe”, después de que la periodista que la escribió, Eva, conozca a Diego?

Lágrimas de aire en web.

Lágrimas de aire en iPad.