Next Door Cafe es un híbrido entre café y workspace, situado en Chicago, que ofrece un ejemplo interesante de cómo las compañías pueden colaborar con su comunidad de forma más desinteresada.

Patrocinado por la compañía de seguros State Farm, el espacio tiene mesas de trabajo, salas de reunión y pequeñas casetas gratuitas. Cada día se organizan clases de asesoramiento de finanzas, yoga y charlas. “Gracias a este acuerdo, hemos podido acceder a un espacio que nunca pudiéramos haber tenido por nuestros propios medios”, explica Noah C, cofundador de la iniciativa y encargado de la cafetería que se encuentra en su interior.

“La marca aporta la financiación para tener un espacio más completo y nosotros tenemos que vender café para ganar dinero. Eso nos obliga a cuidar el lugar y ofrecer un sitio apetecible para que la gente siga viniendo”, añade.

Aparte del nombre en la puerta, la presencia de State Farm es muy sutil. “En un futuro puede que lo utilicen para hacer pruebas o estudios, pero tiene una vocación más comunitaria. No se descarta abrir otros en un futuro”.

El trabajo, cada vez más, se sale de la oficina pero mucha gente no quiere trabajar siempre en casa. Next Door Café cubre ese hueco de manera inteligente.

Fotos: Caleb Condit

El pianista afroamericano que rehabilita a miembros del Ku Klux Klan, robots con sentimientos y una agenda para seres creativos, en los 5 posts más vistos de la semana.

1. El pianista negro que supo tocar la tecla sensible del Ku Klux Klan

2. Un proyecto de la UE desarrolla robots con sentimientos y emociones

3. Estonia: ¿Un referente para salir de la crisis?

4. Descumpliendo 32 años

5. Moredays, una agenda para seres creativos

Llegó como un encargo en 2010 sin muchas pretensiones y en eso se quedó. Una editora de Mallorca llamada Pep Seguí Editorial quería hacer una pequeña guía de la isla para niños llamada Kids Guide. Llamó al ilustrador Joan Chito en busca de un toque retro y este es el resultado.

Chito creó una serie de pósters que recuerdan a los carteles de los años 20 y 30 que anunciaban algunos de los principales puntos de la isla. De paso demostró que, con un poco de creatividad, es posible promocionar el turismo de otra forma.

“Soy un apasionado de la ilustración de estilo retro o clásica, y adoro las cosas que son duraderas. Creo que sobre la sencillez no pasan los años”, explica el ilustrador mallorquín.

Durante las manifestaciones de Occupy Wall Street, uno de los mensajes que más ha trascendido es ‘We are the 99%’ en referencia a la creciente disparidad entre el 1% de la población que controla más del 40% de la riqueza EEUU y el resto del país. Un grupo de activistas anónimos ha ideado una forma original de llevar este mensaje a los billetes de 1 dólar con una serie de sellos infográficos que denuncian esta situación. Lo llaman “Occupy George” en referencia a la ocupación de los billetes que llevan impresas la cara de George Washington.

Para difundir la acción, los creadores de la iniciativa ponen a disposición en su página un total de 5 diseños para descargar y crear sellos con este mensajes.

Sus reivindicaciones:

400 personas controlan la misma riqueza que la mitad del total de los estadounidenses con menos recursos del país

Fuente: Polifact

La disparidad de ingresos en EEUU es más grande de lo que fue durante los años anteriores a la gran depresión

Fuente: CBPP

El 1% más rico del país controla más de 1/3 de la riqueza mientras que el 80% tiene menos de 1/5

Fuente: Economic Policy Institute

En EEUU, de media, un CEO gana 185 veces más que un trabajador normal

Fuente: Economic Policy Institute

Futura propiedad del 1%

Fuente: Occupy Wall Street

The Hot Dang es una nueva marca de hamburguesas vegetarianas que ha decidido barrer con la imagen medicinal y de herbolario que caracterizan a estos productos y lo ha remplazado por un diseño cuidado, colorido y cercano.

Esta nueva compañía, afincada en Austin (Tejas), toma su nombre de la expresión ‘Hot Dang’, una frase que se suele pronunciar de forma efusiva para expresar felicidad y aprobación por algo, la misma sensación que esperan provocar en las personas que prueban el producto.

“La idea es de la fundadora Martha Pincoffs. Ella quiere que ésta sea la respuesta cuando la pruebas. Las hamburguesas están realmente buenas, algo que no siempre se espera con este tipo de comida”, explica Trina Bentley, responsable de Make & Matter, el estudio de diseño que ha creado la identidad gráfica.

“Los colores se utilizan para atraer la atención mientras que el copy informal añade personalidad y cuenta la historia de la marca”, añade.

De momento, sólo está a la venta el packaging negro, el resto de colores representan otros sabores que se lanzarán próximamente. Además del nombre, el envoltorio otorga mucho protagonismo al hecho de que las hamburguesas sean 100% naturales y no lleven ingredientes genéticamente modificados.

Visto en: Dieline Blog

Bonus Track: ¿Los responsables de Make & Matter se han inspirado en este post de Enrique Tellechea a la hora de diseñarlo?

Liam Brazier ya ha pasado de los treinta pero sigue siendo fiel a su pasado nerd. “Soy geek de corazón”, admite sin reparos. Cuando se pone a dibujar, ese espíritu vuelve a aflorar, como demuestran estos retratos de superhéroes compuestos con figuras geométricas. Crearlos le permite, según sus propias palabras, “explorar esos mundos paralelos tan fascinantes obra del ser humano”.

Aunque Brazier tiene otras líneas de trabajo, ésta es la que más repercusión ha tenido en los últimos años. “Supone una vuelta al pasado a mi época universitaria a finales de los 90″. En aquel entonces, creaba dibujos similares pero hechos a mano. “Hacía las líneas rectas recortando piezas de cartón con un bisturí. La imagen final era un collage de todos esas piezas”, cuenta el artista.

Hoy en día se decanta por photoshop. “Utilizo la opción polygonal lasso para hacerlos”. De media, emplea entre dos y tres días para acabar las piezas.

Preguntado por una definición de su estilo, Brazier dice no tenerlo del todo claro. “Intento evitar clasificarlo más allá de la ilustración. Otros lo han intentado llamándolo ‘poligonal’ o ‘geométrico’. Siendo sincero, no sé lo que es más allá de que es algo en lo que me siento cómodo trabajando”.

Además de sus ilustraciones, el británico paga las facturas haciendo animación para vídeo. Antes de finalizar la entrevista aprovecha para apelar a nuestros instintos más consumistas. “Vendo grabados y otros productos en mi página web. Echa un vistazo si eres una de esas personas que no puede dejar de comprar cosas baratas por Internet”.

Showreel:

Desde los primeros balbuceos del arte, los artistas conocen y explotan las peculiaridades del cerebro y la percepción para “engañar” al espectador, generando sofisticados trucos visuales para simular profundidad, color y forma, según ha recopilado el profesor Luis Martínez.

“Ver no consiste en transmitir pasivamente imágenes sino en procesar información”. Se trata de un proceso creativo para el que utilizamos una máquina con gran capacidad de procesamiento pero extremadamente lento: el cerebro. Para poder procesar la inabarcable cantidad de información que recibe a cada instante, el cerebro “rellena” la información que falta, completando la imagen.

A continuación, algunos ejemplos recopilados por Martínez en su reciente charla ‘Las bases neurológicas de la percepción artística’:

1. La forma

La técnica: Los primeros artistas, que plasmaron en las paredes de las cuevas imágenes de caza ya se dieron cuenta de que basta con dibujar los ‘bordes’ de un objeto para generar una percepción muy vívida de él, explica Martínez.

La explicación: “Esto es posible porque la estructura centro-periferia antagónicos de los campos receptores de las células de la retina, les permite detectar fundamentalmente las zonas de una imagen en las que la luminancia, la cantidad de luz que emiten los objetos, cambia localmente de forma súbita”, explica el profesor. Eso explica que el cerebro detecte la silueta de una mujer a partir de cuatro trazos, ‘rellenando’ el resto con nuestro conocimiento (los afortunados) del cuerpo de una mujer.

El ejemplo es una adaptación de un dibujo de Picasso.

2. El color

La técnica: “A partir del Renacimiento algunos pintores descubrieron que al colocar colores de alta luminancia, que reflejan una gran cantidad de fotones, como el amarillo, junto a otros de baja luminancia, como el azul, se general zonas de alto contraste que transmiten la sensación de que las segundas se encuentran más lejos en la escena visual”. Ese fue el ‘truco’ que utilizó Claude Monet en ‘Impresión al amanecer’, el cuadro fundacional del impresionismo.

La explicación: “Color y luminancia pueden separarse artificialmente en un lienzo porque se procesan de forma separada en nuestro cerebro”, razona Martínez, profesor del Laboratorio de Neurociencias Visuales del SCIC. En el cuadro de Monet, “el sol es equiluminante con el fondo; es decir, solo lo “ve” la vía ventral sensible al color. La vía dorsal no lo ve y nuestro sistema visual comete errores al intentar establecer de forma precisa su posición, haciendo que parezca centellear en el cielo”.

Para demostrar la luminancia equivalente entre el naranja del sol y el azul del cielo, la doctora Margaret Livingstone eliminó el color del cuadro, haciendo desaparecer el sol (The Biology of Seeing).

3. La profundidad

La técnica: La explicación de la ambigua sonrisa de La Gioconda se explica por el avanzado conocimiento que Leonardo tenía de la física del ojo, según Margaret Livingstone. El genio italiano desarrolló el sfumatto, que provocaba la debilitación casi total de los contornos.

La explicación: “Cuando miras a los ojos o al fondo percibes una sonrisa, pero cuando miras a la boca la sonrisa parece desaparecer”, explica Livingstone. “Esto se debe a que las células alfa (periféricas en la retina) no aprecian bien el detalle. No así las células beta (en el centro de la misma) que sí aprecian el detalle”, remacha Martínez.

Extraído de ‘Vision and Art: The Biology of Seeing’, de Margare Livingstone.

4. La perspectiva

“No hay tal cosa como la perspectiva”, afirmó Luis Martínez durante su conferencia: “Nuestros ojos reciben dos imágenes planas, como dos fotografías, y el cerebro infiere el volumen”.

La técnica: Una vez más, Monet y los impresionistas, y de nuevo gracias al uso inteligente de la luz logran “el mayor salto cualitativo” en la apariencia de perspectiva, según Martínez. “El suficiente el contraste en luminancia, independientemente del color con que se pintan los objetos, pare generar la sensación de tres dimensiones”.

La explicación: “Las células de la corteza inferotemporal, situada al final de la vía visual ventral y encargada de analizar la identidad de los objetos en una escena, son insensibles a cambios en el tamaño del objeto, su orientación o su posición relativa”.

Distintas aproximaciones cromáticas de Monet para representar la catedral de Rouen.

5. La estructura

La técnica: Tal y como analizaron Gert Van Tonder y sus colegas de la Universidad de Kyoto, “el espacio aparentemente vacío del jardín está en realidad estructurado de forma implícita y presenta una simetría casi perfecta que se alinea críticamente con la arquitectura del templo que tiene al lado”.

La explicación: Hoy sabemos que el cerebro prefiere estímulos simétricos a estímulos asimétricos; los primeros siempre nos parecen más bellos, más atractivos”, explica Luis Martínez. La explicación a esta preferencia podría tener raíces evolutivas: “Las personas con mayor simetría también son más saludables, por lo que tienen una ventaja evolutiva”, sentencia el profesor del CSIC.

El visitante del jardín del Templo Ryoanji en Kyoto percibe una extraña sensación de armonía en un espacio que aparenta ser desigual.

Bonus track: El color, bis

El cuadro que abre el artículo es ‘La Grenouillere’, en el que Monet enseñó a Renoir cómo pintar el agua. Monet, cuenta Martínez, “utiliza una secuencia de colores muy característica: negro, amarillo, blanco y azul. El blanco y el negro tienen mayor contraste de luminancia que el amarillo y el azul”, lo que se traduce en una ilusión de movimiento, la misma, por cierto, que descubrió el neurocientífico Akiyoshi Kitaoka, ¡150 años más tarde!

Visto y oído en la conferencia ‘Las bases neurológicas de la percepción artística’ en el congreso de Creatividad y neurociencia cognitiva, organizado por el Instituto de Salud Carlos III.

Sin cambiar de tema:

-Las personas inteligentes viven más

-La esquizofrenia de un pintor, a través de sus dibujos de gatos

-El verdadero motivo por el que el oso Yogi llevaba corbata

Más información:

The Gray Matters, blog de Luis Martínez y Manuel Molano.

Margare Livingstone: ‘Vision and Art: The Biology of Seeing’.

En BBVA, como en muchas otras compañías, era una petición que resonaba desde hace años. La empresa escuchó y creó en 2005 el programa Calidad de Vida con el objetivo de “poner en marcha medidas a favor de la flexibilidad y la mejora de la conciliación entre la vida profesional y personal. Además de formar parte de nuestra cultura corporativa, se han convertido en un incentivo y una buena manera de retener y, sobre todo, atraer talento”, explica Bernabé Pérez Martínez, director del área de Innovación y Cultura de Recursos Humanos de esta entidad.

“Hemos apostado por el teletrabajo por ser un apoyo a la conciliación y porque en productividad tiene unos resultados beneficiosos”.

Dice el directivo que “las personas dan cada vez más valor a este tipo de cuestiones. Especialmente, en las grandes ciudades, en las que hay serios problemas de aparcamiento y un tiempo excesivo en desplazamientos. Y las empresas comienzan a ser conscientes de las mejoras significativas que se derivan de la satisfacción y productividad de las personas, además de la reducción de costes inherente a este tipo de acciones”.

En 2010 la entidad decidió llevar este plan un paso más allá y no esperar a mover a los trabajadores de sus actuales 14 edificios en el centro de Madrid hasta Las Tablas para impulsar el teletrabajo. El área de Innovación y Cultura emprendió un proyecto piloto para ver cómo funcionaba partiendo de una base: “No es lo mismo trabajar en casa que teletrabajar. El teletrabajo supone tener acceso a las mismas herramientas y aplicaciones que en la oficina”.

“Lo primero que nos planteamos fue ver qué equipamiento de trabajo iba a necesitar cada persona, qué soporte tecnológico y qué medidas íbamos a establecer para que todas las partes implicadas en la prueba, personas y empresa, salieran ganando”, indica. La respuesta a la primera cuestión fue: “un kit formado por un ordenador portátil, un smarthpone y una serie de aplicaciones infomáticas de colaboración”.

Establecieron tres modalidades: Teletrabajo (el 90% del horario fuera de la oficina), trabajo móvil (40% fuera de la sede) y movilidad (trabajar en distintos lugares y en continuo movimiento). Nunca se contempla el 100% del horario en casa porque, según Pérez Martínez, “es bueno ver a los jefes y a los compañeros para evitar la sensación de desarraigo y para motivar a los empleados y a los equipos”.

El plan era voluntario tanto para los empleados como para las unidades de la entidad. Una vez que un área hubiera expresado su deseo de formar parte de la experiencia piloto, cualquiera de sus empleados podía acogerse a esta modalidad previa aprobación de su jefe. Dos unidades pidieron la opción de trabajo flexible, otras dos solicitaron movilidad y una más probó el teletrabajo. En la primera fase participaron 100 personas en España y 100 en México. En 2011 hay más de 1.000 individuos involucrados y en 2012 el proyecto comenzará en todos los países donde BBVA está presente.

El resultado no plantea dudas. “El 100% de los participantes en la experiencia dijeron que no volverían a la situación anterior”, dice Pérez Martínez. “El ambiente laboral ha mejorado tanto para los que trabajan en casa como para los que continúan en la oficina. Además, aunque no era el objetivo, hemos visto que se ha producido un aumento de la eficiencia. Ahora necesitamos menos espacio”.

El plan presta especial atención a la nueva oficina que el empleado tendrá en casa y a llevar hasta allí la normativa que rige en los espacios laborales (higiene, seguridad…). En casa, cada empleado debe tener un botiquín mínimo y debe cumplir las mismas normas de distancia entre silla y ordenador, levantarse de su puesto cada cierto tiempo, utilizar una silla ergonómica… Del gasto del nuevo mobiliario se ocupa la entidad y, además, ofrece “una ayuda por el gasto adicional de agua, luz, ADSL…”.

Una vez que la nueva oficina se ha instalado en casa, el empleado y su jefe reciben un curso de formación online, para adaptarse a la nueva situación y, después, el empleado acude a otro curso en la ‘Sala de descompresión’ de BBVA. “Ahí replican la situación de estar en casa y les enseñan a utilizar la tecnología que les permitirá trabajar conectados con el resto del equipo”.

Foto: Colodio reproducida bajo licencia CC

Este artículo fue publicado en el especial de teletrabajo de Yorokobu septiembre.

Por mucho que se hable y se escriba acerca de la creatividad, yo creo que no existe. Existe la imaginación. Existe la energía y el entusiasmo para llevar a cabo proyectos. Pero la creatividad hay que crearla.

Porque la creatividad no es algo con lo que nacemos o nos es dado, sino el conjunto de estrategias de las que nos armamos para poder seguir siendo nosotros mismos frente al trabajo o, incluso, todavía más, para expresar eso mismo que hay en nosotros y que no hay en nadie más porque es nuestro.

Cada uno estará buscando –y si no lo está, debería hacerlo- todas esas pequeñas cosas propias y personales que le ayudarán a conservar la propia identidad y desarrollarla, pero no está mal tampoco hablar un poco de filosofía para aplicar, en general, a nuestra vida y a ese trabajo que involucra nuestra propia imaginación.

La palabra filosofía no se queda grande. Todo lo que os cuento lo hago desde una perspectiva vital.

En primer lugar, tenéis que protegeros del entorno.

La realidad puede ser una ficción de muy baja calidad y, desde luego, terriblemente poco bella. Sin embargo, lo que hay en cada uno de vosotros, si sois realmente conscientes de su valor, puede iluminar y transformar esa realidad para alcanzar cotas realmente altas y crear mundos nuevos y alternativos que os ayuden a vosotros y a otros a vivir mejor desafiando los límites de lo posible. Y esto no desde un cándido optimismo, sino aceptando lo que es imposible desde el principio mismo para luego intentarlo.

Hacer una comunicación emocionalmente cercana hoy en día, en que estamos rodeados de pantallas y máquinas, es imposible. Desafiar los límites del realismo en el cine, cuyas reglas parecen fosilizadas e inamovibles, es imposible. Vivir en pareja es imposible. Y ser fiel a la amistad también puede serlo.
Si lo pensamos bien hoy, casi todo, debido a su propia burocracia y a estar descentrado de su propio foco, se ha convertido en una imposibilidad. A partir de este reconocimiento, la aventura de volver a trazar el dibujo de eso que ya no se puede hacer implica reinventar lo que estamos haciendo.

La idea sería que cada vez que empezamos un trabajo no exista el pasado, no existan todos los hombres que lo han hecho antes –a los cuales sí tenemos que tener presentes en el proceso de formación-. Cada vez que empezamos nosotros a hacerlo, lo estamos inventando al mismo tiempo que lo creamos. Lo hacemos de nuevo, estableciendo una nuevas reglas y enfocándolo desde un nuevo punto de vista: el nuestro.

Con esto quiero decir que la creatividad no debe jamás profesionalizarse –en el sentido de saberse las fórmulas y las reglas de cómo hacerlo-. La creatividad es una fuerza vital, propia, cuya aplicación constante nos ayudará a masterizar una reglas también nuestras, pero más de tipo general, centradas más en lo humano que hay en nosotros que en lo técnico y apoyadas en nuestro tipo específico de inteligencia.

En segundo lugar, tenéis que no participar en ninguna forma de violencia. La creatividad es contraria a la violencia y a cualquier tipo de intolerancia. Y esto no es porque la creatividad no consista en el debate, nada de eso, lo que sucede es que la creatividad, como queda dicho, es diferencia. El respetar el derecho de los demás a expresar su propia diferencia, el cultivar incluso la admiración hacia el trabajo que merece ser admirado, nos llena de nuevos recursos y concentra nuestra energía para engrandecer lo propio.

Es cierto que hay que estar preparados para estar solos en el camino que lleva a afianzarnos en nosotros mismos, y ese estar solos puede generar cierta amargura y recelo hacia los demás, los otros que, haciendo un trabajo menos honesto o más ramplón, pueden tener más éxito que nosotros. Pero las propias estrategias para protegernos del entorno, para cuidar nuestra propia imaginación, no son unas estrategias de guerra contra todo lo demás, contra todo lo que es diferente a lo nuestro. De hecho, están cargadas de humanidad y de entusiasmo hacia todo aquel que también las proyecte y en el que tenemos necesariamente que reconocernos.

Como decía Rimbaud a su profesor cuando le enviaba sus primeros poemas: “Usted tiene éxito y yo no; yo no soy nadie. Pero, ¿y qué? ¡Levánteme! Écheme una mano. Todos los poetas somos hermanos”.

Lo tercero que quiero deciros, y que considero más importante por contener los puntos anteriores, es que tenemos que estar convencidos del propio presente que estamos viviendo… o, mejor dicho, tenemos que hacer todo lo posible para estar viviendo un presente del que estemos totalmente persuadidos. De lo contrario, estaremos viviendo la vida como en una situación de espera. Una espera de que algo pase, de que algo vaya a suceder. Y la espera es nefasta para el florecimiento de la creatividad y la expansión de la imaginación porque busca vivir la vida únicamente en su continuidad.

La vida sería fácilmente aprehensible si el tiempo no nos alejara constantemente de ella hacia el instante siguiente, si no nos estuviéramos moviendo siempre hacia el futuro. Pero lo cierto es que de la necesidad de la fuga en el tiempo deriva la infinita variedad de las cosas y, como cada cosa nace y se destruye pasando en el propio tiempo, nosotros nos transmutamos sin descanso en un continuo desear.

Estar convencidos de nuestro propio presente nos hace poseer la propia vida; el no estarlo desata en nosotros una retórica descontrolada para excusarnos de no estar viviendo como deberíamos. Perdemos todas nuestras energías no ya en crear, sino en defendernos. Y esta defensa nuestra constante nos lleva a una inadecuada afirmación de nuestra personalidad.

Si tenemos en cuenta que la creatividad es a partir de nuestros rasgos personales y gestos propios, está claro que este es un obstáculo que cuesta muchísimo salvar a la hora de dejar huella en nuestro trabajo, de ser quienes realmente queremos y tenemos que ser. No tenemos que estar pensando constantemente en quién y en qué se ha hecho antes en nuestra actividad, sino que tenemos que amarrar esa experiencia a cada instante que nos ha tocado vivir a nosotros.
Tenemos que atesorar esa experiencia, ciertamente conocerla, sentir que nos atraviesa en el punto del tiempo que nos ha tocado vivir y dejarla trabajar dentro de nosotros para que, a partir de ahí, podamos reinventar todo lo que tocamos.

Estar parados en este punto, hacer equilibrio en la arista de nuestro presente para hacerlo realmente nuestro es lo que llamamos –o deberíamos llamar- vivir.
Vivir no es únicamente continuar, seguir existiendo. Vivir no es consumir la vida. O participamos de nuestra propia vida saboreando lo bueno y lo malo que nos llevamos a la boca en cada momento, sin esperar un futuro, sin hacer las cosas siempre por algo, o estamos muertos.

Vivir es un fin. No un medio.

Esto no es una afirmación obvia, en absoluto; los hombres tememos más a la vida que a la muerte y podríamos llegar a renunciar de buena gana a afirmarnos como nosotros mismos con tal de que nuestra renuncia tenga un nombre, un cargo y una tarjeta.

Por un nombre, por la apariencia de ser alguien, los hombres sacrificamos con gusto nuestras propias demandas porque lo cierto es que, cuando nos oímos únicamente a nosotros mismos, podemos llegar a sentirnos inseguros e intimidados.

Así, poco a poco, nos dejamos inundar por la retórica. Y, cuando nuestro propio presente nos desilusiona, podemos llegar a renunciar a nuestra propia persona con tal de que quede intacto el método, la forma de hacer, incluso el derecho mismo al trabajo, porque eso se vuelve el punto crucial, la razón de todo, el absoluto, el dios.

Pero ese no es el centro de todo. Ahí no está el foco de lo importante.

Cuando adquirimos esta actitud burocrática, nuestro trabajo creativo, lo que nosotros podríamos producir, se sale del foco y toda esa energía que deberíamos poner en su producción se vuelca a la pesada y oscura tarea de defender únicamente esa mínima vida y el derecho a seguir existiendo. ¡Cuántas veces nos damos cuenta de que vamos por ahí enfadados u ofendidos por nuestra propia insignificancia y a cuánta gente vemos todos los días que vive así y se relaciona con los demás de esta manera!

Sin embargo, nosotros no somos insignificantes. Simplemente nos olvidamos de que la vida de un hombre en su centro tiene más poder que cualquier invención que podamos admirar, es “más sutil y emocionante que cualquier obra de arte y su vastedad compite con la de la propia naturaleza”. Porque de esto se trata todo: encontrar el verdadero significado a nosotros mismos, llegar a conocernos a fondo para no dejarnos atrapar por una retórica que nos excuse de ser.

Yo os digo: “Nosotros, todos, estamos aquí para algo más que para no ser, para algo más que para la espera”. Nosotros estamos aquí para afirmarnos como quienes realmente somos. Para afirmarnos adecuadamente, preocupándonos en entender con precisión cuáles son nuestras virtudes, nuestras miserias, y utilizándolas como cimientos de un trabajo solo así, por nuestro, puede ser único.

Solos, en este desierto que es el hoy, podremos vivir así una vertiginosa vastedad y profundidad de vida. Mientras el tiempo se acelera y cambia un presente vacío por el siguiente, nuestra estabilidad abarcará un tiempo infinito en la actualidad y tendrá la facultad de detener el tiempo. No nos agitaremos ni tendremos incertidumbres porque no tendremos miedo al dolor, sino que lo habremos asumido honestamente en nuestras personas. Lo viviremos, como viviremos el placer y todo lo demás, en cada punto.

En todos los sitios en los que los demás verán oscuridad, para nosotros habrá luz porque el círculo del horizonte será muchísimo más amplio. En todos los sitios donde para los demás habrá misterio e impotencia, nosotros tendremos la fuerza y la confianza para desplegarnos. Conociéndonos realmente a fondo, no fiando nuestra vida a un futuro incierto, aplicándonos a cada punto de cada curva del circuito del presente, podremos ver siempre con claridad. Porque, por el hecho de sentirnos insuficientes frente a las cosas, nos haremos cada vez más suficientes frente a ellas y podremos explorar tranquilamente y con lucidez sus eternas deficiencias.

Cada una de nuestras palabras será luminosa porque, ligándose con otras de forma realmente profunda, crearemos la presencia de lo que es lejano. Presentaremos las cosas lejanas bajo apariencias cercanas de tal forma que, incluso aquel que tenga el hábito arraigado de ellas, descubra un significado nuevo que ignoraba y así conseguiremos conmover el corazón de todos.

Cada uno de nuestros instantes puede ser un siglo de la vida de los demás si estamos realmente en nosotros cada momento y conseguimos que cada momento esté en nosotros, así hasta que lleguemos a hacer de lo que somos una llama, una llama en el último presente que vivamos. Entonces estaremos realmente convencidos de nuestra propia vida y, en esa persuasión, encontraremos el terreno necesario para que florezca la verdadera creatividad.

El de la paz.

Julio Wallovits es socio de La Doma

Foto: Khowaga1 reproducido bajo licencia Creative Commons

La mayor parte de los estudios y análisis sobre ciudades se centran en valoraciones humanistas. Pero esta forma de estudiar las grandes urbes se quedaba corta para el físico Geoffrey West cuando hace casi dos décadas decidió aplicar sus conocimientos científicos a la investigación de ciudades.

Como buen científico, echaba en falta una serie de teorías y leyes concretas para explicar su funcionamiento. No estaba interesado, según un artículo sobre su trabajo en The New York Times. “En las especulaciones de los arquitectos. Quería saber si era concebible desarrollar una teoría cuantificable y medible sobre las ciudades”.

No tardó en encontrarla. En la última edición de TED Global, presentó al mundo una original forma de aplicar la física y la biología para analizar el funcionamiento de los centros urbanos. Decía que los algoritmos y leyes que rigen la naturaleza son las mismas que rigen la evolución y crecimiento de las ciudades. Todo, según piensa, es escalable. ”Sencillas fórmulas matemáticas pueden ser utilizadas para predecir toda una serie de detalles sobre una ciudad desde la criminalidad y la actividad económica sin saber nada sobre ellas”.

Para llegar a esta conclusión, West reunió un compendio interminable de datos sobre ciudades y dedicó dos años a estudiarlos. Analizó información tan variada como el número de gasolineras en una ciudad, el porcentaje de licenciados, el número total de cableado eléctrico, la cifra de asesinatos o la velocidad de sus peatones.

Apoyado por el también físico Luis Bettencourt, encontró que basándose únicamente en el tamaño de una ciudad, se puede determinar toda una serie de variables con unas sencillas ecuaciones. “Puedo coger estas leyes y hacer predicciones precisas sobre el número de crímenes violentos y la superficie de sus carreteras. No sé nada de esta ciudad ni de su historia, pero te puedo decir esto porque todas los fundamentos de las ciudades son iguales”.

Sus conclusiones se sustentaron en un estudio que él mismo realizo en el año 1997 sobre el mundo animal. En el aquel entonces desarrolló una fórmula muy discutida sobre la eficiencia del mundo animal. ”Un elefante es 10.000 veces más grande que el tamaño de un cobaya pero solo necesita 1.000 veces la energía que utiliza ese mismo animal”.

Esto, de acuerdo con el científico, se traslada perfectamente a las ciudades. Las grandes urbes son como un elefante. Si una ciudad crece, no necesita el doble de gasolineras que una ciudad la mitad de grande. “Una de las cosas más increíbles de la vida es que todo es escalable. Una rata o un humano tienen una forma muy definida de crecer. Según el gráfico (foto arriba), si duplicas el tamaño del organismo, solo necesitas un 75% más de energía. Cuanto más grande eres, menos energía necesitas”.

“Si aplicas esto a cualquier variable o a cualquier proceso fisiológico o a eventos históricos, surge una regularidad pasmosa. Me dices el tamaño de un mamífero y puedo decirte mucha información con una precisión del 90%”.

Pero a la hora de analizar los factores socioeconómicos de una ciudad hay un importante cambio. El mayor tamaño se traduce en mayor productividad. ”Cuanto más grande sea, menos energía necesita una ciudad. Pero en el terreno socioeconómico la cosa cambia. Cuanto más grande es una ciudad, habrá más patentes, más trabajadores, más crimen, más creativos y sueldos más altos, según los mismos cálculos”.

¿Pero realmente los datos de una ciudad española pueden ser similares a una ciudad china, por ejemplo?

Según West, las similitudes son muy grandes y la cultura tiene poco que ver cuando realiza sus cálculos. “Entran factores mucho más alla de la cultura. Es el factor de la red. Las ciudades son las manifestaciones físicas de nosotros mismos”.

A raíz de la enorme productividad que proporcionan las grandes metropolis del mundo, West las identifica como la mejor forma para garantizar nuestra existencia. En España, por ejemplo, un habitante de Madrid o Barcelona consume mucho menos energía que un habitante de la despoblada de Castilla Leon. Y si seguimos el modelo de este físico británico, cuanto más grande sean, más incrementa su eficiencia y productividad.

Aun así, West dice que puede que las ciudades no sean lo suficiente eficientes para mantener nuestro tren de vida teniendo en cuenta la enorme cantidad de energía que requiere. “Nuestras necesidades energéticas superan a la de una ballena azul. Todos sabemos que será imposible que 7.000 millones de ballenas azules convivan en este planeta”.

¿Una posible solución?

“La innovación constante. Ya han incrementado la velocidad en que innovamos. Vamos a tener que innovar más veces y más rápido para sobrevivir. Si aprendemos a analizar mejor estos datos, comprenderemos realmente cómo funcionan las ciudades. Solo así podermos mejorarlas”.

¿Se puede aplicar el modelo de West a una compañía?

Después de pasar años estudiando las ciudades, la última obsesión de West consiste en aplicar sus modelos matemáticos a las empresas. Tras analizar información sobre más de 23.000 empresas de EEUU que han cotizado en Bolsa, encontró una diferencia importante con las ciudades. Mientras que las zonas urbanas casi nunca mueren, la media de supervivencia de una compañía es de 40 a 50 años. A medida que contratan más trabajadores, ganan menos per capita, a diferencia de una ciudad. ”El ciclo vital de una corporación es muy similar al de un ser humano. Tiene un crecimiento intenso y constante durante los primeros años de su existencia. Con el tiempo ese crecimiento empieza a estancarse y normalmente acaba con su muerte”.

Esto no ocurre en las ciudades porque están fuera del alcance de la burocracia. Por mucho que uno quiera, las ciudades son prácticamente incontrolables. Ese caos es la que las hace generar esa energía imparable.

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Más información sobre las teorías de West: A Physicist Solves the City

Foto Portada: Craig reproducida bajo licencia CC

Foto Interior: jurvetson reproducida bajo licencia CC

Inglés medio, medio-alto. Hablado y escrito. Para muchos de los españoles, esta frase empieza a ser un epitafio en su curriculum vitae. Son cientos de horas frente a libros y manuales de bolsillo con un coste que no nos atrevemos a decir, pero ni por esas. Y Coral George vino a dar la puntilla y a impartir una clase magistral sobre lo equivocados que estábamos en nuestro modelo de aprendizaje. En TEDxPlazaCibeles escuchamos algo nuevo: Synthetic Phonics.

Esta idea se basa en que durante muchos años hemos estado siendo educados en el aprendizaje de letras a las que les asociamos unos sonidos, combinaciones que de alguna manera nos deben sugerir una imagen memorizada de la palabra para darle un significado.

Pero, ¿y si lo que tuviéramos que aprender fueran apenas 40 sonidos en vez del inglés en 1000 palabras? Esta propuesta tan “radical” (según la acepción de Manuel Maqueda), nos lleva a un aprendizaje mucho más rico, más universal y más efectivo.

El propio Gobierno británico lleva años invirtiendo en el desarrollo de programas educativos en esta línea y la generación de contenidos que faciliten esta forma de aprendizaje. “ai, bi, si, di, …”, y 100 personas de vuelta al cole. Opinión unánime: “debemos cambiar el sistema educativo”.

Ideas y más ideas. Un brainstorming en directo y retransmitido para más de 2.000 personas en el mundo a la vez. Eso y más fue TEDxPlazaCibeles, evento colaborativo que tuvo lugar en la Escuela de Organización Industrial el pasado fin de semana.
Ante todo había una misión, romper las estructuras tradicionales y obsoletas de la educación para generar cambios sociales, culturales y educativos con la ayuda de la tecnología. Una de esas propuestas vino de Miguel Brechner, responsable del proyecto Ceibal en Uruguay.

Las ideas para Brechner son claras: el primer paso es diferenciar la política de la gestión, desterrar por completo la doble actividad de aquellos que se dedican a hacer leyes y a la vez a dirigir proyectos para los que no están preparados.

Golpe directo al “doblepensar” de los políticos, a los que pide que dejen paso a los profesionales para gestionar mejor el tiempo y los recursos y no perder una nueva generación de niños que quedan atrapados por un sistema que no les entiende.

Porque esta segunda premisa es imprescindible: los niños aprenden más rápido que nosotros, aprovechan mejor la tecnología, y los profesores y educadores debemos consumir dosis de humildad para ayudarles en el proceso de aprendizaje, para involucrarnos con ellos en vez de tratar de limitarles con sistemas de evaluación o clases diseñadas para nosotros, no para ellos.

Cada niño es diferente, cada situación puede personalizarse, y con la ayuda de la tecnología en muchos casos, este proceso de autoformación es más sencillo, más productivo. Porque frente a la idea de que la “tecnología sirve para hacer cosas”, señala Maqueda, existe una más sencilla: “la tecnología hace la vida más fácil”, y esa ética, ese objetivo, es mucho más rico que alcanzar puntuaciones del 1 al 10 según nuestros baremos.

El proyecto lleva algunos años desarrollándose entre niños para los que la tecnología ha pasado a formar parte de su aprendizaje, no a ser el fin último, y para los que las aplicaciones en cada apartado de su vida se han hecho totalmente lógicas, desde ayudar a sus padres en la localización de ganado hasta comunicarse con otros niños como ellos en cualquier parte del mundo para seguir creciendo.

“Internet es un lugar muy grande donde puedo encontrar todo”. Es una frase magistral de Jaime, el hijo de 5 años de Alberto Calero, pronunciada en la década de los 90 y que nos remueve para darnos cuenta de que debemos ayudar a avanzar más que limitar la velocidad de sus mentes.

Nuestro camino debería ser el de exploradores del terrero, facilitadores del camino, en vez de pastores de una rebaño que no sabe cómo llegar a ningún lado.

Enseñar a recorrer caminos y no a llegar a metas, esa es la principal conclusión de cada uno de los ponentes.
Y uno de los que nos lo demostró fue el insultantemente joven Dole Stephens (19 años), el ponente benjamín pero con ideas terriblemente grandes, fundador de Uncollege, un movimiento que busca mejorar la Educación de los jóvenes frente a los sistemas educativos.

Sí, sí, algo que resumen en la frase de Mark Twain: “I have never let my schooling interfere with my education”. Aportación increíble que en nuestra cultura dirigiríamos hacia la cafetería de la universidad, pero que en su caso ha generado miles y miles de kilómetros de conversación y trabajo colaborativo entre San Francisco y cualquier parte del mundo.

Un par de datos: uno de cada tres estudiantes no está preparado para ser crítico en el sistema educativo, y 1 de cada 4 jóvenes está desempleado. ¿No debería ser suficiente motivo como para generar un cambio? Innovación, colaboración, pasión y creación, eso es aprender y la base de la transformación.

“Internet debe ser un derecho universal garantizado”, remarca Cristóbal Cobo, y aunque la aplicación de la tecnología debe pasar por un proceso de racionalización, para servir realmente a los fines educativos y de generación de creatividad, lo evidente es que permite cambiar sistemas injustos y marginales, como ha permitido en su aplicación a comunidades de fabelas en Brasil, donde ha ayudado a integrar a los jóvenes en la educación y la cooperación.

Ejemplos que dan la vuelta al mundo multiplicándose, como presentó Ana María Llopis, fundadora de Ideas4All, que a ritmo de Mambo! (sí, sí, creatividad en las presentaciones, ¡abajo las ppt aburridas!) nos dejó algunas perlas para implicarnos en buscar esas ideas que nos incentiven a mejorar.

“La mejor forma de tener una buena idea es tener muchas”, parafraseando a los genios, vino a resumir. Así que mejor multipliquémoslas. Algo a lo que se sumó Antonella Broglia, que presentó algunos ejemplos de lo que se consigue cuando se pone pasión en los proyectos, en hacer cosas útiles por los demás. Random Kids, el lugar donde los niños pueden solucionar los problemas, Ilogica o Echo son algunas de esas ideas que ayudan a cambiar el mundo. Aunque para Antonella es sencillo: “Es el poder de las personas cuando ponen pasión en lo que hacen”.

Tocado y hundido. TEDxPlazaCibeles, un foro sobre las TIC en la educación, transporta a uno de los mejores gimnasios de la mente en el mundo y, como definió uno de los asistentes, “es el lugar donde se puede soñar con los pies en la Tierra”.

El consultor Antonio Fontanini, y uno de los organizadores del evento, abrió la caja de pandora con unos ponentes que zarandearon al púplico intelectualmente de un lado a otro de su cerebro, tratando de motivar una de cualidades que más han ido perdiendo en el proceso educativo: la creatividad. Las reglas de la educación y los totems que la dirigen no tienen cabida en la motivación de las nuevas generaciones, como apuntó Miguel Brechner, responsable del proyecto Ceibal en Uruguay.

Para Richard Rowe, director ejecutivo de Open Learning Exchange, lo primero que hay que hacer es romper el modelo tradicional de educación, definido por el “from one to many” para llegar al “many to many”. Y eso implica superar las paredes de esa caja donde tratamos de mantenernos a salvo con aquello que ya sabemos.

“It’s not possible to know what is impossible” (“No es posible conocer lo que es imposible”). Así de claro, aunque para conseguir que esto sea realidad, Internet puede ayudarnos como nunca antes lo habían hecho otras herramientas innovadoras.

El acceso al conocimiento es hoy más fácil que nunca antes, y quizás, lo que falte sea “trabajar de forma efectiva juntos”, participando y sacudiéndonos esa manía de buscar ante todo la armonización.

Para Richard Rowe, el proceso educativo debe basarse en “aprender, descubrir y crear algo que nunca ha existido”, pasando de la estandarización a la personalización, donde la tecnología ayuda a que los niños aprendan de verdad, a crear su propia educación, a definir sus principios, porque, como apuntó Mario Pena, responsable de desarrollo de negocio en Safe Creative, “los niños nos enseñarán el futuro, y no lo harán desde las escuelas, sino fuera de ellas”.

Hay que dejar volar esa creatividad, esa capacidad para generar ideas mejores que las nuestras, a establecer diálogos, y eso difícilmente será posible cuando en el sistema educativo se consideran a las asignaturas relacionadas con el arte, el pensamiento o la creatividad como temas secundarios frente a las matemáticas o la formación técnica.

En el mundo existen 1.800 millones de niños menores de 15 años y solo el 9% de ellos viven en lo que conocemos como países desarrollados. ¿Realmente creemos que no tenemos oportunidades? Ese mirarse el ombligo y no ver más allá es lo que motiva nuestra propia decadencia, algo de lo que bien sabe Manuel Maqueda, visionario y economista que ayuda a start-ups sin ánimo de lucro en Silicon Valley.

“Estamos perdiendo la facultad de ser críticos y eso nos llena de muchos elementos nocivos para nuestros cuerpo, para nuestra mente”, dice Maqueda en una presentación compuesta por una sola diapositiva de un albatros muerto por ingerir plásticos y todo tipo de desperdicios.

Hay que aprender a vivir con nuestras contradicciones, con los miedos que tenemos, a ser capaces de afrontar el fracaso, las ocasiones en las que tendremos que recuperarnos de nuestros errores, porque solo así aprendemos a resolver los problemas, no solo a quejarnos por ellos. Maqueda insiste en que debemos ser “radicales”, según la etimología latina (“ir a la raíz, a la base”), para encontrar la solución a todos nuestros problemas, pero volviendo al principio, a la raíz, a la creatividad y la pasión por llegar a ella, a lo que motiva ese cambio que tanto se pide.

La tecnología abre una oportunidad para conseguir generar esa empatía, esa participación, para ser la energía que mueva el cambio, pero se debe hacer sin miedo. Por eso hay una idea que también define esa sensación de sacudida intelectual: “Si no estás preparado para equivocarte, tampoco lo estás para ser creativo”.

¿Alguien ha oído hablar del síndrome de ‘no lo he hecho yo’? Afecta a una buena parte de la comunidad creativa y su efecto es el rechazo general a todo lo que hacen los demás. La otra enfermedad de la gente creativa de España es el síndrome del ‘guiri’, al menos en el sector en el que yo me muevo, el branding, aunque supongo que ocurre en todos.

En este mercado, el síndrome del ‘guiri’ se manifiesta generalmente en clientes grandes y podría enunciarse como una ley física: La credibilidad de una recomendación realizada por un consultor es directamente proporcional a la distancia entre la oficina en la que trabaja habitualmente y la oficina del cliente, siendo la constante de proporcionalidad mayor en el caso de procedencia anglosajona.

Si un consultor español dice: “Creo que en su caso una arquitectura monolítica sacará mejor partido de sus patrocinios internacionales y facilitaría la gestión”, el cliente suele pedir un informe de 400 folios con una justificación. Si lo dice un consultor británico o americano, el cliente suele decir “Amén”.

No me malinterpreten. Las multinacionales proporcionan a veces un alto valor añadido. Hay herramientas y metodologías (valoración de marca, innovación, investigación, etc.) que se pueden mantener gracias a la economía de escala, y disponen de una red donde hay especialistas tanto en mercados (energía, banca, servicios, etc.) como en disciplinas (arquitectura de marca, estrategia, naming, etc.) que se pueden mover con cierta libertad para dar la mejor solución a los clientes, a un coste a menudo inviable. Pero tenemos talento cercano que muchas veces se menosprecia por ser ‘madre in Spain’.

Muchas veces he bromeado con la posibilidad de acudir a las reuniones con una marioneta que hable en inglés o en un mal español, como si fuésemos José Luis Moreno. En América Latina, sin embargo, ser español proporciona cierta credibilidad añadida.

Y con la indumentaria y el aspectos físico en general ocurre lo mismo. Cuando de presentar creatividad se trata parece que hay que ir a ver al consejero delegado con un director creativo vestido con unas Converse naranjas y unos vaqueros rotos.

Me encanta ver la serie Mad men, donde Don Draper, impecablemente vestido y peinado, presenta conceptos creativos sin necesidad de aumentar su credibilidad disfrazado de cantautor. Es responsabilidad del cliente, y propio de personas inteligentes, ser capaz de valorar los conceptos de forma objetiva.

Luis Manzano es socio fundador de Soulman

Fotos de Isma Monfort reproducidas bajo lic CC

En el mundo paralelo de Ze Frank, hay un niño atrapado en el cuerpo de un adulto que en su afán por mantener vivo el espíritu Peter Pan, lanza experimentos que exploran nuestra forma de actuar en el mundo digital. Sus trabajos ahondan en el espíritu colaborativo y anónimo de la Red para producir pequeñas piezas que alimentan la colaboración y la convivencia siempre con una dosis de humor. En su ponencia en MadinSpain, Frank hizo un repaso a sus trabajos en la última década.

Su conclusión, tras todos estos años lanzando acciones digitales, es que ser popular es fácil, pero crear verdaderas conexiones en Internet cuesta mucho trabajo.

How to dance properly

Esta acción fue la mecha que prendió la curiosidad de Frank por Internet en 2001. Según cuenta, fue una invitación de cumpleaños y que envió a 17 amigos. Una semana más tarde contaba con más de un millón de visitas. “De aquí me empezó a fascinar como interactúa la gente en Internet y el poder de la viralidad”.

Lo que sigue es una vorágine de acciones.

Frank crea una rana que reacciona a sonidos:

Elabora el primer bocadillo planetario: “Hice un llamamiento a mi audiencia para crear el primer sandwich en la Tierra, que consistía en coger un trozo de pan, ponerlo sobre el suelo y hacer lo mismo en un punto situado exactamente en el otro lado del mundo. El primer ‘Earth Sandwich’ se realizó entre Madrid y Nueva Zelanda”.

Lanza una aplicación con consejos para impresionar en una cita y convierte estaforma de contar historias en una serie.

Desarrolla un programa para convertir garabatos en obras de arte:

Resume las religiones en sencillos juegos:

Christian

Buddhist

Atheist

Y un sinfín de acciones que cuelga en su web.

Pero a pesar de generar millones de visitas y recibir miles de correos, estas experiencias se le quedaban cortas a Frank. Fue entonces cuando empezó a buscar experimentos que involucraran más a sus seguidores.

Empieza a buscar más interacción con las personas. Son esas mismas personas que le abren la puerta a cambiar la naturaleza de sus obras. Inspirado por el psicólogo vitalista Martin Seligman, empieza a hacer acciones positivas para ayudar a las personas.

“Me escribió un seguidor diciendo que su hija no podía dormir por la noche porque tenía miedo, así que la escribí una canción. Unos días después me respondió su padre diciendo que la había escuchando cantando la canción antes de meterse en la cama”.

En otra ocasión una chica llamada Laura mandó un email a Frank pidiendo una canción para ayudarla a salir de un momento complicado en su vida. Grabó un tema y pidió a su audiencia que grabara sus propias versiones. Con todas las versiones que le llegaron, cogió y creó una canción colaborativa con esas bases y le alegró la vida a más de uno.

Patear culos

En su Myspace le llegó un mensaje de un hombre con una dedicatoria cantada para su hija que estaba viviendo mucho estrés en su trabajo. Frank cogió el segmento y pidió a sus seguidores que lo convirtieran en una canción. Le llegaron muchas remezclas pero no sabía como contactar con ese hombre anónimo, así que pidió a su audiencia que le ayudara a encontrarlo. En dos días ya habían conseguido dar con esa persona, un predicador de St. Louis.

Frank cogió un avión y fue a conocerle para llevarle las canciones en persona, un “himno para las personas que están teniendo un mal día en el trabajo”.

52 to 48:

Tras presenciar la crispación que se generó alrededor de las pasadas elecciones presidenciales en EEUU, diseño una página para enviar fotos de familiares y amigos que votaron por distintos colores políticos. Días más tarde ya había recibido miles de fotos respaldando la iniciativa, un mensaje colaborativo a favor de la unidad y la colaboración entre todos.

Angrigami:

Pero el experimento no acabó allí. Un blog de extrema derecha reseñó la acción 52 to 48 y Frank acabó recibiendo  amenazas de muerte. “Me deprimí pero me dio la oportunidad de pensar en otra cosa. Para ayudar a digerirlo, cogí todos esos mensaje negativos, los subí a la web en un documento descargable y pedí que las personas los convirtieran en piezas de origami”.

Y así, Ze Frank sigue trabajando incansablemente para pensar en formas de introducir la humanidad en nuestras vidas digitales. Este niño atrapado en el cuerpo de un adulto está decidido a no perder jamás la ilusión. No necesita grandes presupuestos ni gráficos complejos. Lo suyo son ideas que transcienden y unen a las personas.

El mundo, no como ente geográfico, sino como unidad humana de conocimiento y de experiencias, está hilado a base de retazos en el cada ser humano contribuye con una aportación única y decisiva. Millones de pequeñas porciones conforman y vasto puzzle que empuja al desarrollo de la civilización. Quizá por eso, porque el todo está formado por partes valiosas, Léptica se ha establecido de la manera en que lo ha hecho, como un mosaico artístico y cultural que reúne sueños, desdichas, certezas y fantasía para dar forma a una plataforma de creación colectiva que no deja de crecer cada día.

Léptica es texto, es imagen -congelada y en movimiento-, es una paleta de sonidos que dan fe del universo existente en nuestro entorno. Todo ello como una estructura que se sigue construyendo con la adición de nuevos elementos. Y nace de la imposibilidad de permanecer quieto e inactivo. Y lo hace con licencia Creative Commons, para que todo el mundo pueda sumarse a la canción.

No contentos con montar una plataforma colectiva cuya filosofía bebe directamente de los postulados con lo que se establece el conocimiento en internet, Léptica acostumbra a salir a la calle, en constante lucha contra cualquier tipo de agorafobia y con las ganas de contar a todo el mundo que el activismo es arte y que el arte es para todos. Eva Aro, la coordinadora del proyecto, cuenta por qué vierten su confianza en la creatividad del pueblo llano.

¿Me podéis decir cómo surge la idea de crear Léptica?

Léptica surge de la necesidad de reflexión, acción y creación participativa, pretendemos fomentar el dialogo y la creación libre a través de internet. Entre un grupo de amigos hemos iniciado una revista digital cuyo contenido es creado por los propios usuarios bajo licencia Creative Commons, y que a través del planteamiento de diversos conceptos fomenta la participación activa de los usuarios dejando a su disposición una revista creada entre todos. Partiendo de las ideologías y las visiones individuales queremos formar una red que ayude a comprendernos a nosotros mismos a través de los demás.

La idea era escribir sobre cosas concretas desde diferentes puntos de vista mezclando los conceptos de blog, perfil y wiki. Después, se fue transformando en una revista sin editorial en la que los propios usuarios decidían con sus votos qué artículos eran los más interesantes para incluirse en la revista. A partir de aquí, han ido surgiendo diferentes proyectos, todos ellos relacionados con el concepto de creación colectiva y libre expresión e interpretación del arte y la cultura en todas sus vertientes.

Hemos saltado de la red a la calle en varias ocasiones y, nuestra idea, es extendernos a otros formatos, como el audiovisual, ya que nuestros próximos proyectos son un programa de radio, que empezaremos en junio, y un concurso de micrometrajes, que estamos planteando para el próximo otoño, a través de estas nuevas herramientas queremos seguir experimentando con modelos de participación, colaboración y creación de obras comunes.

¿Cómo definiríais el proyecto?

Léptica es una plataforma online autofinanciada de creación libre, que nació hace poco más de un año y cuenta con, aproximadamente, 400 usuarios, los cuales pueden publicar todo tipo de material creado por ellos mismos. Se genera así una especie de wiki del arte y la cultura formada por personas de todo tipo, clase y gustos que interactúan entre sí dando como resultado obras comunes bajo licencia Creative Commons.

En ella, los usuarios pueden generar artículos, ilustraciones, fotografías, vídeos y sonidos en torno a los temas, que se proponen como obsesiones sobre las que reflexionar, pudiendo elegir entre diferentes categorías, como microrrelato, ilustración, cine, arte, música, antropología, paisaje, videojuegos, etc. Estas categorías sirven para estructurar el organigrama entrecruzado en el que se basa la plataforma. A su vez, la gente puede añadir material a las creaciones publicadas aportando su punto de vista y generando todo tipo de variantes que pretendemos se extiendan cada vez más.

Léptica es una revista en blanco, escrita por los usuarios con material creado por ellos mismos, en la que los relatos se dibujan, hablan y brillan. Una plataforma de cultura formada por obras de arte creadas en común, que sigue creciendo y cuyo contenido es libre de ser difundido y extendido por la red.

La palabra “Léptica” viene de organoléptico: “la propiedad de un cuerpo que se percibe por los sentidos”. Nosotros lo vemos como un modo de filtrar y absorber todos los estímulos que recibimos del exterior, interpretándolos desde nuestros sentidos y creando a través de ellos.

Durante este año, hemos editado 6 revistas digitales, 3 de ellas también en papel, en las cuales se ha recogido lo más votado y seleccionado por los usuarios, ahora vamos por la séptima que saldrá a lo largo de la semana que viene, y planteamos seguir desarrollando la web para que se convierta en una plataforma intuitiva y rápida, en la que cualquiera pueda acceder de la forma más sencilla posible. Hasta ahora, hemos realizado diferentes performances, en las que hemos involucrado al público a pintar, dibujar, escribir y crear en cualquier formato posible, y hemos contado con gran variedad de artistas que se han mezclado entre vídeos, relatos, imágenes, sonidos, pinturas, masajes y escenografías, llegando a crear pequeños mundos utópicos y nuevas realidades comunes.

¿Cuál es el perfil de gente que participa? ¿Hay algún sistema de filtro para seleccionar el contenido que os envían?

El perfil de gente que participa en Léptica está abierto a todo tipo de personas. Lo único que tienen que tener en común es su interés por expresarse sobre los temas que les proponemos. Además, no existe ningún tipo de filtro, ya que los usuarios sólo tienen que registrarse para poder subir sus textos, fotos o ilustraciones y éstos son publicados automáticamente en la web. A la hora de maquetar la revista, utilizamos los artículos más votados que pasan por una revisión formal. A su vez, estamos desarrollando una plataforma de actualidad, donde se podrá reflexionar y actuar a través de la red siempre de forma libre y colaborativa.

¿Cuál es el modelo de negocio? ¿Cobra algo la gente que aporta contenidos?

En realidad no tenemos ningún modelo de negocio, porque no concebimos la plataforma como un negocio sino como una comunidad que pretende sacar el artista y creador que cada uno llevamos dentro, una utopía que queremos seguir manteniendo y fomentando. Queremos generar un red cultural y artística en la que todo el mundo pueda participar y tenga voto, queremos difundir lo más posible la plataforma y estructurar una base de datos para que cualquiera pueda encontrar y utilizar los contenidos que los usuarios generen dentro de ella. Hemos conseguido financiación presentándonos a subvenciones y así es cómo hemos podido imprimir las revistas y pagar los materiales que hemos utilizado para las distintas performances. Aunque, si hay que cubrir gastos, cada uno lo pone de su bolsillo. Nuestra idea es, quizá, poder incluir algo de publicidad o aportar mensualmente una pequeña cantidad a modo de suscripción, pero todo esto es sólo una idea porque de momento pretendemos seguir presentándonos a subvenciones que nos permitan seguir siendo libres de hacer los que más nos guste.

¿Y el futuro? ¿Hacia dónde apuntáis?

La idea es que se gesten dentro todo tipo de proyectos. Los más inminentes son seguir mejorando la web, iniciar la plataforma de radio y generar concursos y performances participativas que continúen nuestro concepto de acción en la calle, queremos traducirla al francés y al inglés para poder seguir creciendo y traspasando fronteras.

Durante mucho tiempo la consigna ha sido: “La rutina es enemiga de la creatividad”. Muchas compañías, incluso, fomentan los cambios de equipos e incluso de espacio donde trabajan sus empleados para que su creatividad no quede encerrada entre los hábitos, los lugares, las personas y los horarios de siempre.

Un ejemplo de esta filosofía se encuentra en El Cuartel. Esta agencia de publicidad ubicada en Málaga cambia a sus empleados de sitio cada seis meses para que sus referencias visuales no sean siempre las mismas y la persona que tienen al lado tampoco se perpetúe hasta el fin de los tiempos.

Este ha sido el consejo de muchos coach y educadores. Sin embargo, puede que no todas las formas de rutina acaben convirtiéndose en un hacha para la creatividad. Las rutinas personales, incluso las manías de muchos individuos y, especialmente muchos artistas, facilitan su trabajo creativo.

El coach especializado en emprendedores, creativos y artistas Mark McGuinness defiende esta teoría en un artículo titulado ‘Cómo las rutinas mundanas producen magia creativa’.

“Esto suena así como que en tu rutina mañanera, te sientes en buena compañía”, dice el coach. En su artículo, asegura que, durante años trabajando como coach, ha escuchado la misma historia de cientos de creativos.

Una historia que se ha convertido en una de las grandes paradojas de la creatividad. Los trabajos de imaginación más extraordinarios son creados, a menudo, por gente trabajando en su predecible rutina diaria. McGuinness cita, incluso, un blog dedicado a los rituales de escritores, artistas y creativos.

“Repitiendo la misma rutina cada día, todos estos creadores están hipnotizándose, alterando deliberadamente su estado de consciencia con el fin de acceder a un estado mental más profundo que los permite trabajar su magia creativa. Los distintos elementos de su rutina se acaban asociando con su estado mental creativo, de forma que pueden volver a entrar en él simplemente repitiendo los mismos pasos de la rutina”, explica el coach.

El acceso a ese estado mental creativo se alcanza fácilmente siguiendo estos pasos, según McGuinness:

– Hacer algo único (o una serie de cosas) que solo asocias a tu trabajo creativo. No debes asociarlo con ninguna actividad distinta.

– Imprimiéndole intensidad emocional (el tipo de experiencia que experimentas cuando estás realmente inmerso en el trabajo creativo).

– Repetirla. Cuantas más veces sientas este desencadenante, más fuerte será la asociación entre esos rituales y el estado mental creativo.

Esto incluye asociaciones como el té o café que tomas cada mañana, la música que escuchas, el lugar donde trabajas, la ropa que usas, las libretas que empleas (McGuinness aconseja no mezclar una lista de tareas con un cuaderno para hacer borradores)…

“Y la próxima vez que estés en la cola esperando tu café de la mañana, junto a otras personas con actitud de encarar otro día rutinario, siéntete afortunado de que tu rutina diaria es un trampolín a la inspiración”, concluye McGuinness.

¿Cuáles son tus rutinas?

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Foto de Kodomut reproducida bajo lic CC

A finales de 2009, Guy Shield llevaba ocho años con su novia y en un viaje a París se dio cuenta de que quería pasar el resto de su vida con ella. Pero recurrir a una pedida de mano tradicional se le quedaba corto, así que se puso a pensar cómo unir su oficio (ilustrador) con una buena idea para hacer la pregunta del millón. “El plan fue crear una serie de imágenes que podía hacer en casa sin suscitar sospechas de mi novia. Individualmente actuaban como momentos irrelevantes y mundanos pero cuando las juntas se lee la pregunta ¿te quieres casar conmigo?”, cuenta Shield.

Durante los siguientes meses, el ilustrador australiano se puso a trabajar y logró que pasara desapercibido ante su pareja. “La impresión final tenía más de 2 metros y medio, y tenía que doblarse perfectamente. Mi intención era ponerlo en la cama del hotel y que ella lo doblara para revelar el mensaje”.

Ahora solo faltaba un sitio para presentarlo. Se aceraba el cumpleaños de su novia y para celebrarlo se iban a Bali. Esto –pensó Shield– sería el momento perfecto para presentarlo. “Cuando llegó el día, estaba al borde de un ataque de nervios. Entró en la habitación y la pedí que doblara la ilustración. Escondido en un sobre estaba el anillo. Naturalmente, no funcionó exactamente como pensaba y no lo entendió al principio. Así que la ayudé a doblarlo de forma patosa, como un abuelo intentando componer una estantería de IKEA”.

A pesar de la tensión, el trabajo tuvo sus recompensas. El plan funcionó. “Después de regañarme por haber sido tan cursi de haberle propuesto matrimonio en Bali, me dijo: Por supuesto”, ríe Shields. “Me podría haber conformado con presentar un anillo y lanzar la pregunta pero no era como quería recordar ese momento”.

El trabajo tuvo algo de repercusión a raíz de un post en el blog de Shield en diciembre de 2009 pero ha vuelto a recibir atención después de que Behance lo publicara en portada la semana pasada.

El resultado final

¿No te sentiste un poco raro por compartir algo tan personal con el mundo?

Lo fue al principio pero ya no me resulta raro. Tenía una historia que contar, así que pensé ¿por qué no compartirlo? La respuesta ha sido tan positiva que de alguna forma ha cambiado el significado del proyecto para mí.

¿Los restaurantes y personas que aparecen en las ilustraciones tienen algún significado?

No. Surgieron todos de mi imaginación y no tienen un significado. Quería hacer piezas que tuvieran suficiente interés para no suscitar sospechas cuando trabajaba en ellas. Fue mi forma de ser crítptico.

Echando un vistazo a tu portfolio, parece que tienes un estilo bastante definido. No tiras mucho de la tecnología…

Podrías decir eso pero no es del todo cierto. Utilizo lápiz para la mayor parte de las cosas. Si hay poco tiempo, dibujo de forma digital, pero me encanta ensuciarme los dedos y meterme en el lado físico de dibujar. Algo se pierde en la transicción a digital. Hay menos calidez. Mi estilo es muy importante para mí pero es algo con lo que juego constantemente. Creo que hay una madurez en mi trabajo a pesar de tener cualidades de dibujos animados y tiene mucha inspiración de otros artistas. No es único pero es un estilo con la que me siento más comodo a medida que pasa el tiempo. Al final estoy feliz por poder dibujar.

Si aún no la tienes, te recomiendo que busques urgentemente a alguien que pueda contagiarte. Atraca un laboratorio contaminado de antígenos contra el no. Rompe probetas y aspira inmediatamente los reflujos que te ayuden a contaminarte de la enfermedad más sana del mundo. Rebélate contra el NO.

Esa palabra maldita que asesina los proyectos antes de empezarlos. Esa expresión de banquero de sucursal que está programada para repetirla ante cualquier solicitud de crédito.

Ese saludo anterior al hola cuando entras en un edificio público a enfrentarte a un funcionario que jamás va a sentirse apiadado de quien colabora con parte de lo que gana para que el primero siga ganando. A quien por supuesto no debe pleitesía, pero sí un servicio excelente, económico y eficaz.

El NO es la palabra que más escuchará un emprendedor a lo largo de la travesía. No vayas por ahí, no nos convence tu oferta, no estás en el camino correcto, no estás en precio, no tenemos presupuesto esta vez, no para este año, no, no, no…

Son adictos al NO. Tú eres alérgico, recuerda, pero los enfermos son ellos. Muy enfermos, terminales. Pobres.

A ti no te afecta porque eres alérgico a ese virus. En cuanto se acerca a ti, tu mente reacciona sabiamente y lo ignora, lo anula. Tú eres un emprendedor.

Los enfermos pintan pancartas y bloquean aeropuertos pensado que los alérgicos al NO vamos a seguir pagándoles sus dietas, sus días moscosos, sus horas extras mientras nos chantajean con sus huelgas salvajes.

El NO destruye sueños e ilusiones, aspiraciones, invenciones, avances de la humanidad, patentes, felicidad y bienestar. El NO arruina más vidas que la bomba atómica, que un tsunami o un terremoto.

Convierte a vivos en muertos vivientes, carentes de ilusión, de aspiraciones y de deseos de superación.

La responsabilidad de arreglar esto es de los alérgicos, mejor dicho, de los inmunes. No nos vamos a contaminar, somos luchadores, no parásitos. Crearemos empleo y prosperidad cuando se den las circunstancias. Y, si no podemos aquí, lo haremos lejos de aquí. Somos así. Nuestra inmunidad traspasa fronteras y es un motor que nos lleva a empezar y empezar contra viento y marea donde quiera que se den las circunstancias.

Así es la inmunidad. Pero, paradojas de la ciencia, los alérgicos e inmunes en muchas ocasiones tenemos que aprender la dura lección de saber decir NO.

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Este artículo publicado en el número de abril de Yorokobu.

Foto de Portada: The G reproducida bajo lic CC.

Advertencia: En este post vas a leer unas 10 veces la palabra “creatividad” o algún otro término hermano. Si te interesa el tema, sigue adelante (puede que acabes montando un stand en una feria). Si no te interesa, puedes leer otro artículo (te recomiendo este, por ejemplo).

El club de creativos (1) celebra este año la octava edición de su Día C. El año pasado hizo un experimento y la cosa salió redonda. Hasta entonces el evento tenía un único foco de atención y estaba en las personas invitadas que iban hablando, a lo largo del día, en el escenario principal.

El año pasado fue distinto. Estaban los grandes en el escenario, como siempre. Alex Bogusky, Ferran Adrià o Enric Ruiz-Geli. Pero aquella vez a su alrededor había una serie de ‘casetas de la innovación’ en las que se presentaban productos de interés para el trabajo de un creativo (2). Innovaciones tecnológicas, novedades editoriales, proyectos artísticos…

La iniciativa se llevó tanto halago que el cdec ha decidido repetir. Este año, los días 1 y 2 de abril, en Zaragoza, volverá a haber casetas. En ellas estará el estudio de arquitectura del nuevo elBulli, Cloud 9; una compañía que ha desarrollado un software para ver en una misma ventana hasta cuatro navegadores distintos; un espacio de masajes; un stand de Index Book con novedades editoriales; un mercadillo con complementos inclasificables como ‘clásicos’; un stand de la Tienda del Cad que presentará nuevas aplicaciones…

En la feria de este año aún queda espacio y el cdec sigue buscando propuestas. Las casetas están abiertas a compañías y también a particulares. “Es una carta blanca ofrecida a los creadores (3) interesados en contactar con los creativos (4) publicitarios”, aseguran desde el cdec. En el caso de que la propuesta sea aceptada por el club de creativos (5), el individuo o colectivo podrá disponer de un espacio en la feria para montar su instalación.

Hemos hecho un gran esfuerzo y, al final, no han sido 10. Solo has tenido que leer la palabra “creatividad” o algún derivado 5 veces.

No es común imaginar el aspecto que tiene una película comprimida en un espacio de poco menos de 1.000 píxeles, pero por si acaso, siempre hay alguien por allí dispuesto a resolver los dilemas existenciales que persiguen, día tras día, a la existencia humana. MovieBarcode es el divertimiento de un cinéfilo anónimo que se hace llamar IDontBelieveYou, que se dedica a colgar películas resumidas en un solo fotograma. Enterarte de la trama o la historia de cada película que se sube es una tarea complicada, pero si ofrece una forma interesante de analizar los colores según se desarrolla la trama.

Bambi (1942)

Blancanieves y los siete enanitos (1937)

Alicia en el país de las maravillas (1951)

Matrix (1999) (Una película decididamente verde…)

2001: Una Odisea del espacio

Amélie (2001)

Shinboru (2009)

Kill Bill 2 (2004)

Raging Bull (1980)

Slumdog Millionaire (2008)

Visto en: Reddit

No sé cuántos creativos publicitarios hay en España pensando ahora mismo cómo resolver su próximo briefing. ¿2.000?, ¿3.000?, ¿5.000 profesionales?

Unos cuantos. Y muchos, seguro, dotados con gran talento. Pero el trabajo que hacen -o que hacemos- no le gusta a le gente. Llevamos décadas interrumpiendo películas, ensuciando fachadas, llenando de basura los buzones, exagerando, gritando, inventando ficciones alejadas de la gente o hablando de cosas sin interés… ¿A quién puede gustarle eso?

A nadie.

No sé cuántas personas hay en España compartiendo ahora mismo, desde su ordenador de casa o del trabajo, divertidas anécdotas, historias emocionantes, vídeos con extraordinarias casualidades, o fotos de gatos. ¿1 millón?, ¿dos?, ¿diez?

Unos cuantos. Y de entre todas esas historias, aunque sólo sea por probabilidad, algunas de ellas sobresalen. Y conectan con la gente. Les entretienen, les divierten, les emocionan, les interesan.

Cada vez son más y hablan más entre ellos. Y a nosotros cada vez nos prestan menos atención.

¿Cómo competir por la atención? Yo creo que no podemos. Lo hemos hecho tan mal durante tanto tiempo que nos hemos ganado a pulso la marginación y el ostracismo.

No podemos imitar su espontaneidad. Pero podemos tratar de entender a los espontáneos. Dialogar con ellos e incluso comportarnos como si fuéramos como ellos: personas. Para que vuelvan a tratarnos como personas y dejen de vernos como intrusos.

Eso es lo que hemos intentado hacer con Lucas Jatobá.

Lucas es un brasileño que vivía en Barcelona. Para despedirse, tuvo una maravillosa idea: soltar media docena de globos con entradas para una obra de teatro, agradeciendo así los buenos momentos que pasó en la ciudad . Lo grabó en vídeo, lo colgó y lo compartió con sus amigos. Era una idea perfecta para Atrapalo, uno de nuestros clientes. Así que le propusimos volver a rodar el vídeo y facilitarle cientos de globos para que pudiera despedirse a lo grande de toda la ciudad:

Por primera vez, trabajamos una idea que no era nuestra, sino de Lucas, que es quien la firma. Y Atrápalo invirtió en un proyecto que no era suyo, sino de Lucas, que es quien lo firma. Qué caso tan raro.

Tanto que algunos usuarios comentan que no saben si es publicidad; unos pocos dicen que si esto es publicidad, ya no les gusta –tal vez sea muestra del odio que el marketing ha despertado en ellos durante tantos años de mal comportamiento-; y la mayoría, afortunadamente, admiten que sea o no publicidad, les encanta.

Me gusta pensar que cada vez veremos más casos como éste, en el que los verdaderos “creativos” serán los usuarios y “la gente de la agencia” nos dedicaremos a cazar oportunidades y recomendar a las marcas no qué decir, sino cómo comportarse.

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Jesus Revuelta es Senior Concept Writer en DoubleYou y autor del blog Viendo Vídeos

El artículo se público originalmente en el blog Viendo Vídeos.

¡Se nos va la oportunidad! Bueno, al menos es mi opinión. Parece frívolo el comienzo cuando lo razonable en estos tiempos es hablar de la crisis y sus consecuencias, pero es que yo eso ya lo tengo asumido e interiorizado, con todo el dolor que a nuestro alrededor está generando, pero necesito seguir viviendo, así que prefiero seguir soñando y, si lo hago con intensidad y trabajo, seguro que descubro nuevas oportunidades para mí, para mi cliente, para mi empresa o para la sociedad en general.

Y la pérdida de oportunidad la veo en lo que no se está haciendo. Se habla mucho de recetas, pero los ingredientes son los de siempre, anteriores a la crisis, como si no hubiéramos aprendido nada. Mucho foco en lo evidente, control de costes, lo que significa menos recursos, menos fuerza comercial y de marketing, menos tecnología, “anorexia directiva” en muchos casos. ¿No será el momento de ganar clientes?, ¿de ganar experiencia?, ¿de formarnos en lo nuevo? o ¿seguimos con el resultado a corto, como siempre?

Las empresas que están tomando la iniciativa en estos momentos son las que se están reinventando, buscando alternativas, eligiendo nuevos modos de mirar al mundo, a su cliente, aprovechando el momento para descubrir su verdadero talento, que es cuando hace falta, y mucha, mucha imaginación.

En este momento se precisa un nuevo modelo de directivo que sea capaz de gestionar el talento para descubrir nuevo talento, y que acuda a la creatividad, para que, desde la observación de la realidad que le toca vivir, desarrolle nuevos formatos, productos, servicios, innovación en todo el proceso, desde la idea hasta el prototipo y servicio final. Algo que con mucha fuerza está creciendo en empresas punteras en todo el mundo bajo modelos de “design thinking”.

En definitiva, ¡descubramos al nuevo directivo! que gestione el negocio con un nuevo binomio, TALENTO-CREATIVIDAD. Y no es sencillo; para lo primero, hace falta mucha generosidad. Existen directivos con talento, pero escasean en este grupo los que además desarrollan y encuentran nuevo talento. Es necesaria otra mirada, intuición, respeto… y generar gran confianza en los equipos para que esto se produzca, algo no muy arraigado en nuestra cultura. Para lo segundo, no estamos formados, aunque por naturaleza seamos creativos. Una cosa es ser creativo y otra muy distinta es que tu organización cree a partir de modelos de pensamiento, donde te ves obligado a salirte de lo conocido para explorar las orillas de tu actividad, para pensar lo que ni tu cliente te ha dicho que necesita, pero tu trabajo de observación te ha permitido encontrar.

Leía este verano un libro que recomiendo encarecidamente, “El cerebro nos engaña”, de nuestro prestigioso científico Francisco J.Rubia. En su estudio está presente permanentemente la idea de que nacemos marcados por un “operador binario” situado en el hemisferio dominante, el izquierdo La mentalidad analítica, lógico-matemática característica del hemisferio izquierdo, es dualista por naturaleza, divide el mundo en términos antinómicos; bien-mal; cielo-infierno; moral-inmoral, etc.

Quizás toquen tiempos de más hemisferio derecho; mas global, holístico, donde encontraremos nuestras capacidades más creativas y emocionales. La emoción es la que nos aportará la energía necesaria para ilusionarnos y motivarnos en este cambio.

No es sencillo el viaje propuesto, estamos entrenados en otras capacidades, para otros escenarios. Nos toca desaprender algunas recetas, algunas creencias que ese código binario nos ha ido dejando en nuestra memoria, y empezar el aprendizaje de nuevas habilidades, más emocionales, más creativas. Y como no es sencillo, he titulado el artículo HUMANIZ-ARTE, porque el nuevo Directivo tiene que encontrar nuevas “esencias” y entrenarse en ellas.

La responsabilidad es de todos, de la sociedad, para que cree el clima y genere políticas que incentiven esta reconversión del alma de muchas empresas y directivos; de las propias empresas, para tener la valentía de invertir en estos tiempos en talento e innovación, de los centros de excelencia y escuelas de negocio, para adaptar sus modelos de aprendizaje hacia los nuevos valores; y de cada uno de nosotros, para ilusionarnos en aprender nuevas partituras con las que componer nueva música… quizás con otro instrumento diferente al que solíamos tocar, quizás.

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Este artículo fue publicado en Yorokobu en el mes de octubre y por error figuraba como autor Humberto Matas. El verdadero autor es Eduardo Sicilia Cavanillas, Director del Executive MBA de EOI

We Are Social, una agencia londinense especializada en Social Media, recibió este currículum recientemente que le da mil vueltas al papelajo y la foto de DNI de toda la vida. 

El vídeo, creado por Graeme Anthony, un relaciones públicas inglés que busca empleo, empieza con una breve introducción narrada por él mismo y posteriormente te permite acceder a diferentes secciones de su currículum de forma interactiva. Recuerda un poco a las campañas estilo elige tu propia aventura.

We are Social no ha podido ofrecerle un puesto de trabajo pero es probable que no tarde mucho en encontrarlo con esta acción.

Otros ejemplos creativos de busqueda de trabajo:

Enlaces patrocinados para conseguir trabajo

Una campaña para ser copy en Remo

Disfraz de cerrajero en vez de currículum

Oliviero Toscani, fotógrafo, artista y pensador, dedicó una parte de su ponencia en Campus Party a responder a la pregunta ¿Qué es la creatividad?

Esta fue su respuesta:

La creatividad es un excedente de inteligencia y sensibilidad. Es la oportunidad que yace entre nuestro cerebro y nuestro corazón.

La raza humana se divide en dos categorías. Gente que es creativa y gente que no lo es. Yo los llamo humanos e infrahumanos. La creatividad es el nacimiento, la fuerza divina, la generosidad. La creatividad tiene que ser visionaria y subversiva. Debe incomodar e impulsar nuevas ideas y conceptos. Tiene que cuestionar estereotipos y antiguos modelos.

Todo desde la educación hasta la religión tiende a limitar la energía creativa que está dentro de nosotros. Es raro conocer a gente realmente creativa. Son una minoría reducida.

Demasiados de nosotros creemos lo que nos dan los medios. Somos una pandilla de ovejas. Hay una minoría que no tiene miedo a ser creativos.

Los burócratas de este mundo bloquean las ideas que no son lo suficientemente estúpidas para crear consenso. Diferentes marcas proponen estilos idénticos.

¿Qué esta pasando con nuestras creencias creativas?

La investigación de mercados o la falta de valentía para invertir en ideas es un signo de la agonía constante que sufre la creatividad. Gente creativa tiene que defenderse constantemente de los burócratas y los poderosos. En realidad ellos deberían ser los que tienen que defender su falta de creatividad y valentía. Defender esa posición de acusador y censurador.

El éxito siempre ha estado ligado a la gente creativa. Todo el mundo sabe quien hizo la Capilla Sixtina. Nadie se acuerda del burócrata (que en este caso era el Papa) que lo encargó.

El poder necesita arte para imponerse y el arte necesita el poder para expresarse. No tenemos que tener miedo al mercado.

Hoy en día, la creatividad esta condicionada por un excesiva búsqueda del consenso.

Esto es el error más grande que podemos cometer. El miedo al fracaso produce mediocridad porque la solución siempre será la menos arriesgada y la más banal.

Hacer algo que simplemente ‘funcionará’ es lo más aburrido que puede hacer uno. Nuestra obsesión por el crecimiento de las acciones en bolsa nos nubla la vista.

¿Cómo podemos ser tan banales y estúpidos que llamamos al público un target?

Yo me siento insultado. No hablan mi idioma. La comunicación se esta utilizando para proporcionar mensajes que contaminan nuestra vida.

Lo único que falta es más valentía. Cualquiera que no toma riesgos no es creativo.

Nos estamos volviendo muy vagos. Delegamos lo que deberíamos crear nosotros mismos.

La comunicación hoy en día es como un collage. Sin contenido, artificial, infinitamente copiable basado en una memoria de adicción. Dulcifica nuestras necesidades falsas. No tienen cualidades que perviven en el tiempo.

Es un sustituto por el amor. La comunicación de glutamato monosódico tiene un sabor muy rico pero posteriormente nos hace sentir pesados y da dolor de cabeza.

¿Aspiramos a un mundo donde ser diferente significa estar marginado?

La marca es una tarjeta de membresía que significa que formamos parte de una carrera global contra la mortalidad. Las marcas se nutren de la sociedad y no viceversa.

Los medios han sido esterilizados. Reproducen una monocultura. Un sitio donde Disney y el esperma están congelados. La comunicación se nutre de la gente que debería nutrir y degenera en una línea de manipulación económica.

La creatividad tiene que ser subversiva. Comunicación que rompe las reglas, destruye el conformismo crea la verdadera belleza. Comunicar verdaderas creencias sin estar condicionados por maximizar las ganancias.

Tenemos la posibilidad de cambiar el mensaje. Tenemos que tener valentía para ser diferentes. Los canales de distribución existen. Las personas creativas tienen que abrir la verdadera comunicación que puede cambiar nuestras vidas.

Necesitamos crear un dialogo no un monólogo. No a la monocultura. No al monopensamiento.

“Lo único que sé es que no tengo ni puta idea de nada”. Lección magistral de creatividad de Ferran Adrià sin ninguna intención de serla. La galaxia Adrià y todo a su alrededor no se rige por las leyes convencionales de la gravedad. “Son marcianas”, como él mismo describe.

“La principal conclusión de los estudios sobre elBulli que realizaron Harvard y Esade es que esto no tiene ninguna lógica”, y allí quizá radica la genialidad de Adrià. Puede que no tenga ninguna lógica pero el caos creativo crea resultados únicos e irrepetibles.

En su ponencia en el Día C, Adrià explicó que la creatividad es el terreno donde más cómodo se encuentra para hablar. “Yo no me dedico a la cocina, me dedico a la creatividad”.

Para ser creativo, Adrià piensa que es clave dar forma a lo que quieres transmitir. “Lo importante no es ser el primero. Lo importante es saber conceptualizarlo. La gente necesitaba un hilo conductor para entender la deconstrucción. La gente no lo entendía. La única manera de explicarlo fue haciendo platos”.

LAS AUDITORIAS CREATIVAS

Las defiende a muerte y son procesos que apenas se hacen. “Conozco a muchas empresas. Dicen que gastan no sé cuantos millones en I+D pero ignoran por completo las auditorías creativas. Hace unos meses estuve reunido con los principales capos de Telefónica y les pregunté si las hacían. Alierta miró a su número dos y el número dos miró al que tenía debajo de él. Nadie tenía ni idea de lo que hablaba. Me miraron como si fuera un marciano”.

Las auditorías creativas han sido los momentos de reflexión que han permitido a elBulli evolucionar. “Gracias a ellas hemos dado saltos cualitativos impresionantes. Durante un periodo de descanso en 2003 conocimos la cultura culinaria japonesa. Algo que ha sido vital para nosotros. Nos permite crear el caos continuo. Durante el periodo de reflexión y replanteamiento cambiamos hasta el lápiz para escribir. Es muy importante desconectar”.

Son seis meses que Adrià utiliza para expermientar aunque el cocinero admitió que esta parada anual surgió de la casualidad, no de una idea premeditada. “Voy a ser sincero. Empezamos a cerrar el restaurante en 1987 durante seis meses porque durante esa época del año no venía nadie a la Costa Brava. No por otra cosa”.

ELBULLI, HISTORIA DE UN SUEÑO

Durante su charla, Adrià mostró una segmento del catálogo audiovisual que presentó en el Festival de cine de Cannes el año pasado y que se puso a la venta a principios de 2010. Una de las cosas que se hizo patente es que la visión creada por los medios es que es una especie de científico creador de la gastronomía molecular y jeringuillas. El vídeo, de alguna manera, lo desmiente. En realidad, hay muchos platos muy conectados con la naturaleza en su concepto y ejecución.

El proyecto surgió de la frustración que tenía con la representación de la cocina hasta el momento en el mundo audiovisual. “Una de las cosas más difíciles de hacer visualmente es filmar a gente comiendo. Casi siempre es horroroso cuando comen o cocinan en las películas”.

UNA ESCUELA DE CREACION

Pasando a la actualidad, el cocinero catalán empezó a relatar los acontecimientos de los últimos meses, en los que admite haberse sentido un poco abrumado. “Llegó a aparecer en los teletipos de los noticieros del mundo que cerraba elBulli cuando surgió la confusión con The New York Times”. Adrià se refería al revuelo que causó una entrevista con un periodista del periódico neoyorquino donde salió publicado que Adrià cerraba elBulli. (En realidad abrirá una fundación en 2014).

“Lo mejor de todo es que la gente piensa que tengo un equipo de comunicación detrás de 15 personas pero en realidad sólo hay una persona, el director creativo de elBulli, que lleva estos temas. En el caso de The New York Times se gestó desde mi apartamento en Barcelona. Las llamadas para desmentir la noticia las hice desde casa un sábado por la tarde en pijama”.

Lo que creó quizá por error o no (nos dejó con la duda si esto fue premeditado) fue una de las mejores campañas mediáticas que podría imaginar para su nuevo proyecto, que nos lleva a la cuestión ¿Por qué ha decidido cambiar completamente cuando sigue siendo la referencia?

“Vi que el mismo formato no iba a funcionar. Lo habíamos estrujado al máximo. Necesitaba hacer algo para poder seguir creando al nivel que había. Me empezaba a aburrir. Todo se volvía monótono. Necesitábamos un reto”.

Sobre el futuro que le espera se le vio muy ilusionado. Será una factoría artística multidisciplinar inspirada en Andy Warhol. “Va ser algo increíble. Será la repera porque no hay nada igual a pequeña escala. No es una escuela. Vamos a buscar la creatividad. Su misión es crear, no educar”.

Y así nos dejó el cocinero que busca convertirse en el auditor creativo por excelencia. Es una decisión que no todo el mundo llega a comprender. Quizá el que mejor lo ha entendido es un taxista madrileño.

“Al final del trayecto me preguntó si podía bajar del coche y darme la mano. Se acercó a mí y me dijo ‘felicidades por esto que va a hacer usted. A mí me encataría tener un grupo de 15 personas y un lugar para mejorar el taxi’. Estaba pidiendo una auditoría creativa del taxi en España”.

Foto de Charles Haynes

Lo Creativo, El Cielo. Este es el primer hexagrama del I Ching, el libro de los cambios. En él se describe la creatividad como “poder original luminoso, activo y fuerte, el cual proviene del espíritu. En relación al mundo humano representa la acción creadora del santo o del sabio, del gobernante o del conductor de los hombres, que a través de su poder despierta y desarrolla lo que hay de más elevado en ellos“.

Y esto, ¿qué tiene que ver esto con la creatividad? ¡Tiene que ver todo! Porque tiene que ver con la búsqueda de la verdad de cada uno de nosotros. Todos tenemos el poder de la creatividad, todos somos capaces de crear de manera distinta a los demás y de como se ha hecho anteriormente. Todo ser humano puede ser original porque no hay un ser humano igual a otro en el mundo, ni jamás lo habrá. Partiendo de esta premisa ya podemos afirmar que, si somos conscientes de esta distinción, a la fuerza tenemos que ser originales.

La creatividad es un don con el que se nos ha premiado a cada ser humano nada más nacer y, en mucha ocasiones, la suprimimos en nuestro proceso de madurez dejando que un dudoso sentido de la obligación la sustituya, porque en el fondo de nosotros mismos, no la consideramos como un elemento que conservar, ni tampoco la mantenemos viva en los demás.

La única manera de amar a otra persona es permitiendo que descubra lo que hay en sí misma de creativa, de sublime, de poderosa. Por medio de esa actitud se mantiene viva en cada parte de nuestro cuerpo la creatividad, nuestro poeta, nuestro artista. El gran asesino: la crítica.

Por eso, los grandes maestros en cualquier disciplina son los que han amado tanto a sus discípulos como éstos a sus mejores amigos, pensando y haciéndoles ver el don que cada uno de ellos tenía en su interior. Sin hacerles sentir miedo, dándole alas, libertad, los deja fluir y así poder conectar con su verdadera esencia, lejos de las críticas, de las burlas, del desaliento. Y así, los alumnos trabajan horas y horas sin descanso, dejando salir todo el poder creativo y la magia que está depositada dentro de ellos. Dentro de cada uno de nosotros.

¿Cómo mantener ese espíritu vivo en nuestro interior? Usándolo, dejándolo salir, invirtiendo algo de tiempo en conseguir nuestro propósito y no usando la razón, porque lo que entendemos por razón o sensatez no se identifica de ningún modo con la inteligencia o la comprensión de las cosas. Ser demasiado sensato puede resultar sumamente aburrido. La razón es sólo prudencia, y ésta seca impunemente la imaginación, la pasión, la libertad y el entusiasmo que habita en nosotros.

Tenemos que ser capaces de usar nuestra capacidad creadora con amor y generosidad porque los mayores límites y enemigos de la creatividad son las ansias de ganar dinero a través de su manifestación y la vanidad de lucirse en cada momento o el autobombo. Debemos comprender que la verdad reside en nuestro interior, y así entender que la creatividad es un impulso para compartir sentimientos y verdades con los demás.

Por lo tanto, todo trabajo que nos interese y nos guste lo debemos desempeñar con amor, con imaginación, con inteligencia y conectados a nuestra verdadera esencia, donde reside el poder más fuerte que tenemos: nuestra creatividad.
Las personas más ocupadas son las menos creativas porque la imaginación, las ideas y la inspiración llegan despacio, sin avisar en los momentos de calma, de ocio. No tengas remordimientos ni pienses que pierdes el tiempo si decides irte a pasear solo y tranquilo todos los días. Te estás entregando a tu imaginación, a tu amor y a tu inteligencia.

Los grandes artistas como Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Tolstoi… se entregaban a momentos de ocio y, sobre todo, quisieron a todas las personas como eran, y sin intentar controlar ni dominar a nadie. Para las personas más creativas, saben que lo que puede ser bueno o conveniente forma parte de la libertad de cada uno: en eso consiste la imaginación.

Finalmente uno llega a la conclusión de que la imaginación requiere un tiempo de madurez y un feliz e improductivo momento para el ocio. Plotino, el gran filósofo místico afirmó: “Así son los hombres, demasiado débiles para la contemplación”, refiriéndose a la imaginación.

Este tiempo de espera, de introspección, de aceptación propia y de los demás, es necesario. Así te sentirás libre, te sentirás creador y te manifestarás a través de tu imaginación.

¿Alguna vez te has encontrado con una idea ajena y te ha sonado como propia? Estoy seguro de que sí a no ser que seas uno de esos tipos que no suele tener ideas, lo cual es imposible si estás leyendo esta revista.

Partiendo de esa más que arriesgada suposición, tal y como deben ser las suposiciones en el universo del pensamiento creativo, estarás de acuerdo conmigo en que da mucha rabia. Muchísima. Es como si alguien hubiera hackeado nuestra mente, al más puro estilo Matrix, y hubiera tenido acceso a todo nuestro fichero de pensamientos, ideas y recuerdos más personales. Toda una invasión de nuestra intimidad más intima. Y entonces, cuando nadie le ve, como el amigo Alejandro, se va por donde vino con nuestras mejores y más selectas ideas con el fin de difundirlas y utilizarlas en beneficio propio y en, por supuesto, perjuicio nuestro.
Todo un clásico.

Si al descubrir como se inventaron célebres juegos como el Monopoly o el Scrabble o alimentos como las papas (chips) o el sandwich, y además, reflexionamos un momento sobre el dineral que se llevaron por ello, es posible que pensemos que también lo podríamos haber hecho nosotros y ya nos hubiéramos jubilado. Pero no fue así. Lamentablemente lo hicieron otros. La idea quizá la pensamos alguna vez, algo de todo eso nos suena, es verdad, pero ahora ya es demasiado tarde. Y es que parece que todo ya está inventado. Al menos eso dijo un tal Charles Duell a finales del siglo XIX. Sí, es cierto, se equivocó.

A la vista está que hemos progresado mucho en todo este tiempo, quizás haya sido uno de los períodos más fructíferos de la historia de la humanidad. Tal y como dice Richard Florida en La Clase Creativa, si cogiéramos a una persona de principio de siglo (XX, por supuesto) y la pusiéramos en 1950 y otra de 1950 y la pusiéramos a principio de siglo (XXI esta vez), ¿cuál de las dos fliparía más?

Esto me sirve para plantear lo siguiente, ¿quién acusaría más los cambios, una persona del siglo XII pasada al XIII o una del XIX al XX? Creo que esta última etapa ha sido altamente creativa. Pero, recuperando la frase de Duell y pasándola por la, siempre curiosa, personalidad de Albert Boadella, nuestra frase inspiradora  podría quedar así:

“Dios ya lo ha inventado todo”

Esto me lo decía, recuerdo, hace ya algunos años en un acto celebrado en Córdoba con emprendedores.  Eso sí, añadía después, lo ha sumido todo en la oscuridad más profunda para que nosotros lo podamos descubrir poco a poco. Lo que hace el creativo es iluminar con su linterna personal y así ver lo que los demás no ven.

Entonces nos lo muestra, y entonces también, es cuando lo que vemos nos suena a propio. Claro, es que estaba delante de nosotros, todo el tiempo había estado ahí pero, bien por falta de atención, bien a causa del efecto mendigo – siempre están ahí pero ya nunca los vemos-  había pasado totalmente desapercibido.

Pero ahora, a toro pasado, es cuando acusamos al prójimo y exclamamos con efecto redentor eso de:

¿por qué no se me habrá ocurrido a mi?

Gúzman López es escritor, formador y asesor en creatividad e innovación

Bajas por unas escaleras y entras a un espacio donde vive el blanco y la serenidad. En la entrada hay una exposición. En la sala común, un chico juega con una maqueta de cartón. Un grupo de animadores 3D conversa alrededor de una pantalla de ordenador. Bienvenidos a la oficina creativa del futuro (y presente).

Studio Banana es un espacio creado en 2007 con el propósito de servir de lugar de acogida a toda alma creativa que pasa por Madrid pero también como espacio de trabajo base para aquellos que necesitan una oficina en la capital.

Es un modelo de trabajo inspirado en los movimientos artísticos de los años 70 que empieza a proliferar en las capitales de todo el mundo. Los diferentes miembros tienen o forman parte de una empresa determinada pero las sinergias que produce la convivencia entre átomos creativos promueven la innovación y la creación. Juntos forman un colectivo capaz de desarrollar cualquier tipo de proyecto creativo.

“Hay diseñadores gráficos, ilustradores, animadores, arquitectos, fotógrafos. Las posibilidades de trabajar entre nosotros son infinitas pero también da pie a crear iniciativas utilizando nuestros conocimientos diversos. Tenemos una asociación cultural que organiza eventos y ofrecemos cursos. Hemos creado Studio Banana TV, una productora audiovisual que entrevista a personajes interesantes y ofrece contenido. El siguiente paso será crear una editorial”, explica Key Portilla Kawamura.

El hispano japonés es, junto a Ali Ganjavian, el fundador de la iniciativa. Ambos forman parte del estudio de arquitectura Kawamura-Ganjavian, que tiene su sede en Studio Banana, ubicado en el barrio de Tetuán.

“Hemos vivido en varios países y estudiamos en Londres, pero teníamos Madrid como referencia. Pensamos que era un sitio más virgen para crear este tipo de iniciativas”, indica Kawamura.

La estructura de Studio Banana lo hace especialmente diseñado para servir de punto de entrada para mucha gente que viene de otros países. “Enseguida entras en una red de contactos y profesionales que aumenta las posibilidades de trabajo”, comenta Mónica Mejía, studio manager del centro.

Esto ayuda a que la composición del estudio en Madrid sea muy diversa. “Hay colombianos, alemanes, suizos, portugueses, argentinos…”, añade.

Pero también es un reflejo del aumento de personas dispuestas a emprender. Los 38 puestos de trabajo están ocupados por free-lance, portfolio workers y pequeñas empresas que han decidido ir por libre. Algunas de ellas son Opinno, un ‘acelerador de start-ups tecnológicos’; Plan B, un estudio de diseño gráfico que, además de ser empresa, se encarga de la imagen visual de Studio Banana, y El Huevo Estudios, un estudio de creación audiovisual en 3D.

“El espacio proporciona una presencia y infraestructura para que estos proyectos prosperen. No estás pagando sólo un alquiler. Ganas una serie de valores intangibles como flexibilidad y conectividad”, según Kawamura.

Trabajar en un espacio compartido genera una filosofía de trabajo más abierta hacia la colaboración. “Abogamos por la transparencia total. Cualquiera que quiera montar un espacio similar puede venir a vernos. Se lo contamos todo. No hay ningún misterio”.

Tetúan: un barrio en transformación

El estudio está situado en las laberínticas calles de Tetúan, un barrio que, poco a poco, se está transformando. Precios más asequibles, más espacio y proximidad al centro están contribuyendo a poblar esta zona de nuevas iniciativas creativas.

“Hay varios miembros que trabajan en creatividad que viven en el barrio. Eso, obviamente, repercute en la zona. Hay un estudio de artistas en la calle Naranjo, un plató fotográfico a la vuelta de la esquina, un teatro aquí cerca…”.

Foto 1: Ciszak-Dalmàs

Fotos 2/3/4: Elena Almagro

Saltillo, una ciudad que no llega a los 800.000 habitantes situada al norte de México y a una horas de la frontera estadounidense, no es conocida por nada en especial. Vive fundamentalmente de la industria del automóvil y de enormes fábricas que dan servicio a EEUU. Pero en esta localidad se encuentra Grupo W, uno de los referentes en publicidad interactiva a escala mundial. ¿Quién dijo que tienes que estar en Madison Avenue para triunfar enpublicidad?

Fundada en 1999 por Miguel Calderón y Ulises Valencia, la agencia es ahora uno de los referentes en creatividad interactiva en todo el mundo y cuenta en su haber con premios en Cannes y One Show. Su particular modelo de negocio ha ayudado a la agencia a poder escoger bien sus clientes.

“Somos un híbrido de productora y agencia creativa. Agencias como Crispin, Goodby y Wieden and Kennedy nos llaman para acatar ideas. Este dinero nos da un flujo de efectivo para evitar tener que hacer campañas de banner cutres y poder enfocarnos en proyectos locales de calidad con más detalle y cariño”, explica el español Dani Granatta, director creativo interactivo de la compañía.

Entrevista con Dani Granatta

¿Es una ventaja o un inconveniente desde el punto de vista creativo trabajar desde un sitio tan aislado?

El sitio es tan aburrido que no hay nada mejor que hacer que trabajar. Sí, es complicado atraer gente, pero también los que hacen el esfuerzo de venir hasta aquí están muy comprometidos. No hay mucho lugar para la farándula.

¿Os dificulta atraer talento?

Es complicado pero no imposible. También hay expatriados de Ecuador, Perú, Colombia y Rusia trabajando aquí.

¿Y vuestra filosofía de trabajo?

Al final la propia agencia purga al que llega en busca de glamour. Aquí se trabaja duro. Es un ecosistema peculiar pero también un sistema de trabajo bastante horizontal. Por nuestra proximidad a EEUU miramos más a agencias como Crispin como referentes.

¿Cómo estáis adaptando vuestra manera de pensar a los Social Media?

Realmente me parece una maravilla tener esta forma más orgánica de diseminar nuestras campañas. Obviamente ahora es una moda y las cosas se normalizarán pero es un entorno interesantísimo con su propio diálogo.

¿Cómo está el mercado publicitario mexicano en estos momentos?

Es un mercado curioso porque tiene una penetración de móviles altísima, concretamente un 75% de la población. Un 50% de los usuarios de móviles tiene un smartphone porque muchos mexicanos viven entre EEUU y se traen gadgets a México. Paradójicamente, es prácticamente imposible que te aprueben una campaña de este tipo. Aunque la penetración de internet es baja, un 30%, eso significa más de 30 millones de personas. Aún así, la situación está un poco como en España en 2000. Las campañas interactivas consisten en trasladar un spot de televisión a internet y poco más. Los interactivos son meros ejecutores de ideas.

¿Cómo se supera esta situación?

Uno de nuestros mejores recursos ha sido invitar a clientes a festivales de publicidad internacionales para que no te miren con perplejidad cuando les propones una campaña rompedora.

¿El ejemplo de Uniqlo, una marca que apuesta por una pequeña agencia interactiva para sus campañas mundiales, os ha ayudado?

Sí, reafirma la creencia de que al final lo importante es crear una experiencia que conecte. Si está chulo, lo reenvías y si no, no. Pero esto también es un ejemplo de cómo una marca ha sabido apostar por el largo plazo, algo que no se está haciendo mucho en los últimos años.

¿Por qué piensas que no apuestan por el largo plazo?

La mayor parte de los anunciantes cuando apuestan por internet tienen una perspectiva demasiada enfocada al corto plazo. Quieren resultados inmediatos. Cuando DDB ganó la cuenta de Audi, Juan Campmany pidió cinco años para superar en ventas a BMW. No entiendo porqué no permiten a los trabajos interactivos más tiempo para construir marca. Quieren el éxito seguro y resultados inmediatos.

El trabajo más reciente de Grupo W:

Tu Fila de Fans

Cliente: Rexona

Case Study

Héctor López e Iñaki Otaola son una pareja creativa recién salida de la universidad y lo tienen claro. Quieren trabajo y lo quieren ya. Para ello han creado una serie de acciones que predican con el ejemplo: “enviar el currículum o un portfolio no sirve de nada”, explica Héctor López.

Todo empezó a principios de noviembre. Ambos recorrieron Barcelona en busca de las principales agencias de publicidad. En cada una colgaron globos gigantes con el mensaje “Aún podemos volar más alto” y un link a la url hazmevolar.com, un guiño al corto francés de los años 50 Le balon rouge.

Tres semanas más tarde tocó otra vez pasar a la acción. Esta vez vistieron a un actor de cerrajero para volver a dejar constancia de su presencia a las agencias de Barcelona.

El actor entró y preguntó en cada oficina por los responsables creativos diciendo que les habían llamado para arreglar una puerta. Cuando bajó el creativo, el actor entregó una tarjeta con el mensaje “Si la puerta está cerrada, ¿por qué cuesta tanto abrirla?” y un link a abrenoslapuerta.com, otro minisite con los datos de López y Otaola.

En casi todas las agencias la visita del cerrajero se recibió con perplejidad menos en SCPF, según López. “Llevaron al actor hasta una puerta que, al parecer, estaba rota de verdad y tuvo que hacer todo el papel como si fuera un auténtico cerrajero hasta que se descubrió el pastel”.

¿Y todo esto ha dado resultado?

“Por el momento nos han salido algunas entrevista y estamos pendientes de algunas agencias pero no hay nada en firme”, explica López. Los vídeos, mientras tanto, siguen sumando visitas. El primero ya cuenta con más de 2.000 visitas y el segundo, casi 1.000.

Toca esperar, pero mientras, la pareja creativa trabaja en la tercera parte.

Gracias @untadoennocilla